Eugène Verboeckhoven, né à Warneton le 9 juin 1798 et mort à Schaerbeek le 19 janvier 1881, était un peintre, sculpteur, graveur et lithographe belge.

Son champ pictural couvre essentiellement la peinture animalière et les paysages animés.

Eugène Joseph Verboeckhoven, né à Warneton le 9 juin 1798, est le fils du sculpteur bruxellois Barthélémy Verboeckhoven (1759-1840) et de Jeanne Thérèse Six (1772-1833), mariés en 1792. Il est le frère aîné du peintre Charles-Louis Verboeckhoven (1802-1889).

Eugène Verboeckhoven épouse à Gand le 19 juillet 1822 Pauline Hebbelinck (1798-1882). Le couple a quatre enfants: Euphrosine (1821-1902), Stéphanie (morte un mois après sa naissance en 1824), Eugène-Barthélemy (1825-1907), artiste peintre, puis industriel et Louis-Hippolyte (1827-1883), père de l'artiste peintre Marguerite Verboeckhove.

Il est l'élève de son père Barthélemy Verboeckhoven, sculpteur d'un certain mérite qui lui apprend à dessiner et à modeler. À l'âge de douze ans, son père l'envoie travailler dans une usine de jouets pour gagner un peu d'argent.

Vers 1815, son père se rend à Gand et Eugène le rejoint. Il parvient à suivre quelques cours de dessin à l'Académie royale des beaux-arts de Gand, cependant il obtient une mauvaise place lors des examens et son père décide de lui donner un enseignement par ses propres moyens. Il obtient également pour son fils un emploi au sein d'une imprimerie dans laquelle il doit dessiner des lettres commerciales, des bons de commandes et des affiches. Ce travail lui permet d'obtenir une certaine maîtrise du dessin et de rencontrer le sculpteur gantois Albert Voituron.

Sous la direction d'Albert Voituron, il effectue du modelage, du dessin ainsi que la copie de peintures flamandes, et notamment celles de Paulus Potter et Karel Dujardin. Il s'essaie à la lithographie ainsi qu'à la peinture. Son premier tableau représente deux vaches auprès d'un arbre dans un pré date de 1816 et est acheté par Albert Voituron.

En 1818, il devient élève de Balthasar Ommeganck et, en 1820, il expose au Salon de Gand: Un hiver avec figures et Paysage d'Arcadie, marquant le début de sa carrière.

Les débuts du peintre sont modestes. Il expose une Dame à cheval, dessin aux trois crayons, un Capitaine à cheval et un Paysage avec animaux au Salon de Bruxelles de 1821. Il expose également une sculpture en plâtre, intitulée Hébé, mais retourne rapidement à sa préférence animalière. Il produit durant ses premières années de nombreux croquis et études d'après nature, notamment sur les lions de la ménagerie gantoise. Afin de se perfectionner, il effectue de nombreux voyages dans la périphérie gantoise ainsi que dans les Ardennes françaises. En 1824, lors d'un voyage en Angleterre, il découvre le zoo royal de Londres et est particulièrement captivé par le lion14.

Il profite également de ses voyages pour exposer : à Douai (1823) où il obtient la médaille d'argent et au Salon de Paris (1824) où il obtient la médaille d'or ou encore en Allemagne. De retour en Belgique, il apparaît sous un jour nouveau au Salon de Bruxelles de 1824: le dessinateur aux essais timides est devenu un peintre, dont les trois tableaux sont remarqués et achetés, dont: Paysage (avec une mare au premier plan, traversée par une charrette de foin, et à l'arrière plan, un berger avec son troupeau) et une marine, Des pêcheurs étalant leur poisson sur la plage.

En parallèle, il s'investit davantage dans l'école de peinture de Courtrai qui se consacre à la peinture animalière et paysagiste fondée par Balthasar Ommeganck et Jan Baptiste de Jonghe. Ces derniers collaborent avec le jeune peintre en intégrant du bétail en illustration de ses peintures paysagères. Au sein du cercle artistique de l'Académie de Courtrai, Eugène devient enseignant dès 1825 et forme de nombreux élèves avec lesquels il travaille également. Il forme Louis-Pierre Verwée qui suit les traces de Verboeckhoven et peint plusieurs tableaux en collaboration avec celui-ci au point que leurs tableaux soient parfois confondus. Il enseigne à Louis Robbe qu'il tente de convaincre de se dédier aux peintures animalières, sans succès puisqu'il se dirige ensuite vers le réalisme.

En 1827, il quitte Gand avec sa famille, son père et son frère Louis pour s'établir à Bruxelles, non loin du Palais royal. Il y envoie trois tableaux et trois lithographies pour l'exposition bruxelloises et sa notoriété est telle que les œuvres sont vendues avant l'ouverture de l'exposition. Ce succès lui permet de rapidement établir un atelier à la rue des Arts de Saint-Josse-ten-Noode.

En parallèle de ses débuts en peinture, Eugène Verboeckhoven s'intéresse à la lithogravure. Ses premiers essais sont des emblèmes de la franc-maçonnerie et sa première épreuve complète est un Petit chien datant de 1821. Il fait ses impressions chez l'éditeur Kierdorff avec lequel il a travaillé en 1816. Il imprime ensuite une série de six dessins à destination du parc zoologique de Gand. Puis il réalise des illustrations pour livre comme par exemple pour le récit de voyage Les Hindous de Frans Balthazar Solvyns.

Plus tard, il travaille sur une série de pièces animalières très appréciées dans l'Album Pittoresque en collaboration avec Jean-Baptiste Madou, Paul Lauters et Théodore Fourmois. Vers 1828-1829, il produit une série lithographiée de portraits d'artistes. Puis à partir de 1833, il effectue des lithogravures pour le magazine L'Artiste. À partir de là, ses productions lithographiques se réduisent progressivement, avec tout de même quelques parutions dans les magazines artistiques.

Durant neuf mois, Eugène Verboeckhoven joue un rôle actif dans la Révolution de 1830 et participe aux opérations militaires des chasseurs-Chasteler, un corps libre de volontaires, qui le conduisent à Louvain et à Anvers. À son retour à Bruxelles, il peint une composition allégorique en souvenir de la remise des étendards attribués aux communes qui se sont distinguées durant la révolution. Il effectue également un dessin en l'honneur de Jenneval, auteur de La Brabançonne.

Cependant, il revient à la peinture animalière et expose au salon de Bruxelles de 1830 Un tigre devant une caverne, Trois moutons et Voyageur à cheval donnant l'aumône à un mendiant avec enfant. Ses tableaux sont particulièrement remarqués et il reçoit notamment des commandes provenant du nouveau roi Léopold Ier qui s'avère un grand admirateur de son œuvre.

Le gouvernement provisoire belge lui confie pendant quelques mois la direction du Musée des beaux-arts de Bruxelles, mais ce décret ne reçoit pas son exécution, étant donné l'opposition du conseil communal de la ville de Bruxelles, arguant que le musée ne relevait pas de l'autorité de l'État.

Attiré par la franc-maçonnerie, il rejoint avec son frère Charles-Louis la loge bruxelloise Les Amis philanthropes, où il est initié le 24 février 1834. Il appose dès lors les trois points caractéristiques à la suite de la signature de ses œuvres. La loge, sous l'impulsion de Pierre-Théodore Verhaegen, parvient à créer, en 1834, l'université libre de Bruxelles, dont Eugène Verboeckhoven est l'un des membres fondateurs.

Entre 1840 et 1845, Eugène Verboeckhoven réside rue royale extérieure à Saint-Josse-ten-Noode. En 1845, il acquiert un ensemble de 42 ares à la rue de Haecht à Schaerbeek, sur lequel il fait bâtir, en 1853, une somptueuse villa et un vaste atelier, divisé en deux salles. Dans ces pièces de travail, il accueille ses collaborateurs. Le domaine comprend également une écurie, deux chenils et un poulailler, abritant plusieurs de ses modèles animaliers qu'il a constamment sous les yeux.

L'artiste quitte peu son atelier, même s'il parcourt parfois l'Ardenne. En 1841 et 1842, cependant, un long périple le conduit à visiter, en passant par la Suisse, l'Italie, et notamment la ville de Florence. Le gouvernement belge lui avait commandé, par arrêté royal du 27 février 1840, un tableau représentant des Animaux dans la campagne de Rome, qu'il acquiert en 1847. Quelques années plus tard, il effectue un voyage d'études en Écosse. Durant sa carrière il peint plus d'un millier de tableaux, et réalise autant de dessins, esquisses, lithographies et eaux fortes. Son succès devient tel qu'il reçoit des commandes pour plusieurs années d'avance et qu'à Anvers, il existe des ateliers frauduleux où l'on ne produit que de «faux Verboeckhoven» destinés à l'exportation.

Parmi ses élèves, figurent notamment: Louis-Pierre Verwée, les frères Edmond et Charles Tschaggeny, Adolphe Roberts-Jones, Charles Ferdinand Ceramano, François van Severdonck, et Eugène Vermeulen.

Il est nommé membre de l'Académie royale de Belgique, lors de la fondation de la classe des beaux-arts en 1845, mais se rend peu aux séances de la société savante. En revanche, il siège régulièrement aux réunions de la Commission directrice du Musée, dont il est membre, en donnant son avis éclairé sur la cession de tableaux à l'État. En revanche, contrairement, à ce qu'affirment certaines biographies, ce n'est pas lui, mais son fils aîné, Eugène Barthélémy, qui est échevin à Schaerbeek de 1861 à 1867, à l'époque où le parti libéral dirige Schaerbeek en pleine expansion urbaine.

Eugène Verboeckhoven meurt, après une courte maladie à l'âge de 82 ans, chez lui, chaussée de Haecht n°184 à Schaerbeek, où il résidait depuis quelque trente ans, le 19 janvier 1881. Trois jours plus tard, ses funérailles regroupent une assistance officielle nombreuse, dont Walthère Frère-Orban, ministre des Affaires étrangères, Hendrik Conscience, écrivain et conservateur des musées royaux de l'État, Achille Colignon, bourgmestre de Schaerbeek, plusieurs officiers de haut rang et d'autres personnalités. Après un service religieux à l'église Saint-Servais, il est inhumé à Schaerbeek.

