Louis Marie De Schryver, né le 12 octobre 1862 à Paris, où il est mort le 6 décembre 1942, était un peintre français.

Louis Marie de Schyrver est né à Paris le 12 octobre 1862. Son père était un journaliste bien établi, mais son fils n'a pas suivi la même voie. Dès son plus jeune âge, de Schryver reconnaît ses capacités artistiques précoces et commence à se former à la carrière d'artiste dès l'âge de douze ans. Son talent est tel qu'il expose ses premières œuvres au Salon (1876) à l'âge de treize ans: Marguerites et Chrysanthèmes et Violettes et Fleurs Printanières, deux natures mortes. Ce qui est peut-être encore plus inhabituel, c'est qu'à cette époque, il n'étudie apparemment pas auprès d'un maître - son inscription dans le catalogue du Salon ne mentionne aucun professeur spécifique, bien qu'il ait peut-être étudié de manière informelle auprès d'un artiste.

L'année suivante, il continue à exposer au Salon tout en étudiant avec Philippe Rousseau, peintre de natures mortes et de genres. Il était inhabituel, mais pas inédit, qu'un élève aussi jeune entre dans l'école d'un maître, où ses condisciples pouvaient être plus de dix ans plus âgés que lui. Il reste très peu de temps sous la tutelle de Rousseau, car dès le Salon suivant, il a déjà quitté son atelier et se retrouve à nouveau sans professeur. Trois ans plus tard, à l'âge de 17 ans, il remporte une médaille de bronze à l'exposition universelle de Sydney pour son tableau intitulé Lilas. De Schryver est clairement sur la voie de s'établir non seulement dans le monde de l'art parisien, mais aussi au niveau international, avec des thèmes attrayants et appropriés à l'époque.

Il continue à participer assidûment aux Salons annuels, s'appuyant principalement sur des natures mortes, mais introduisant également des portraits et des scènes de genre. En 1886, il s'intéresse à la vie quotidienne de Paris et commence à recevoir des commandes pour peindre des portraits de gens de la société. Les représentations de la vie quotidienne contemporaine étaient devenues de plus en plus populaires pendant la période de la Belle Époque, les artistes commençant à dépeindre la vie trépidante et les diverses activités qui se déroulaient à Paris, enregistrant tout, des femmes à la mode de l'époque aux subtilités architecturales de la ville. Au Salon de cette même année, il présente Mes Dernières Fleurs, un titre approprié pour son choix thématique de transition, et Le Premier Jour de Printemps, qui reçoit une mention honorable. Deux ans plus tard, il devient membre de la Société des Artistes Français.

Les vues de Paris de De Schryver commencent à attirer l'attention, non seulement pour ses capacités techniques, mais aussi pour la spontanéité de la scène. Ses représentations de marchands de fleurs, de chevaux et de carrosses, de gens élégants de Paris, ainsi que ses portraits de balayeurs et de laveurs de rue sont empreints d'un réalisme et d'une lumière qui placent Schryver au plus haut niveau des artistes de la Belle Époque.

En 1891, de Schryver entre dans l'atelier de Gabriel Ferrier (1847-1914), peintre de genre et de natures mortes, après avoir interrompu sa formation formelle pendant un certain temps. Au Salon de cette année, il expose un tableau intitulé La Fin d'une Rêve, qui lui vaut une médaille de troisième classe, sa première médaille reçue aux Salons parisiens.

Pendant toute cette période et jusqu'en 1900, Schryver conserve un atelier à Paris, rue Pergolèse, ce qui lui donne l'occasion de sortir de chez lui pour trouver de nouveaux sujets. Ses œuvres présentées à l'Exposition universelle de 1900 lui valent une médaille d'or. Cette même année, il quitte Paris et construit une maison à Neuilly, ce qui coïncide avec un changement dans son travail : il se tourne vers le portrait et la peinture en costume, représentant des hommes et des femmes élégants d'une époque révolue, vêtus de soie et de satin. Comme pour ses premières scènes de rue parisiennes, ces tableaux trouvent une clientèle enthousiaste, tant en France qu'à l'étranger. En 1901, il expose Lesbiennes au Salon, un tableau que beaucoup considèrent comme une œuvre d'art brillante, mais qui crée un tel scandale qu'il doit être retiré de l'exposition.