Il participe régulièrement aux salons et expositions. La peinture animalière est à cette époque perçue par la critique à un niveau plus bas que la peinture historique. Cependant, les tableaux d'Eugène Verboeckhoven sont traités avec le même respect que ceux des maîtres du romantisme. Les publications louent particulièrement sa toile Convoi de chevaux attaqué par des loups dans une forêt de Pologne qu'il présente au Salon de 1836, ainsi que Troupeau effrayé par l'orage qu'il présente au Salon de 1833 et de 1839. La version de 1839 est exposée au Salon de Paris de 1841 et y connait également un succès critique: «Rien n'est négligé, ni la forme, ni la couleur, ni l'expression, ni les détails, ni l'ensemble».

Après son voyage dans les villes italiennes dans les années 1841-1842, il produit des toiles qui reçoivent un excellent accueil. Souvenir de la campagne romaine est présenté au Salon de La Haye en 1843, puis au Salon d'Anvers et au Salon de Gand en 1847. Le tableau est particulièrement encensé par la critique. Cependant, à partir du Salon de Bruxelles de 1860, les critiques négatives commencent à se montrer plus présentes, pointant notamment les thématiques et compositions répétitives. En 1874, une critique parle même d'un artiste qui s'est égaré dans son succès.

«Il est un des peintres qui offrent un exemple des plus frappants d'un talent égaré par l'habileté aussi bien que par le succès. […] Est-il étonnant qu'un artiste organisé de la sorte ait une chute si rapide, et qu'il se soit survécu à lui-même par une suite de productions aussi faibles et aussi monotones ? » - E. Thammer, L'Art Universel, 4 mars 1874.

Dans L'École de peinture belge 1830-1905, Camille Lemonnier fait part de son admiration pour Eugène Verboeckhoven et sa capacité à ne pas se soumettre aux influences extérieures dans son travail. Il souligne le savoir du peintre sur l'anatomie animale, sa précision mathématique et son habileté extrême.

Pratique populaire au XIXe siècle surtout dans le cas d’œuvres d'élèves recevant l'aide de leur professeur, les collaborations sont fréquentes pour Eugène Verboeckhoven qui parvient à illustrer un tableau en s'adaptant à la couleur et à la composition originale. En 1993, une exposition rétrospective au musée d'art de Koekkoek-Haus (de) à Clèves se consacre à sa coopération avec le peintre paysagiste romantique Johann Bernhard Klombeck41.

La collaboration avec Klombeck se déroule à un moment périlleux pour l'école d'art de Clèves en perte de vitesse suite au décès de Barend Cornelis Koekkoek, mais répond à une pratique courante entre les artistes de cette école et Eugène Verboeckhoven puisque Barend Cornelis est le premier à initier une collaboration. Plusieurs autres artistes suivent comme Hermanus Koekkoek, Alexander Joseph Daiwaille et Willem Bodeman. Les tableaux issus de ces collaborations portent les deux signatures, ce qui n'est pas courant dans cette pratique.

De très nombreux autres peintres font appel à Eugène Verboeckhoven pour des collaborations comme Johannes Warnardus Bilders, Charles Brias, Alexandre Calame, Henry Campotosto, Jean-Michel Cels, Johannes Franciscus Christ, Jean-Baptiste Daveloose, Willem de Klerk, Édouard Delvaux, Pieter-Frans De Noter, Edouard De Vigne, Cornelis Johannes De Vogel, Fritz Ebel, Alexandre Thomas Francia, Paul Gabriël, Fanny Geefs, Pierre-Jean Hellemans, Johannes Franciscus Hoppenbrouwers, Jean-Baptiste Kindermans, Marinus Adrianus Koekkoek, Fredrik Marinus Kruseman (en), Pierre-Louis Kühnen, Victor Lagye, Cornelis Lieste, Morten Müller, Joseph-Chrétien Nicolié, François Auguste Ortmans, Joseph Quinaux, Willem Roelofs, François Roffiaen, Nicolaas Johannes Roosenboom, Jacques Rosseels, Andreas Schelfhout, Johannes Anthonie Balthasar Stroebel, Franz Richard Unterberger, Ernest Vandenkerckhove, Charles van den Eycken, Felix Van Espen, Joseph Van Luppen, Charles-Louis Verboeckhoven, Isidore Verheyden, Charles Verlat et Gustave Wappers.

Eugène Verboeckhoven est considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers belge du XIXe siècle. Artiste complet, il est capable de peindre tous les animaux et l'homme lui-même. Il n'a jamais besoin de recourir, dans ses paysages, au secours d'une main étrangère pour y placer une figure. Il marque une prédilection pour les moutons, mais dessine aisément des lions, étudiés d'après nature dans une ménagerie. Bien qu'il soit capable de peindre des scènes d'action, comme son Convoi de chevaux attaqué par des loups, et des scènes de mouvement, tel Moutons effrayés par l'orage, son tempérament l'incite à représenter les animaux dans une situation paisible. Il réalise également deux portraits équestres du roi Léopold Ier, de même qu'un portrait de Soliman Pacha. De nombreux peintres font appel à son talent pour enrichir leurs œuvres de représentations animalières, dont : Gustave Wappers, Henry Campotosto, Jan Baptiste de Jonghe, David de Noter, Barend Cornelis Koekkoek, Édouard Delvaux et Isidore Verheyden.

Le manque de variété du répertoire de l'artiste est compensé par le mérite de son exécution. Comme coloriste, il ne recourt pas, par instinct, aux vives oppositions, aux effets saisissants, ni aux jeux piquants de la lumière. Cependant il possède, à un haut degré, le sentiment de l'harmonie qui résulte d'une juste observation du rapport des tons5. Eugène Verboeckhoven travaille continuellement dans son atelier, renfermant des milliers d'études, d'après nature dans ses rares voyages ou dans ses excursions dans la campagne : des vues d'ensemble ou des fragments de paysages, des ciels, des terrains, des arbres, des effets de lumière aux différentes heures du jour, de même que des modelages d'animaux en cire, terre, ou plâtre, exécutés par lui-même. Eugène Verboeckhoven attribue une valeur à ses tableaux, selon leurs dimensions, mais aussi d'après le nombre de moutons représentés. Lorsqu'un amateur britannique lui demande un jour le prix d'une œuvre, l'artiste lui répond qu'elle vaut 10000 francs. L'acquéreur potentiel négocie âprement le prix et ne veut débourser que 9000 francs. Lassé, le peintre saisit son couteau à palette et enlève deux moutons fraîchement peints de la toile.

Eugène Verboeckhoven s'est également ponctuellement adonné à la sculpture, comme en témoigne son Hébé exposée à Gand. Il réalise également de nombreuses eaux fortes aux sujets variés : Fables de La Fontaine, moulins, moutons, vaches, chevaux, ânes, singes… Dès 1820, il exécute des lithographies, assez médiocres au début, mais progressivement maîtrisées: Vache près d'une barrière, Cheval, Tigre, Éléphant, Combat d'un tigre et d'un serpent…

De par ses origines, Eugène Verboeckhoven est directement influencé par la peinture Flamande tels que les miniaturistes flamands, les primitifs flamands, les peintres baroques et les peintres du siècle doré. Les têtes chevalines de Pierre Paul Rubens influencent directement sa manière de les représenter dans ses œuvre.

Chez les maîtres hollandais tels qu'Abraham Bloemaert et Jacob de Gheyn, les vaches, chèvres et moutons occupaient également une place importante et les représentations animalières de Roelandt Savery influencent particulièrement les compositions et les animaux que privilégie Eugène Verboeckhoven48. Les tableaux de Paulus Potter et notamment Le taureau inspirent sans aucun doute Vacher se reposant avec bétail (1854), Berger coupant une branche (1846) ou encore Fourrage du bétail au bords de la Mer du Nord (1868). En effet, à la comparaison, on retrouve des éléments de composition très similaires: une vache couchée, un arbre, un vacher, des moutons couchés et un bouc. Plusieurs tableaux d'Eugène Verboeckhoven reprennent cette composition tout en lui offrant suffisamment de variations pour qu'elle semble originale.

Si de nombreux autres peintres animaliers l'inspirent comme Nicolaes Berchem, Albert Cuyp ou Philips Wouwerman; on décèle une très forte similarité entre Le Lièvre mort de Jan Weenix et Nature morte avec lièvre (1844) d'Eugène Verboeckhoven.

Henry Campotosto, né à Bruxelles le 14 novembre 1833 et mort à Londres le 19 décembre 1910, était un peintre et un graveur belge.

Son champ pictural couvre les scènes de genre, les portraits, et les paysages.

Henry Campotosto, né à Bruxelles le 14 novembre 1833, est le fils de Dominique Campotosto (1786-1856), natif de Ariccia, commune de la ville métropolitaine de Rome Capitale, marchand rue Ducale, n°1, et de Catherine Thoelen (1798-1889), native de Herck-Saint-Lambert, femme de chambre, puis marchande, mariés à Bruxelles le 23 avril 1822. Henry Campotosto a un frère aîné, Libert Jean Campotosto, horloger et bijoutier réputé, à partir de 1856, à la rue au Beurre, puis à la rue Grétry, à Bruxelles, jusqu'en 1894. Sa sœur Octavie Campotosto (née à Bruxelles le 7 novembre 1842, et morte à Londres avant 1910) devient également peintre.

Henry Joseph Campotosto étudie la gravure auprès de Luigi Calamatta, puis la peinture à l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, où il est l'élève de Eugène Verboeckhoven et de François-Joseph Navez. En classe supérieure, en septembre 1851, il participe au concours de l'Académie de Bruxelles et reçoit le premier prix de dessin d'après la bosse en figure antique. En septembre 1852, il obtient le premier prix avec grande distinction de dessin d'après nature6. En 1855, il obtient le second prix au Prix de Rome belge en gravure7. Sa première exposition officielle a lieu au Salon de Bruxelles de 1854. En 1861, il expose pour la première fois au Salon de Paris.

Henry Campotosto se voit obligé, en raison d'une pathologie oculaire, de renoncer à la gravure et d'abandonner le burin au profit du pinceau. Dans les années 1860, il réalise plusieurs tableaux idylliques sur le thème rural en collaboration avec Eugène Verboeckhoven qui illustre les différents animaux. Il travaille comme peintre de genre indépendant à Bruxelles jusqu'en 1870. Il participe à l'Exposition universelle de Paris en 1867. Il peint quelques tableaux avec Eugène Verboeckhoven, tel: Filles visitant des poussins.

En 1871, il s'installe à Londres avec sa sœur Octavie, où ils dirigent un atelier de peinture, d'abord dans leur propre demeure à Kensington Square, puis en 1892 à Rabbit's Heath. Il demeure durant le reste de sa vie dans la capitale britannique, où sa sœur et lui mènent une vie quelque peu «bohémienne». Après son départ outre-Manche, la valeur de ses œuvres augmente en Belgique. En 1874, il peint un Portrait du Prince impérial en uniforme des cadets de l'école de Woolwich. Lorsqu'il réalise, en 1875, un Portrait du pape Pie IX, le tableau est présenté au palais des Académies à Bruxelles, et vaut à son auteur de recevoir du souverain pontife l'ordre de Saint-Sylvestre. Il expose ses œuvres à la Royal Academy Exhibition jusqu'en 1874 et à la Suffolk Street Gallery à partir de 1878.

Il participe à Exposition universelle de Paris de 1878, et, en 1880 à l'exposition de l'Académie des arts de Berlin. Ses œuvres sont également présentes aux Salons de Paris jusqu'en 1881. À partir de 1887, sa gravure L'Agneau mort, d'après son tableau réalisé en 1871 et acquis par le roi Léopold II, est largement diffusée en Europe.

Henry Campotosto meurt le 19 décembre 1910 à Rabies Heath, Redhill, Londres. Sa sœur Octavie étant défunte, il lègue sa propriété et sa fortune estimées à 2 400 £, par un testament rédigé sept jours avant sa mort, à son serviteur Michael William Turk. Deux nièces d'Henry Campotosto intentent un procès afin d'invalider le testament qui est finalement reconnu légal en mars 1912.

Anton Heinrich Dieffenbach (4 février 1831, Wiesbaden - 29 novembre 1914, Le Hohwald) était un peintre allemand de paysage et de genre, connu pour ses représentations d'enfants.

Il s'installe à Straßburg avec ses parents en 1840 et suit les cours d'un artiste local, Charles Duhamel. Grâce à la recommandation de Duhamel, il peut se rendre à Paris et étudier avec le sculpteur James Pradier. Après la mort de Pradier en 1852, il retourne en Allemagne et s'installe à Wiesbaden où il décide de se consacrer entièrement à la peinture.

Après seulement un an, il s'installe à Düsseldorf, où il étudie par intermittence à la Kunstakademie, de 1856 à 1857, avec Christian Köhler. Il prend également des leçons particulières avec Karl Ferdinand Sohn et Rudolf Jordan.

Pendant plusieurs années, il a été membre de l'association d'artistes progressistes Malkasten (boîte à peinture). Le choix de ses sujets est fortement influencé par Ludwig Knaus, bien qu'il n'ait jamais été l'un de ses élèves. Son tableau «Ein Tag vor der Hochzeit» (Un jour avant le mariage) a été créé comme une sorte d'hommage à l'une des œuvres les plus connues de Knaus («Les noces d'or»). Il en réalisa deux exemplaires, dont l'un fut acquis par le roi Charles Ier de Wurtemberg. L'autre est vendue aux États-Unis en 1868.

En 1863, après une brève période de service militaire, il s'installe à Paris et y vit jusqu'au début de la guerre franco-prussienne. Il se rend alors en Suisse puis, après la guerre, à Berlin. En 1897, il retourne dans la ville de sa jeunesse, Straßburg.

Il est nommé membre honoraire de l'«Association des artistes de Straßburg» et passe ses mois d'été dans les Vosges, où il réalise de nombreuses esquisses qu'il transforme en huiles dans son atelier. Les tableaux de cette période sont presque exclusivement des paysages.

Frank William Warwick Topham était un peintre anglais né à Londres en 1838 et décédé en 1924.

Topham commence très tôt à étudier l'art avec son père, Francis W. Topham (1808-1877), l'un des plus grands aquarellistes anglais du XIXe siècle. Il a ensuite étudié à la Royal Academy Schools et à l'Atelier Gleyre à Paris. Il a vécu et peint en Italie et en France.

Topham aimait travailler avec son père, et les deux hommes se sont rendus en Irlande en 1860 pour peindre. Ils visitent tous deux l'Italie en 1863, en particulier Rome et Capri. C'est la première de plusieurs visites en Italie pour le jeune Topham. En 1865, il visite Ravenne avec Egron Sellif Lungren (1815-1875) et Frank Dillon (1823-1909). Lundgren et Dillon sont tous deux des peintres orientalistes, fascinés par l'Afrique du Nord. Topham, quant à lui, est resté fidèle à l'Italie, un pays qui a fortement influencé le cours de son œuvre. À partir de cette période, il commence à peindre des scènes d'Italie, qui resteront ses sujets de prédilection.

Topham a commencé à exposer à la Royal Academy en 1863 et y a présenté 60 œuvres au cours de sa carrière. Il a également exposé à la British Institution (4 œuvres), Suffolk Street (4 œuvres), New Watercolour Society (20 œuvres), Grosvenor Gallery (14 œuvres), New Gallery (14 œuvres), Royal Society of Artists, Birmingham (36 œuvres), Beaux Arts Gallery (2 œuvres), Fine Art Society (1 œuvre), Glasgow Institute of Fine Arts (8 œuvres), Walker Art Gallery, Liverpool, (54 œuvres), Manchester City Art Gallery (34 œuvres), Royal Hibernian Academy (3 œuvres), Society of British Artists, Royal Institute of Painters in Water Coulours, (77 œuvres), Royal Institute of Oil Painters (130 œuvres), Arthur Tooth and Sons (7 œuvres) et Agnews and Sons Gallery (3 œuvres).

Ses huiles et aquarelles historiques et de genre, magnifiquement détaillées, sont bien accueillies et il est élu à la New Society of Watercolors en 1879 ainsi qu'au Royal Institute of Painters in Oils en 1883.

Il vit un temps à Londres, puis près de Guildford dans le Surrey. L'artiste est décédé le 25 mai 1924.

Francis William Topham (Leeds 15 avril 1808 - 31 mars 1877 Córdoba) était un aquarelliste et graveur anglais.

Très tôt, il a été stagiaire auprès d'un oncle graveur d'écritures. Vers 1830, il est arrivé à Londres et a d'abord travaillé à la gravure d'armoiries. Il entre ensuite au service de MM. Fenner & Sears, graveurs et éditeurs. Travaillant ensuite pour James Sprent Virtue, il grave des paysages d'après William Henry Bartlett et Thomas Allom.

Topham visite l'Irlande pour la première fois en 1844 et 1845, avec Frederick Goodall et Alfred Fripp. Sa carrière d'aquarelliste semble avoir commencé en autodidacte, aidé par la pratique lors des réunions de l'Artists' Society à Clipstone Street. En 1850, il fait partie de la troupe d'acteurs de Charles Dickens (les «splendides flâneurs») dans The Rent Day of Douglas Jerrold et Not so bad as we seem de Bulwer Lytton. Vers la fin de l'année 1852, il part pour quelques mois en Espagne à la recherche du pittoresque.

Au cours de l'hiver 1876, Topham se rendit à nouveau en Espagne et mourut à Cordoue en 1877, où il fut enterré dans le cimetière protestant.

La première œuvre exposée de Topham est The Rustic's Meal, qui a été présentée à la Royal Academy en 1832, et qui a été suivie en 1838, 1840 et 1841 par trois peintures à l'huile. En 1842, il est élu associé de la New Society of Painters in Watercolours, dont il devient membre à part entière en 1843. Il se retire cependant en 1847 et, en 1848, il est élu membre de la (vieille) Société des peintres en aquarelle, à laquelle il a contribué par une vue galloise près de Capel Curig et un sujet tiré de la ballade irlandaise de Rory O'More. Ses premiers travaux consistaient principalement en des représentations de la vie paysanne irlandaise et des études du Pays de Galles et de ses habitants. Elles ont été diversifiées en 1850 par une scène de Barnaby Rudge de Dickens.

Topham a également réalisé des dessins pour l'édition des Waverley Novels de Fisher, Son & Co, dont il a gravé certains. Il a dessiné les illustrations sur bois de Pictures and Poems, 1846, Midsummer Eve de Mrs. S. C. Hall, 1848, les Poèmes de Robert Burns, les Mélodies et Poèmes de Thomas Moore, A Child's History of England de Dickens, et d'autres ouvrages.

Les premiers sujets espagnols de Topham sont apparus en 1854, lorsqu'il a exposé Fortune Telling - Andalusia, et Spanish Gypsies 29,5 x 38,5 cm. Ces tableaux ont été suivis par La lettre andalouse et La posada en 1855, Joueurs de cartes espagnols et Musiciens de village en Bretagne en 1857, Potins espagnols en 1859, et d'autres, principalement espagnols. À l'automne 1860, il retourne en Irlande et expose en 1861 The Angel's Whisper (Le murmure de l'ange ) et Irish Peasants at the Holy Well (Paysans irlandais au puits sacré). En 1864, il commence à exposer des dessins italiens, envoyant Italian Peasants et The Fountain at Capri, et en 1870 A Venetian Well.