Entre 1919 et 1925, il se rend en Rhénanie pour étudier et peindre le paysage de ce territoire occupé. Il revient souvent à Neuilly et, de temps en temps, retourne à Paris, où il meurt le 6 décembre 1942 à l'âge de 80 ans.

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Citation déformée et réduite volontairement extraite de "Encore la question juive" de Georges Bernanos (mai 1944).

Extrait de "Encore la question juive" de Georges Bernanos (mai 1944):

Il n'existe pas de race française. La France est une nation, c'est-à-dire une œuvre humaine, une création de l'homme; notre peuple, comme le peuple brésilien, est composé d'autant d'éléments divers qu'un poème ou une symphonie. Mais il y a une race juive. Un juif français, incorporé à notre peuple depuis plusieurs générations, restera sans doute raciste puisque toute sa tradition morale ou religieuse est fondée sur le racisme, mais ce racisme s'est humanisé peu à peu, le juif français est devenu un Français juif; ses vertus héréditaires, comme les nôtres, sont désormais au service de la nation. J'ai écrit que le génie juif est un génie de contradiction, de refus. Honneur à qui refuse le reniement, honneur à qui dit «non!» à la servitude, à la honte, à la collaboration. Ainsi la France a presque toujours rempli envers les juifs, sortis des immenses, des inépuisables réservoirs juifs de l'Europe centrale et orientale pour entrer dans notre vie nationale, sa mission d'assimilatrice, de réconciliatrice, d'initiatrice.

|Il n'existe pas de race française. La France est une Nation, c'est-à-dire une œuvre humaine, une création de l'homme, notre peuple est composé d'autant d'éléments divers qu'un poème ou une symphonie.|

Il s'agit d'un proverbe russe.

«Хитростью поймаешь даже льва, а силой не поймаешь и сверчка .»

cyberleninka.ru/article/n/posl…

«Russie amour» de Federico Sensi (1980).

|Par la ruse, on peut prendre un lion. Par la force, pas même un grillon.|

Citation méchamment déformée extraite de "Where Do We Go from Here: Chaos or Community?" de Martin Luther King (1967).

Extrait de "Where Do We Go from Here: Chaos or Community?" de Martin Luther King (1967):

Cherchons-nous le pouvoir pour le pouvoir? Ou cherchons-nous à faire du monde et de notre pays des endroits où il fait bon vivre? Dans ce dernier cas, la violence n'apportera jamais la réponse. La faiblesse ultime de la violence est qu'elle est une spirale descendante, engendrant ce qu'elle cherche à détruire. Au lieu de diminuer le mal, elle le multiplie. Par la violence, vous pouvez tuer le menteur, mais vous ne pouvez pas tuer le mensonge, ni établir la vérité. Par la violence, on peut assassiner celui qui hait, mais on n'assassine pas la haine. En fait, la violence ne fait qu'accroître la haine. C'est ainsi que les choses se passent. Rendre la violence pour la violence multiplie la violence, ajoutant une obscurité plus profonde à une nuit déjà dépourvue d'étoiles. L'obscurité ne peut pas chasser l'obscurité: seule la lumière peut le faire. La haine ne peut chasser la haine: seul l'amour peut le faire.

|Rendre coup pour coup, c'est propager la violence, rendre plus sombre encore une nuit déjà sans étoile. Or les ténèbres ne peuvent se dissiper par elles-mêmes. C'est la lumière qui les chasse.|

Charles Martin Hardie (16 mars 1858 - 3 septembre 1916) est un artiste et portraitiste écossais.