Quatre dessins de Topham, Paysans de Galway, Paysanne irlandaise au pied d'une croix, Paysans à la fontaine, Basses-Pyrénées, et South Weald Church, Essex, sont conservés au South Kensington Museum. Plusieurs de ses dessins ont été gravés:

- Le rouet et Les sœurs au puits sacré, par Francis Holl;
- La cour irlandaise, par F. W. Bromley ;
- La fabrication des filets, par Thomas Oldham Barlow;
- La bénédiction de la mère, de William Henry Simmons; et
- The Angel's Whisper, pour The Art Journal de 1871, par C. W. Sharpe.

Alors qu'il travaillait pour Fenner & Sears, Topham a rencontré Henry Beckwith, le graveur, et a épousé sa sœur Mary Anne Beckwith en 1832. Ils ont eu dix enfants. Leur fils Frank William Warwick Topham (1838-1924) s'est fait connaître comme peintre.

Gerolamo Induno (13 décembre 1825 - 18 décembre 1890) était un peintre et soldat italien, surtout connu pour ses scènes militaires. Son frère aîné, Domenico, était également un artiste réputé et ils travaillaient souvent ensemble.

Il naît à Milan, où son père est cuisinier et maître d'hôtel à la cour de Milan. Il prend ses premières leçons d'art à l'Académie de Brera, où il étudie avec Luigi Sabatelli de 1839 à 1846. Sa première exposition a lieu en 1845, composée de portraits et d'une scène des Fiancés d' Alessandro Manzoni (aujourd'hui perdue).

En 1848, Domenico et lui participent aux Cinq jours de Milan et doivent fuir pour éviter les représailles du gouvernement autrichien. Ils passent deux ans dans le Tessin, puis reviennent et s'installent à Florence. Son frère retourne à la peinture, mais lui s'engage dans un régiment de volontaires dirigé par le général Giacomo Medici et combat les Français pendant leur siège de Rome Il parvient également à produire de nombreux croquis de la guerre.

Alors qu'il participe à la défense de la Villa del Vascello, près de la Porta San Pancrazio, il est poignardé par plusieurs baïonnettes et grièvement blessé alors qu'il mène une charge. Après une longue convalescence, il peut retourner à Milan sous la protection du comte Giulio Litta, compositeur et grand collectionneur d'art. En raison de ses blessures, il est exempté de l'armée autrichienne et travaille dans l'atelier de son frère. Au cours des années suivantes, il crée de nombreuses œuvres basées sur les événements du Risorgimento, ainsi que des œuvres de genre, influencées par son frère.

De 1854 à 1855, pendant la guerre de Crimée, il reprend l'uniforme, cette fois avec les Bersaglieri d'Alessandro La Marmora. Une fois de plus, il réalise de nombreux croquis qui seront transformés en peintures et en lithographies. Parmi celles-ci, une représentation de la bataille de la Tchernaya est achetée par le roi Victor Emmanuel II. Certaines de ses œuvres sont exposées à l'Exposition universelle de Paris. En 1859, malgré des problèmes de santé persistants, il s'engage dans les Chasseurs des Alpes et est reconnu par Garibaldi comme le peintre officiel du Risorgimento, en particulier pour les questions de caractère officiel Ses scènes de genre sont presque entièrement consacrées à des thèmes militaires.

Au cours des années 1860, outre ses toiles patriotiques, il réalise de grandes œuvres décoratives, dont une allégorie sur Rome et Florence pour la nouvelle gare centrale de Milan (aujourd'hui démolie) et un rideau représentant le «plébiscite de Naples» pour le théâtre de Gallarate. En 1861, il reçoit une médaille d'or lors d'une exposition à Florence pour son tableau de la bataille de Magenta, mais y renonce par solidarité avec les peintres qui n'ont pas été retenus.

Après l'unification, ses œuvres de genre tendent à se concentrer sur des scènes du XVIIe siècle et il commence à exposer des tableaux sur une plus grande variété de sujets en dehors de l'Italie, notamment à Vienne (1873), Paris (1878), Anvers (1885) et Londres (1888). Son œuvre la plus connue de cette période est Une partie d'échecs, scène d'une pièce de théâtre du même nom de Giuseppe Giacosa. Il meurt à Milan en 1890, après une longue maladie. Parmi ses élèves, on compte Giacomo Mantegazza.

Domenico Induno (14 mai 1815 - 5 novembre 1878) était un peintre italien, principalement de scènes de genre et de scènes historiques. Son frère cadet, Gerolamo, devint également un artiste renommé et ils travaillèrent souvent ensemble.

Il naît à Milan, où son père est cuisinier et maître d'hôtel à la cour de Milan, et entre très jeune en apprentissage chez l'orfèvre et médailleur Luigi Cossa, qui, impressionné par son talent pour le dessin, le convainc de s'inscrire à l'académie de Brera. Il y est admis en 1831 et étudie successivement avec Pompeo Marchesi, Luigi Sabatelli et Francesco Hayez, qui ont le plus influencé son style.

À cette époque, il privilégie les scènes tirées de la Bible ou de l'histoire classique. En 1840, des agents représentant l'empereur Ferdinand Ier lui commandent une scène représentant Saül recevant l'onction royale du prophète Samuel, destinée à être exposée à la galerie impériale de Vienne.

Au cours des années suivantes, il abandonne progressivement la peinture d'histoire au profit de scènes de genre, qui sont alors à la mode parmi les membres libéraux de l'aristocratie milanaise. Son mentor, Hayez, l'aide à obtenir des mécènes nobles. En 1843, il épouse Emilia Trezzini, la sœur d'un de ses élèves, Angelo Trezzini. Cinq ans plus tard, à la suite de sa participation aux Cinq jours de Milan, lui, sa femme et son frère Gerolamo sont contraints de fuir au Tessin, pour échapper aux représailles qui s'ensuivent. En 1850, lorsque la sécurité est rétablie, ils reviennent et s'installent à Florence.

En 1854, il est nommé «Socio d'Arte» à l'Académie de Brera. L'année suivante, il présente sa première exposition hors d'Italie à l'Exposition universelle de Paris, qui est considérée comme un grand succès. En 1860, il est nommé juge d'un important concours d'art patriotique parrainé par Bettino Ricasoli. La même année, il commence à travailler sur plusieurs scènes liées à l'armistice de Villafranca; l'une d'entre elles est commandée par le roi Victor Emmanuel II et lui vaut un titre dans l'ordre des saints Maurice et Lazare.

En 1863, il devient directeur de l'Académie de Brera et ne participe plus à ses expositions annuelles. Dix ans plus tard, à l'Exposition universelle de Vienne, il reçoit une médaille d'or pour Un dramma domestico, une critique de la société de l'Italie post-unification. Par la suite, ses peintures deviennent plutôt sombres et mélancoliques. Bien que souffrant d'une grave affection oculaire, il est en mesure de participer à l'Exposition universelle de 1878, mais meurt plus tard cette année-là, à Milan.

Mary Evelina Kindon était une aquarelliste britannique, née en 1849 et décédée en 1919, peintre de scènes de genre et de paysages urbains.

Mary Kindon est née dans le Londres victorien et a adopté un style qui était enseigné dans les académies continentales plus progressistes.

Mary Kindon a souvent exposé à la Royal Academy et à la Suffolk Street Gallery à Londres. Elle a également exposé à l'Institute of Painters in Watercolors à partir de 1874.

Elle peignait souvent des mères et des enfants et semble avoir aimé peindre des jeunes filles en robe blanche.

Elle a beaucoup exposé, notamment à la Société des artistes français, au Salon de Paris, à la Society of Women Artists et à la Royal Academy. Elle a également exposé à la Bushey Society of Artists à Rudolph Road.

Le Bushey Museum possède trois œuvres d'elle dans ses collections.

Andrea Landini (Florence, 10 décembre 1847 - Florence, 1935) était un peintre italien.

Florentin de naissance, Andrea Landini a étudié à l'Accademia delle Belle Arti de Florence, sous la direction de Riccardo Pasquini, et s'est perfectionné auprès d'Antonio Ciseri. Peintre prolifique, il est un portraitiste apprécié. Nous connaissons ses portraits de la princesse de Galles, de la comtesse Lavinia Bocca, de la comtesse de Pralormo, de Mme Guerrazzi de Livourne, du fils de la comtesse Laparelli Pitti et de l'écrivain Valeria Elena Landini-Ruffino, sœur cadette du peintre (née en 1851).

Artiste polyvalent, il a peint des scènes de genre dans des décors du XVIIIe siècle et des natures mortes avec des fleurs dans des couleurs vives et avec une rare précision, même dans les moindres détails. Pour ses scènes, il reconstitue des intérieurs de palais, somptueusement décorés dans le style Louis XVI, avec des peintures murales, des tapis, des paravents, des tapisseries et des nappes bordées de dentelle. Les personnages qui habitent ces intérieurs luxueux sont des dames et des messieurs, en particulier des cardinaux, vêtus de leurs robes d'apparat violacées et filmés en train de siroter un café, de trinquer au champagne, de prendre de somptueux petits déjeuners, de boire du vin dans des coupes en cristal, de converser avec d'élégantes dames. Jouer aux échecs, toucher des chatons et des petits chiens, tels étaient les joyeux passe-temps de ces riches cardinaux, détachés de leurs activités pastorales et religieuses. Les peintures de genre de Landini ont toujours un fond humoristique et caricatural. Dans différentes œuvres, on retrouve parfois des personnages identiques, mais dans des attitudes différentes.

Andrea Landini a contribué par des dessins à La Tribuna illustrata. Il présente ses œuvres à Florence et à Paris, où il expose pour la dernière fois en 1911. Il est particulièrement apprécié des collectionneurs anglais et français.

Ses œuvres sont conservées en Angleterre, au musée et à la galerie d'art de la ville de Plymouth, dans les bureaux publics de l'arrondissement de Fylde et dans la collection d'art Touchstones Rochdale.

Vincent Chevilliard, né le 19 juillet 1841 à Frascati et mort le 9 octobre 1904 à Paris, était un peintre français.

Vincent Jean Baptiste Chevilliard nait en Italie de parents français, il est le fils de Jean Étienne Martin Chevilliard et de Louise Marie Félix Botti.

Élève de Tirinelli, d'Alexandre Cabanel et de François Édouard Picot, il expose au Salon de 1865 à 1905. Il obtient une mention honorable en 1889 et une médaille de troisième classe en 1891.

Il meurt célibataire à son domicile du quai de la Tournelle à l'âge de 63 ans. Il est inhumé au cimetière d'Héricy.

Edmund Adler (15 octobre 1876 à Vienne - 10 mai 1965 à Mannersdorf am Leithagebirge) était un artiste autrichien.

Edmund Josef Adler est né le 15 octobre 1876 dans le quartier viennois de St. Ulrich (7e arrondissement). Son père, Heinrich, est originaire de Bohême et travaille comme «fabricant de parapluies». En 1874, Heinrich a épousé Magdalena Wiesinger, après que sa première femme, Maria, soit décédée de la tuberculose. Edmund Josef a grandi dans la banlieue viennoise, où ils ont déménagé plusieurs fois. Il fréquente l'école primaire et reçoit vraisemblablement une première éducation artistique par la suite. Adler a peut-être travaillé comme lithographe avec Franz Theodor Würbel.

En 1894, Edmund Adler s'inscrit pour la première fois à l'Académie des beaux-arts de Vienne, avant d'en être dispensé deux ans plus tard en tant qu'étudiant à temps plein. Le professeur d'Adler est Christian Griepenkerl, l'un des représentants les plus importants de la période Ringstraße. De l'époque d'Adler à l'académie, quelques peintures ont été conservées, ainsi que d'innombrables études de dessin. En 1903, Edmund Adler reçoit une bourse de voyage d'un an qui lui permet de séjourner en Italie. Rome, la «ville éternelle», a sans doute laissé une impression durable à Adler.

Avant son départ pour l'Italie, Adler avait épousé Rosa Pankratz à Vienne. Tous deux s'étaient rencontrés pour la première fois à Hof am Leithaberge, où la famille Adler passait ses vacances d'été. Après leur retour de Rome, Adler et sa femme se sont installés à Mannersdorf. Edmund Adler avait déjà découvert la population locale comme modèle pour ses œuvres. Le jeune couple s'installe dans sa nouvelle maison et son atelier de la Sommereinerstraße. Leur fille Rosa naît en 1903, suivie de leur fils Gustav (« Gustl ») en 1904 et de leur petit dernier Gilbert en 1908. La fortune familiale ne dure pas longtemps, Gustl meurt à moins de trois ans. En 1924, Rosa, l'épouse d'Adler, décède à l'âge de 46 ans.

Au début de la Première Guerre mondiale, Edmund Adler est appelé dans le régiment n° 4 et, en décembre 1914, il est fait prisonnier de guerre par les Russes. Il se retrouve d'abord dans un camp près de Berezovka, sur la mer Caspienne, puis est transféré à Nikolsk Ussuriisk, en Sibérie orientale. Ces années mornes ont été mises à profit par Adler pour réaliser d'innombrables croquis et études dans lesquels il a capturé la vie du camp. Non loin du camp se trouve un village de Coréens qui suscite l'intérêt artistique d'Adler. Avec d'autres artistes, Adler réussit à organiser une exposition à Vladivostok, avant de retourner en Autriche en 1920.

De retour à Mannersdorf, Adler doit non seulement faire face à la mort prématurée de sa femme, mais aussi assurer les revenus de la famille. Il tente donc de vendre ses peintures à des galeries viennoises. Son fils Gilbert est lui aussi doué pour les arts, mais il souffre de problèmes psychologiques. Gilbert se rendit donc dans une «clinique», où il fut gravement menacé sous le régime nazi. Le dernier soutien d'Edmund Adler fut sa fille Rosa, qui consacra sa vie à son père et tenta d'augmenter leurs revenus grâce à sa légendaire «école de piano».

Les années 1940 et 1950 ont été les plus fructueuses sur le plan artistique pour Adler. Le peintre se concentre sur les portraits et les tableaux de genre avec des enfants, ses modèles étant de nombreux enfants de Mannersdorf. Les œuvres d'Adler n'étaient pas seulement populaires en Autriche, mais aussi aux États-Unis, où le célèbre fabricant de jeux de société MB a produit un puzzle avec un motif d'Adler (« L'oiseau jaune »). De nombreuses expositions ont enrichi la soirée de l'artiste. Edmund Adler est décédé le 10 mai 1965 dans sa maison de Mannersdorf.

Briton Rivière (14 août 1840 à Londres - 20 avril 1920 à Londres) était un artiste britannique d'origine huguenote. Il a exposé diverses peintures à la Royal Academy, mais a consacré la majeure partie de sa vie à la peinture animalière.

Le père de Briton, William Rivière (1806-1876), a été pendant quelques années maître de dessin au Cheltenham College, puis professeur d'art à l'université d'Oxford. Briton a fait ses études au Cheltenham College et à Oxford, où il a obtenu son diplôme en 1867. Son oncle paternel, Henry Parsons Rivière (1811-1888), était également un aquarelliste réputé, qui exposa ses œuvres à la Royal Watercolour Society de Londres et à la Royal Birmingham Society of Artists.

Ses premiers tableaux ont été exposés à la British Institution et, en 1857, il a présenté trois œuvres à la Royal Academy, mais ce n'est qu'en 1863 qu'il est devenu un contributeur régulier aux expositions de l'Académie. Cette année-là, il est représenté par La veille de l'Armada espagnole et, en 1864, par un Roméo et Juliette. Cependant, les sujets de ce type ne l'attirent pas longtemps, car en 1865, il commence, avec Sleeping Deerhound, une série de peintures d'animaux qui occuperont une grande partie du reste de sa vie. Dans une longue interview publiée dans Chums Boys Annual, intitulée «How I paint animals» (Comment je peins les animaux), Rivière explique certains des aspects pratiques de la peinture d'animaux apprivoisés et sauvages:

J'ai toujours été un grand amoureux des chiens, mais j'ai tellement travaillé avec eux que je me suis lassé de les avoir autour de moi. Cependant, on ne peut jamais peindre un chien si on ne l'aime pas. Je ne travaille jamais à partir d'un chien sans l'aide d'un homme qui connaît bien les animaux... Les collies, je pense, sont les chiens les plus agités ... les lévriers sont également très agités, tout comme les fox-terriers ... La seule façon de peindre des animaux sauvages est d'accumuler progressivement un grand nombre d'études et une grande connaissance de l'animal lui-même, avant de pouvoir le peindre ... Je peins aussi bien à partir d'animaux morts qu'à partir d'animaux vivants. J'ai eu le corps d'une belle lionne dans mon atelier ... Il m'est arrivé de travailler dans les salles de dissection du jardin zoologique.

Au début de sa carrière, Rivière se fait remarquer comme illustrateur, en commençant par Punch. Il est élu associé de la Royal Academy of Arts en 1878 et académicien royal en 1881, et reçoit le titre de docteur en droit civil à Oxford en 1891. Il est battu de justesse lors de l'élection au poste de président de la Royal Academy en 1896. Sa femme, Mary Alice Rivière (née Dobell; 1844-1931), qu'il avait épousée en 1867, était peintre et exposa brièvement à la Royal Academy of Arts en 1869-70. Après sa mort, elle offrit au British Museum quatre de ses dessins (et une eau-forte «Le roi boit»), qui complètent les dizaines d'estampes réalisées d'après ses œuvres conservées au British Museum, notamment par Frederick Stacpoole et William Henry Simmons. L'artiste et sa femme ont eu sept enfants, cinq fils et deux filles. L'un des fils, Hugh Goldwin Rivière (1869-1956), est devenu portraitiste; un autre fils (Evelyn) a épousé l'éminente psychanalyste et traductrice de Sigmund Freud connue sous le nom de Joan Rivière.

John Collier (27 janvier 1850 à Londres – 11 avril 1934) était un peintre et un écrivain britannique préraphaélite.

John Collier est un des grands portraitistes de sa génération. Il est le fils d'un juge et artiste amateur, Robert Collier, 1er baron Monkswell. Il étudie au Collège d'Eton, puis au Slade avec Edward Poynter, à Paris avec Jean-Paul Laurens et à Munich. Bien qu'il ne soit pas leur élève, il est encouragé et influencé par Lawrence Alma-Tadema et John Everett Millais.

Il épouse successivement Marian (Mady) Huxley (décédée en 1887) et la jeune sœur de Mary, Ethel Huxley, toutes deux filles de Thomas Henry Huxley.

Collier est l'un des vingt-quatre membres fondateurs de la Royal Society of Portrait Painters, dont il devient le vice-président. Il est aussi membre du Royal Institute of Oil Painters. Il expose pas moins de cent trente tableaux à la Royal Academy et cent soixante-cinq à la Royal Society des peintres portraitistes, ainsi que dans des galeries en Angleterre et dans d'autres pays.

Collier appartient à une famille talentueuse qui a obtenu maints succès. Son grand-père, John Collier, est un marchand quaker qui fait partie du parlement britannique. Son père, Robert Collier (qui a aussi fait partie du parlement britannique, en plus d'être procureur général et, pendant plusieurs années, juge au Conseil privé) reçoit le titre de Lord Monkswell. Son père est aussi membre de la Royal Society of British Artists. Son frère aîné, le deuxième Lord Monkswell, est Sous-Secrétaire à la guerre et président du London County Council.

Collier devient membre de la famille Thomas Henry Huxley, parfois président de la Royal Society. Collier épouse deux des filles de Huxley et « avait une amitié intime » avec son fils, l'écrivain Leonard Huxley. Collier se marie à sa première femme, Marian Huxley, en 1879. Elle est une peintre qui a aussi étudié au Slade School of Fine Art et qui expose ses œuvres à la Royal Academy. Après la naissance de leur seul enfant, une fille, elle fait une sévère dépression post-partum et est amenée à Paris pour un traitement. Elle y contracte la pneumonie et meurt en 1887.