Né à East Linton dans le Lothian oriental en Écosse, fils de Mary née Martin (1817-1901) et de John Hardie (1820-1870), maître charpentier, Charles Martin Hardie rejoint d'abord l'entreprise familiale en tant que charpentier ; cependant, sa parenté par alliance avec l'artiste John Pettie le persuade de suivre une formation artistique à la Trustees' Academy d'Édimbourg. Tout au long de sa carrière, il s'est spécialisé dans les portraits de Robert Burns et de Sir Walter Scott dans des scènes historiques imaginaires et dans des peintures de la vie rurale écossaise qui ont souvent un thème narratif fort. Travaillant à l'huile et à l'aquarelle, Hardie a peint des portraits, des paysages, des scènes de genre et des scènes historiques. Il avait un studio à Picardy Place à Édimbourg.

Vers 1889, il épouse Mary née Lewis (1871-1898) et a deux enfants avec elle: Lewis Hardie (1890-1891) et Constance Valerie Martin Hardie (1892-1977). Il divorce en 1895 après qu'elle se soit enfuie avec un acteur. Il épouse alors Margaret Somerville née Smart (1873-).

Hardie est élu associé de la Royal Scottish Academy (ARSA) en 1886 et membre de la Royal Scottish Academy (RSA) en 1895. Il expose à la Royal Academy, à la Royal Scottish Academy, à la Royal Hibernian Academy, au Royal Institute of Painters in Water Colours, au Royal Glasgow Institute of Fine Arts et à l'Aberdeen Artists' Society.

Au moins huit de ses œuvres font partie de la collection des National Galleries of Scotland. Son portrait de Julius Drewe est accroché au château de Drogo, dans le Devon.

Charles Martin Hardie est décédé à Édimbourg en 1916 à l'âge de 58 ans.

Caroline Paterson était une aquarelliste et illustratrice victorienne née en 1856 et décédée en 1911. Elle s'est spécialisée dans les paysages et les intérieurs domestiques, mettant souvent en scène des enfants et dépeignant toujours une vision idyllique de l'Angleterre rurale. Elle a également mené une brillante carrière d'illustratrice pour enfants et, bien qu'elle se soit mariée en 1892, elle a continué à travailler et à exposer jusqu'en 1904.

Caroline Paterson est née à Altrincham, dans le Cheshire, en 1856. Fille du Dr Alexander Henry Paterson et de son épouse, Mary Chance Paterson (née Herford), elle est l'une des sept frères et sœurs de l'artiste Helen Allingham (née Paterson). Elle est issue d'une famille d'artistes ; sa grand-mère maternelle, Sarah Smith Herford, et sa tante, Laura Herford, étaient toutes deux des artistes accomplies à leur époque. En 1860, Laura Herford a été la première femme à intégrer les écoles de la Royal Academy, après avoir été admise par accident en présentant un travail sous ses initiales, « L. H », dissimulant ainsi son sexe. Tout au long de sa carrière, elle a défendu l'égalité d'accès à l'éducation artistique pour les femmes et a encouragé les talents précoces de ses jeunes nièces, Helen et Caroline.

Paterson s'est très tôt spécialisée dans les paysages et intérieurs domestiques idylliques, ses œuvres mettant souvent en scène des enfants en train de jouer, d'être espiègles ou de s'occuper d'un autre. Ses tableaux sont connus pour leur évocation d'une vision victorienne paradigmatique de la tendresse et de l'innocence de l'enfance. Elle était également une portraitiste de talent, comme en témoigne une aquarelle de jeunesse représentant sa grand-mère, Grandmama Davis 1781-1889, peut-être son arrière-grand-mère maternelle.