En 1889, Collier épouse la plus jeune sœur de Marian, Ethel Huxley. Jusqu'à la création d'une loi britannique, la Deceased Wife's Sister's Marriage Act 1907, un tel mariage est interdit en Angleterre. Les deux se marient en Norvège. Joyce, la fille de Collier par son premier mariage, est une peintre miniaturiste, ainsi qu'une membre de la Royal Society of Miniature Painters. Sa deuxième femme lui donne une fille et un garçon, Sir Laurence Collier KCMG, qui est ambassadeur britannique en Norvège de 1941 à 1951.

John Collier est surnommé «Jack» par sa famille et ses amis.

Collier explore plusieurs sujets en tant que portraitiste. En 1893, par exemple, il peint Sir Lovelace Stamer (pasteur de Shrewsbury) Sir John Lubbock FRS, A. N. Hornby (capitaine du navire Lancashire Eleven), Sir Edward Augustus Inglefield (amiral et explorateur de l'Arctique).

Ses portraits commandés du futur roi George V en tant que Maître du Trinity House en 1901 et alors Duc d'York, et celui d'Édouard VIII alors Prince de Galles, sont ses principaux portraits royaux. Ce deuxième portrait est plus tard exposé au Durbar Hall à Jodhpur, Rajputana.

Il a aussi peint deux Lord Chancellors (le Earl of Selborne en 1882 et le Earl of Halsbury en 1897 ; le speaker de la Chambre des communes, William Gully en 1897 ; des personnalités judiciaires d'importance, dont le juge en chef Lord Alverstone en 1912 et le Master of the Rolls Sir George Jessel en 1881.

Collier fait aussi le portrait de Rudyard Kipling en 1891, du Field Marshal Lord Kitchener of Khartoum en 1911 et du Field Marshall Sir Frederick Haines en 1891. Il peint deux maharajahs indiens, dont celui du Népal en 1910. Il peint le portrait des différents scientifiques britanniques, dont celui de Charles Darwin en 1882, son beau-père Thomas Henry Huxley en 1891, William Kingdon Clifford, James Prescott Joule et Michael Foster. Clark calcule que Collier a peint 32 portraits des membres de la famille Huxley pendant les cinquante années qui ont suivi son premier mariage.

Une photocopie du Sitters Book de Collier (faite à partir de l'original détenu par son fils) peut être consulté au Heinz Archive and Library du National Portrait Gallery. Il contient la liste manuscrite des œuvres peintes par lui-même.

Collier est mort en 1934. Son entrée dans le Dictionary of National Biography compare son travail à celui de Frank Holl à cause de sa solennité. Son entrée dans le Dictionary of Art5 affirme que la quasi-transparence de ses coups de pinceaux est une «utilisation plutôt ennuyeuse de la peinturetrad », mais il ajoute qu' «[il] possède une forte et surprenante maîtrise de la couleur» «créant [ainsi] une similitude déconcertante de l'humeur et de l'apparencetrad». Le Dictionary of Portrait Painters in Britain up to 1920 (1997) décrit ses portraits comme «des peintures alliant de façon rafraichissante la lumière et la couleur».

Carl Reichert ou Karl Reichert, né le 27 août 1836 à Vienne et mort le 5 avril 1918 à Graz, était un lithographe et un peintre paysagiste et animalier autrichien.

Il naît à Vienne en 1836. Il est le fils du peintre animalier, portraitiste et lithographe Heinrich Reichert.

Il étudie à l'académie de dessin de Graz, avant de poursuivre ses études à l'académie des beaux-arts de Munich puis de séjourner à Rome. A son retour en Autriche, il peint des paysages, des scènes urbaines et des animaux, se spécialisant plus particulièrement dans la réalisation de portraits de chiens et de chats. En 1874, il devient membre de l'union des artistes de Vienne et expose au Vienna Künstlerhaus. Au cours de sa carrière, il utilise le pseudonyme de J. Hartung (Julius Hartung).

Il décède à Graz en 1918.

Ces œuvres sont notamment visibles au sein de la Neue Galerie Graz (de) et dans de nombreuses collections privées.

Louis Marie De Schryver, né le 12 octobre 1862 à Paris, où il est mort le 6 décembre 1942, était un peintre français.

Louis Marie de Schyrver est né à Paris le 12 octobre 1862. Son père était un journaliste bien établi, mais son fils n'a pas suivi la même voie. Dès son plus jeune âge, de Schryver reconnaît ses capacités artistiques précoces et commence à se former à la carrière d'artiste dès l'âge de douze ans. Son talent est tel qu'il expose ses premières œuvres au Salon (1876) à l'âge de treize ans: Marguerites et Chrysanthèmes et Violettes et Fleurs Printanières, deux natures mortes. Ce qui est peut-être encore plus inhabituel, c'est qu'à cette époque, il n'étudie apparemment pas auprès d'un maître - son inscription dans le catalogue du Salon ne mentionne aucun professeur spécifique, bien qu'il ait peut-être étudié de manière informelle auprès d'un artiste.

L'année suivante, il continue à exposer au Salon tout en étudiant avec Philippe Rousseau, peintre de natures mortes et de genres. Il était inhabituel, mais pas inédit, qu'un élève aussi jeune entre dans l'école d'un maître, où ses condisciples pouvaient être plus de dix ans plus âgés que lui. Il reste très peu de temps sous la tutelle de Rousseau, car dès le Salon suivant, il a déjà quitté son atelier et se retrouve à nouveau sans professeur. Trois ans plus tard, à l'âge de 17 ans, il remporte une médaille de bronze à l'exposition universelle de Sydney pour son tableau intitulé Lilas. De Schryver est clairement sur la voie de s'établir non seulement dans le monde de l'art parisien, mais aussi au niveau international, avec des thèmes attrayants et appropriés à l'époque.

Il continue à participer assidûment aux Salons annuels, s'appuyant principalement sur des natures mortes, mais introduisant également des portraits et des scènes de genre. En 1886, il s'intéresse à la vie quotidienne de Paris et commence à recevoir des commandes pour peindre des portraits de gens de la société. Les représentations de la vie quotidienne contemporaine étaient devenues de plus en plus populaires pendant la période de la Belle Époque, les artistes commençant à dépeindre la vie trépidante et les diverses activités qui se déroulaient à Paris, enregistrant tout, des femmes à la mode de l'époque aux subtilités architecturales de la ville. Au Salon de cette même année, il présente Mes Dernières Fleurs, un titre approprié pour son choix thématique de transition, et Le Premier Jour de Printemps, qui reçoit une mention honorable. Deux ans plus tard, il devient membre de la Société des Artistes Français.

Les vues de Paris de De Schryver commencent à attirer l'attention, non seulement pour ses capacités techniques, mais aussi pour la spontanéité de la scène. Ses représentations de marchands de fleurs, de chevaux et de carrosses, de gens élégants de Paris, ainsi que ses portraits de balayeurs et de laveurs de rue sont empreints d'un réalisme et d'une lumière qui placent Schryver au plus haut niveau des artistes de la Belle Époque.

En 1891, de Schryver entre dans l'atelier de Gabriel Ferrier (1847-1914), peintre de genre et de natures mortes, après avoir interrompu sa formation formelle pendant un certain temps. Au Salon de cette année, il expose un tableau intitulé La Fin d'une Rêve, qui lui vaut une médaille de troisième classe, sa première médaille reçue aux Salons parisiens.

Pendant toute cette période et jusqu'en 1900, Schryver conserve un atelier à Paris, rue Pergolèse, ce qui lui donne l'occasion de sortir de chez lui pour trouver de nouveaux sujets. Ses œuvres présentées à l'Exposition universelle de 1900 lui valent une médaille d'or. Cette même année, il quitte Paris et construit une maison à Neuilly, ce qui coïncide avec un changement dans son travail : il se tourne vers le portrait et la peinture en costume, représentant des hommes et des femmes élégants d'une époque révolue, vêtus de soie et de satin. Comme pour ses premières scènes de rue parisiennes, ces tableaux trouvent une clientèle enthousiaste, tant en France qu'à l'étranger. En 1901, il expose Lesbiennes au Salon, un tableau que beaucoup considèrent comme une œuvre d'art brillante, mais qui crée un tel scandale qu'il doit être retiré de l'exposition.

Entre 1919 et 1925, il se rend en Rhénanie pour étudier et peindre le paysage de ce territoire occupé. Il revient souvent à Neuilly et, de temps en temps, retourne à Paris, où il meurt le 6 décembre 1942 à l'âge de 80 ans.

Charles Martin Hardie (16 mars 1858 - 3 septembre 1916) est un artiste et portraitiste écossais.

Né à East Linton dans le Lothian oriental en Écosse, fils de Mary née Martin (1817-1901) et de John Hardie (1820-1870), maître charpentier, Charles Martin Hardie rejoint d'abord l'entreprise familiale en tant que charpentier ; cependant, sa parenté par alliance avec l'artiste John Pettie le persuade de suivre une formation artistique à la Trustees' Academy d'Édimbourg. Tout au long de sa carrière, il s'est spécialisé dans les portraits de Robert Burns et de Sir Walter Scott dans des scènes historiques imaginaires et dans des peintures de la vie rurale écossaise qui ont souvent un thème narratif fort. Travaillant à l'huile et à l'aquarelle, Hardie a peint des portraits, des paysages, des scènes de genre et des scènes historiques. Il avait un studio à Picardy Place à Édimbourg.

Vers 1889, il épouse Mary née Lewis (1871-1898) et a deux enfants avec elle: Lewis Hardie (1890-1891) et Constance Valerie Martin Hardie (1892-1977). Il divorce en 1895 après qu'elle se soit enfuie avec un acteur. Il épouse alors Margaret Somerville née Smart (1873-).

Hardie est élu associé de la Royal Scottish Academy (ARSA) en 1886 et membre de la Royal Scottish Academy (RSA) en 1895. Il expose à la Royal Academy, à la Royal Scottish Academy, à la Royal Hibernian Academy, au Royal Institute of Painters in Water Colours, au Royal Glasgow Institute of Fine Arts et à l'Aberdeen Artists' Society.

Au moins huit de ses œuvres font partie de la collection des National Galleries of Scotland. Son portrait de Julius Drewe est accroché au château de Drogo, dans le Devon.

Charles Martin Hardie est décédé à Édimbourg en 1916 à l'âge de 58 ans.

Caroline Paterson était une aquarelliste et illustratrice victorienne née en 1856 et décédée en 1911. Elle s'est spécialisée dans les paysages et les intérieurs domestiques, mettant souvent en scène des enfants et dépeignant toujours une vision idyllique de l'Angleterre rurale. Elle a également mené une brillante carrière d'illustratrice pour enfants et, bien qu'elle se soit mariée en 1892, elle a continué à travailler et à exposer jusqu'en 1904.

Caroline Paterson est née à Altrincham, dans le Cheshire, en 1856. Fille du Dr Alexander Henry Paterson et de son épouse, Mary Chance Paterson (née Herford), elle est l'une des sept frères et sœurs de l'artiste Helen Allingham (née Paterson). Elle est issue d'une famille d'artistes ; sa grand-mère maternelle, Sarah Smith Herford, et sa tante, Laura Herford, étaient toutes deux des artistes accomplies à leur époque. En 1860, Laura Herford a été la première femme à intégrer les écoles de la Royal Academy, après avoir été admise par accident en présentant un travail sous ses initiales, « L. H », dissimulant ainsi son sexe. Tout au long de sa carrière, elle a défendu l'égalité d'accès à l'éducation artistique pour les femmes et a encouragé les talents précoces de ses jeunes nièces, Helen et Caroline.

Paterson s'est très tôt spécialisée dans les paysages et intérieurs domestiques idylliques, ses œuvres mettant souvent en scène des enfants en train de jouer, d'être espiègles ou de s'occuper d'un autre. Ses tableaux sont connus pour leur évocation d'une vision victorienne paradigmatique de la tendresse et de l'innocence de l'enfance. Elle était également une portraitiste de talent, comme en témoigne une aquarelle de jeunesse représentant sa grand-mère, Grandmama Davis 1781-1889, peut-être son arrière-grand-mère maternelle.

Tout au long des années 1880, elle a mené une carrière fructueuse et productive en tant qu'illustratrice de livres pour enfants et de cartes de Noël. Dans le recensement de 1881, elle est enregistrée comme « artiste peintre en aquarelle », alors qu'elle se trouve dans une pension de famille à Lancaster. En 1886, Marcus Ward & Co, l'un des principaux éditeurs de l'époque, lui confie l'illustration d'un livre de Noël intitulé Three Fairy Princess. Le livre connaît un succès immédiat et entraîne une hausse de sa popularité en tant qu'illustratrice. Le critique de The Magazine of Art écrit dans « Art in December » (1886) que « les illustrations de Caroline Paterson pour “Blanche-Neige”, “Cendrillon” et “La Belle au bois dormant” en font l'un des meilleurs livres de Noël de cette année ». La production de Paterson était impressionnante : rien qu'en 1890, elle a illustré Claude and Claudia, A Tale, de Mrs H Martin, Little Sir Nicholas, de C A Jones et Stella's Cup, de May Elsdale, entre autres. Elle a également illustré Rhymes for the Young Folk de William Allingham, aux côtés de Helen Allingham, Kate Greenaway et Harry Furniss. Elle continue à répondre à des commandes d'illustration tout en restant présente dans les sociétés d'exposition de Manchester, Liverpool et Birmingham, ainsi qu'au Royal Institute of Painters in Water Colours et à la Dudley Gallery, à Londres.

En 1891, Paterson vivait à Gayton Crescent, Hampstead, avec sa mère. La famille est depuis longtemps associée à ce quartier artistique réputé et, à cette époque, Helen Allingham, veuve depuis 1888, vit à quelques rues de là, à Eldon House, Lyndhurst Road, avec ses trois enfants.

En 1892, à l'âge de 36 ans, Paterson épouse Sutton Sharpe, un employé de banque, et s'installe au coin de la rue, à côté de sa mère et de sa sœur, au 42 Willow Road. Bien que l'on dise souvent qu'elle n'est restée active que jusqu'à son mariage en 1892, des exemples de ses œuvres signées « C Sharpe », comme Buttercups, suggèrent le contraire. Il est probable que sa carrière ait été brièvement interrompue par la naissance de ses enfants, une fille, Margaret, née en 1895, et un fils, Frank, en 1896.

En 1911, Paterson est retournée au 12 Gayton Crescent, et peut-être dans la maison de sa mère. Dans le recensement, elle est mentionnée comme épouse de Sutton Sharpe et mère de deux enfants, mais aussi comme « artiste peintre », ce qui suggère qu'elle a continué à travailler tout au long de son mariage et de sa maternité. Elle meurt à Hampstead la même année, à l'âge de 55 ans. Son mari, ses enfants et sa sœur Helen lui ont survécu.

L'absence de recherches biographiques sur les femmes artistes de l'époque victorienne par rapport à leurs contemporains masculins, malgré le nombre de tableaux existants de ces femmes artistes, a été mise en évidence lors de la recherche et de la rédaction de cette biographie. La persévérance de Paterson dans sa carrière après son mariage, qui allait à l'encontre des conventions d'une société victorienne patriarcale où les femmes étaient censées abandonner leur travail une fois mariées, rend son succès remarquable, au-delà de sa vie relativement courte et de son impressionnante production.

Il serait imprudent de ne pas mentionner que l'héritage de Caroline Paterson a été quelque peu éclipsé par celui de sa sœur, Helen Allingham, qui a eu une vie et une carrière beaucoup plus longues. Le mariage d'Helen Allingham avec le poète William Allingham lui a sans aucun doute permis d'accéder à un cercle artistique plus large et à un plus grand succès, mais c'est surtout parce que William est mort près de quarante ans avant sa femme. Après la mort de William, il semble qu'Helen soit retournée à Londres pour reprendre sa carrière par nécessité et qu'elle ait eu l'occasion de développer son talent cohérent et commercial, continuant à travailler et à exposer avec beaucoup de succès jusqu'à sa mort en 1926.

Thomas Martine Ronaldson était un peintre impressionniste et moderne britannique né à Édimbourg le 13 décembre 1881 et mort le 12 mars 1942 à Londres.

Il fait ses études à la Merchiston Castle School d'Édimbourg et au Trinity College d'Oxford. Il étudie l'art à l'Edinburgh School of Art, à la Cope and Nicholl School de Londres et à l'Academie Julian de Paris sous la direction de J. P. Laurens. Il a remporté une médaille d'argent au Salon de Paris en 1926. Il a vécu à Londres pendant quelques années à partir de 1908. Au cours de sa carrière de portraitiste, il a peint de nombreuses personnalités, dont l'artiste Anna Katrina Kinkeisen, dont le portrait se trouve à la National Gallery of Schotland, et la duchesse de Newcastle. Il y a 21 de ses portraits dans la collection nationale à différents endroits, que l'on peut trouver en cherchant bbc/your paintings sur google. Il a beaucoup exposé entre 1905 et 1940, dont 26 à la Royal Academy, 42 à la Royal Scottish Academy, 13 à la Walker Art Gallery de Liverpool et 18 à la Royal Society of Portrait Painters, ainsi que dans diverses provinces.

Angelo Morbelli, né le 18 juillet 1853 à Alexandrie dans la région du Piémont et mort le 7 novembre 1919 à Milan, était un peintre italien divisionniste.

Angelo Morbelli est né le 18 juillet 1853 à Alexandrie dans la région du Piémont. Il est le fils de Giovanni, un fonctionnaire d'État, originaire de Casale Monferrato et de Giovannina Ferraris.

Durant sa toute petite enfance, il révèle une propension musicale marquée, mais à l'âge de sept ans, alors qu'il est au collège de Triverio di Casale, il contracte une mastoïdite qui le conduit à une surdité progressive; à cause de cette infirmité, ses parents l'orientent vers l'étude du dessin avec un peintre local.

À l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, il étudie sous Giuseppe Bertini et Raffaele Casnédi de 1867 à 1876.

Il commence à exposer, à Milan puis à Turin. Les thèmes choisis vont de l'histoire au paysage. En 1880, l'exposition du Goethe mourant à Brera est connue du grand public.

Il expose en France et en Angleterre, dès 1882-1884.

À partir de 1883, les thèmes picturaux de Morbelli sont orientés vers l'interprétation de la réalité. En particulier, il commence à représenter les personnes âgées hospitalisées dans le Pio Albergo Trivulzio, un thème qui lui a toujours été particulièrement cher. Cette année-là, il remporte le prix Fumagalli pour son œuvre Giorni.... ultimi.

Au début des années 1880, il épouse Maria Pagani, qui lui inspire de nombreuses peintures sur le thème de la maternité (il a eu quatre enfants de sa femme).

La technique Morbelli commence peu à peu à adopter la décomposition des couleurs et vers 1890, il embrasse le divisionnisme et se lie d'amitié avec Leonardo Bistolfi et Giuseppe Pellizza da Volpedo.

Il peint ensuite les paysages des rizières de Casale. Après avoir acheté une maison dans le hameau de Colma, près de Rosignano Monferrato, elle devient l'objet de nombreuses peintures. Il se consacre également à la représentation des paysages de montagne, lors des nombreux séjours d'été à Santa Caterina Valfurva.

En 1897, il remporte la médaille d'or à Dresde avec Per Ottanta centesimi et S'avanza. En 1900, il reçoit la médaille d'or de l'Exposition universelle avec Giorno di festa al Pio Albergo Trivulzio.

Avec le nouveau siècle, le thème du Pio Albergo Trivulzio, des paysages marins et des thèmes liés à la maternité et à la vie, a repris.

En 1908-1909, il entre en contact avec Carrà et Boccioni.

Il passe ses dernières années entre les hivers milanais et les étés à Colma et dans le Val d'Usseglio, lieux qui continuent de l'inspirer dans son activité picturale.

Angelo Morbelli meurt le 7 novembre 1919 à Milan.