Tout au long des années 1880, elle a mené une carrière fructueuse et productive en tant qu'illustratrice de livres pour enfants et de cartes de Noël. Dans le recensement de 1881, elle est enregistrée comme « artiste peintre en aquarelle », alors qu'elle se trouve dans une pension de famille à Lancaster. En 1886, Marcus Ward & Co, l'un des principaux éditeurs de l'époque, lui confie l'illustration d'un livre de Noël intitulé Three Fairy Princess. Le livre connaît un succès immédiat et entraîne une hausse de sa popularité en tant qu'illustratrice. Le critique de The Magazine of Art écrit dans « Art in December » (1886) que « les illustrations de Caroline Paterson pour “Blanche-Neige”, “Cendrillon” et “La Belle au bois dormant” en font l'un des meilleurs livres de Noël de cette année ». La production de Paterson était impressionnante : rien qu'en 1890, elle a illustré Claude and Claudia, A Tale, de Mrs H Martin, Little Sir Nicholas, de C A Jones et Stella's Cup, de May Elsdale, entre autres. Elle a également illustré Rhymes for the Young Folk de William Allingham, aux côtés de Helen Allingham, Kate Greenaway et Harry Furniss. Elle continue à répondre à des commandes d'illustration tout en restant présente dans les sociétés d'exposition de Manchester, Liverpool et Birmingham, ainsi qu'au Royal Institute of Painters in Water Colours et à la Dudley Gallery, à Londres.

En 1891, Paterson vivait à Gayton Crescent, Hampstead, avec sa mère. La famille est depuis longtemps associée à ce quartier artistique réputé et, à cette époque, Helen Allingham, veuve depuis 1888, vit à quelques rues de là, à Eldon House, Lyndhurst Road, avec ses trois enfants.

En 1892, à l'âge de 36 ans, Paterson épouse Sutton Sharpe, un employé de banque, et s'installe au coin de la rue, à côté de sa mère et de sa sœur, au 42 Willow Road. Bien que l'on dise souvent qu'elle n'est restée active que jusqu'à son mariage en 1892, des exemples de ses œuvres signées « C Sharpe », comme Buttercups, suggèrent le contraire. Il est probable que sa carrière ait été brièvement interrompue par la naissance de ses enfants, une fille, Margaret, née en 1895, et un fils, Frank, en 1896.

En 1911, Paterson est retournée au 12 Gayton Crescent, et peut-être dans la maison de sa mère. Dans le recensement, elle est mentionnée comme épouse de Sutton Sharpe et mère de deux enfants, mais aussi comme « artiste peintre », ce qui suggère qu'elle a continué à travailler tout au long de son mariage et de sa maternité. Elle meurt à Hampstead la même année, à l'âge de 55 ans. Son mari, ses enfants et sa sœur Helen lui ont survécu.

L'absence de recherches biographiques sur les femmes artistes de l'époque victorienne par rapport à leurs contemporains masculins, malgré le nombre de tableaux existants de ces femmes artistes, a été mise en évidence lors de la recherche et de la rédaction de cette biographie. La persévérance de Paterson dans sa carrière après son mariage, qui allait à l'encontre des conventions d'une société victorienne patriarcale où les femmes étaient censées abandonner leur travail une fois mariées, rend son succès remarquable, au-delà de sa vie relativement courte et de son impressionnante production.

Il serait imprudent de ne pas mentionner que l'héritage de Caroline Paterson a été quelque peu éclipsé par celui de sa sœur, Helen Allingham, qui a eu une vie et une carrière beaucoup plus longues. Le mariage d'Helen Allingham avec le poète William Allingham lui a sans aucun doute permis d'accéder à un cercle artistique plus large et à un plus grand succès, mais c'est surtout parce que William est mort près de quarante ans avant sa femme. Après la mort de William, il semble qu'Helen soit retournée à Londres pour reprendre sa carrière par nécessité et qu'elle ait eu l'occasion de développer son talent cohérent et commercial, continuant à travailler et à exposer avec beaucoup de succès jusqu'à sa mort en 1926.

Thomas Martine Ronaldson était un peintre impressionniste et moderne britannique né à Édimbourg le 13 décembre 1881 et mort le 12 mars 1942 à Londres.

Il fait ses études à la Merchiston Castle School d'Édimbourg et au Trinity College d'Oxford. Il étudie l'art à l'Edinburgh School of Art, à la Cope and Nicholl School de Londres et à l'Academie Julian de Paris sous la direction de J. P. Laurens. Il a remporté une médaille d'argent au Salon de Paris en 1926. Il a vécu à Londres pendant quelques années à partir de 1908. Au cours de sa carrière de portraitiste, il a peint de nombreuses personnalités, dont l'artiste Anna Katrina Kinkeisen, dont le portrait se trouve à la National Gallery of Schotland, et la duchesse de Newcastle. Il y a 21 de ses portraits dans la collection nationale à différents endroits, que l'on peut trouver en cherchant bbc/your paintings sur google. Il a beaucoup exposé entre 1905 et 1940, dont 26 à la Royal Academy, 42 à la Royal Scottish Academy, 13 à la Walker Art Gallery de Liverpool et 18 à la Royal Society of Portrait Painters, ainsi que dans diverses provinces.

Angelo Morbelli, né le 18 juillet 1853 à Alexandrie dans la région du Piémont et mort le 7 novembre 1919 à Milan, était un peintre italien divisionniste.

Angelo Morbelli est né le 18 juillet 1853 à Alexandrie dans la région du Piémont. Il est le fils de Giovanni, un fonctionnaire d'État, originaire de Casale Monferrato et de Giovannina Ferraris.

Durant sa toute petite enfance, il révèle une propension musicale marquée, mais à l'âge de sept ans, alors qu'il est au collège de Triverio di Casale, il contracte une mastoïdite qui le conduit à une surdité progressive; à cause de cette infirmité, ses parents l'orientent vers l'étude du dessin avec un peintre local.

À l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, il étudie sous Giuseppe Bertini et Raffaele Casnédi de 1867 à 1876.

Il commence à exposer, à Milan puis à Turin. Les thèmes choisis vont de l'histoire au paysage. En 1880, l'exposition du Goethe mourant à Brera est connue du grand public.

Il expose en France et en Angleterre, dès 1882-1884.

À partir de 1883, les thèmes picturaux de Morbelli sont orientés vers l'interprétation de la réalité. En particulier, il commence à représenter les personnes âgées hospitalisées dans le Pio Albergo Trivulzio, un thème qui lui a toujours été particulièrement cher. Cette année-là, il remporte le prix Fumagalli pour son œuvre Giorni.... ultimi.

Au début des années 1880, il épouse Maria Pagani, qui lui inspire de nombreuses peintures sur le thème de la maternité (il a eu quatre enfants de sa femme).

La technique Morbelli commence peu à peu à adopter la décomposition des couleurs et vers 1890, il embrasse le divisionnisme et se lie d'amitié avec Leonardo Bistolfi et Giuseppe Pellizza da Volpedo.

Il peint ensuite les paysages des rizières de Casale. Après avoir acheté une maison dans le hameau de Colma, près de Rosignano Monferrato, elle devient l'objet de nombreuses peintures. Il se consacre également à la représentation des paysages de montagne, lors des nombreux séjours d'été à Santa Caterina Valfurva.

En 1897, il remporte la médaille d'or à Dresde avec Per Ottanta centesimi et S'avanza. En 1900, il reçoit la médaille d'or de l'Exposition universelle avec Giorno di festa al Pio Albergo Trivulzio.

Avec le nouveau siècle, le thème du Pio Albergo Trivulzio, des paysages marins et des thèmes liés à la maternité et à la vie, a repris.

En 1908-1909, il entre en contact avec Carrà et Boccioni.

Il passe ses dernières années entre les hivers milanais et les étés à Colma et dans le Val d'Usseglio, lieux qui continuent de l'inspirer dans son activité picturale.

Angelo Morbelli meurt le 7 novembre 1919 à Milan.