Jonathan Eastman Johnson (29 juillet 1824 - 5 avril 1906) était un peintre américain et le cofondateur du Metropolitan Museum of Art, à New York, dont le nom est inscrit à l'entrée. Il était surtout connu pour ses peintures de genre, des scènes de la vie quotidienne, et ses portraits de gens ordinaires et d'Américains célèbres tels qu'Abraham Lincoln, Nathaniel Hawthorne, Ralph Waldo Emerson et Henry Wadsworth Longfellow. Ses dernières œuvres montrent souvent l'influence des maîtres hollandais du XVIIe siècle, qu'il a étudiés à La Haye dans les années 1850; il était connu comme le Rembrandt américain de son époque.

Johnson est né à Lovell, dans le Maine, l'un des huit enfants de Philip Carrigan Johnson et de Mary Kimball Chandler (née dans le New Hampshire, le 18 octobre 1796, mariée en 1818). Ses frères sont Reuben et Philip, ses sœurs Harriet, Judith, Mary, Sarah et Nell (son frère cadet Philip est devenu commodore dans la marine américaine et père du vice-amiral Alfred Wilkinson Johnson).

Eastman grandit à Fryeburg et à Augusta, où la famille vit à Pleasant Street, puis au 61 Winthrop Street. Son père est propriétaire de plusieurs entreprises et actif dans des organisations fraternelles: il est Grand Secrétaire de la Grande Loge du Maine (anciens francs-maçons) (1836-1844). En 1840, il est nommé secrétaire d'État du Maine, pour un mandat de deux ans.

La carrière d'artiste d'Eastman Johnson a débuté lorsque son père l'a mis en apprentissage en 1840 auprès d'un lithographe de Boston. Après que le mécène politique de son père, le gouverneur du Maine John Fairfield, est entré au Sénat américain, le président James Polk nomme Johnson senior, à la fin des années 1840, commis en chef au bureau de la construction, de l'équipement et de la réparation du département de la marine. La famille s'est installée à Washington, DC, et a d'abord vécu dans des logements locatifs. En 1853, ils achètent une nouvelle maison au 266 F Street, entre la treizième et la quatorzième rue, à quelques pâtés de maisons de la Maison Blanche et des bureaux du ministère de la Marine, qui devient leur résidence permanente. Bien que le jeune Johnson ait vécu pendant un certain temps à Boston et étudié en Europe, il utilise cette maison comme base jusqu'à son déménagement à New York à la fin des années 1850.

Le jeune Johnson s'installe à Washington, D.C., vers l'âge de 20 ans, subvenant à ses besoins en réalisant des portraits au crayon, notamment de John Quincy Adams et de Dolly Madison, probablement aidé par les relations politiques de son père. Il retourne en Nouvelle-Angleterre et s'installe à Boston en 1846, à l'âge de 22 ans.

En 1849, Johnson se rend en Allemagne pour poursuivre ses études à la Kunstakademie de Düsseldorf. Celle-ci était devenue un nouveau centre où de nombreux artistes, dont beaucoup d'Américains, étudiaient l'art et participaient à l'école de peinture de Düsseldorf.

En janvier 1851, Johnson est accepté dans le studio d'Emanuel Gottlieb Leutze, un Allemand qui a vécu aux États-Unis pendant un certain temps avant de retourner en Allemagne. Son œuvre majeure réalisée dans ce studio est le portrait de Worthington Whittredge.

Johnson s'installe à La Haye, où il étudie les maîtres hollandais et flamands du XVIIe siècle. Il termine ses voyages européens à Paris, où il étudie avec le peintre académique Thomas Couture en 1855, avant de retourner aux États-Unis la même année en raison du décès de sa mère.

En 1856, il rend visite à sa sœur Sarah et à sa famille à Superior, dans le Wisconsin. Son guide métis Stephen Bonga, qui était ojibwé et afro-américain, a emmené Johnson parmi les Anishinaabe (Ojibwé) dans les environs de Superior. Tout au long de l'année 1857, Johnson les a fréquemment peints dans des poses intimes et décontractées Selon la Wisconsin Historical Society, Johnson a voyagé avec Bonga dans les régions aujourd'hui connues sous le nom de Grand Portage National Monument, Apostle Islands National Monument, et Isle Royale National Park.

En 1859, Johnson est retourné dans l'Est et a ouvert un studio à New York. Cette année-là, il assoit sa réputation d'artiste américain en exposant à la National Academy of Design son tableau Negro Life at the South (1859) ou, comme on l'appelait communément, Old Kentucky Home, qui se déroule dans les arrière-cours urbaines de Washington DC plutôt que dans une plantation. Cette année-là, Johnson est élu à la National Academy of Design en tant que membre associé et devient académicien à part entière en 1860.

Johnson devient également membre de l'Union League Club de New York, qui conserve un grand nombre de ses peintures. En 1869, à l'âge de 55 ans, il se marie pour la première fois avec Elizabeth Buckley. Ils ont une fille, Ethel Eastman Johnson, née en 1870. Ethel épouse Alfred Ronalds Conkling (neveu du sénateur Roscoe Conkling) en 1896.

À sa mort en 1906, à l'âge de 81 ans, Eastman Johnson est enterré au cimetière de Green-Wood à Brooklyn, New York.

Le style de Johnson est largement réaliste, tant dans les sujets que dans l'exécution. Ses esquisses au fusain n'ont pas été fortement influencées par les artistes de l'époque, mais plutôt par sa formation en lithographie. Ses œuvres ultérieures sont influencées par les maîtres hollandais et flamands du XVIIe siècle, ainsi que par Jean-François Millet. Des échos des glaneurs de Millet sont visibles dans The Cranberry Harvest, Island of Nantucket de Johnson, bien que le ton émotionnel de l'œuvre soit très différent.

L'attention qu'il porte à la représentation des individus plutôt qu'aux stéréotypes renforce le réalisme de ses peintures. L'artiste ojibwé Carl Gawboy note que les visages des portraits d'Ojibwés réalisés par Johnson en 1857 sont reconnaissables dans la communauté ojibwée d'aujourd'hui Certains de ses tableaux, comme Ojibwe Wigwam at Grand Portage, sont très réalistes, avec des détails que l'on retrouvera plus tard dans le mouvement du photoréalisme.

L'attention qu'il porte aux sources de lumière contribue à ce réalisme. Les portraits, Girl and Pets et The Boy Lincoln, utilisent des sources de lumière uniques d'une manière similaire à celle des maîtres hollandais du XVIIe siècle qu'il avait étudiés à La Haye dans les années 1850.

Frédéric Zuber-Bühler, dit Fritz Zuber-Bühler, né le 6 novembre 1822 au Locle (Canton de Neuchâtel) et mort le 23 novembre 1896 à Paris, était un peintre académique suisse.

Zuber-Bühler commença par apprendre la gravure auprès de son grand-père maternel. Monté à Paris, à l’âge de seize ans, son premier professeur est son compatriote Louis Grosclaude. Après avoir étudié à l’École des Beaux-Arts, il affine ses compétences techniques avec François-Édouard Picot, qui a suivi la même lignée d’artistes contemporains que Perrault, Bouguereau et Cabanel. Il a ensuite cherché quelque temps l’inspiration en Italie en 1841. Il a peut-être également étudié à Berlin de 1843 à 1844.

Après cinq ans à l’étranger, il revient à Paris, où il a fait ses débuts au Salon de 1850. Aux Salons suivants, il a exposé des œuvres sur divers supports: peintures à l’huile, dessins, pastels et aquarelles. Il a peint des sujets mythologiques et religieux, ainsi que des portraits de commande. Son style, qui a subi l’influence de Bouguereau, Delaroche et Couture, se caractérise par le fantasme et l'amour idyllique. Connu pour ses décors oniriques, ses compositions très détaillées et un style poli, ses femmes endormies, un des thèmes romantiques idéalisés, ont fait de lui l’un des peintres victoriens les plus populaires de son époque. Aux États-Unis, il a obtenu un succès considérable à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts où il a exposé. Il a également exposé au Salon de Paris jusqu’en 1891, date à laquelle la tradition académique européenne qu’il représentait était complètement passée de mode.

Il meurt en son domicile du 9e arrondissement de Paris au 10, rue Jean-Baptiste-Say le 23 novembre 1896

George Augustus Mortimer Leigh Holmes (1826 - 30 mars 1911), connu sous le nom de George Augustus Holmes, était un artiste anglais.

Holmes travaillait à l'huile et ses sujets étaient principalement des scènes de la vie rurale quotidienne. La plupart de ses peintures ont été exposées à la Suffolk Street Gallery de la Society of British Artists, et ses œuvres ont été présentées pour la première fois à la Royal Academy en 1852. Il expose également à la British Institution, à la Grosvenor Gallery, et enfin au Salon de l'Académie des Beaux-Arts de Paris entre les années 1906 et 1911.

Son tableau «Can't you talk?», montrant un petit enfant sur le sol avec un chien collie, a été largement piraté pour des chromolithographies et des gravures populaires, tant les lois sur le droit d'auteur étaient faibles dans la Grande-Bretagne et l'Amérique du 19e siècle.

Holmes meurt en 1911, à l'âge de 84 ans, alors qu'il vit à Chelsea, à Londres, et laisse un patrimoine évalué à 2 568 £. Il y a eu une enquête du coroner, car l'artiste avait envoyé trois tableaux à la Royal Academy quelques jours auparavant, et sa mort a été soudaine et inattendue.

George A Elcock, né à Londres en 1856 et décédé dans la même ville en 1946, était un peintre de genre britannique.

Il est né à Marylebone, Londres, en 1856, de Robert Elcock et Julia M Elcock. Le père d'Elcock était gardien de maison d'hébergement. Sa mère est née à Neuchâtel, en Suisse. Jusqu'en 1871, la famille a vécu à Marylebone. Mais c'est cette année-là qu'ils ont déménagé pour vivre à Paddington, à Londres. Pendant son séjour, Elcock travaille comme employé de chemin de fer pour la Great Western Railway jusqu'en 1875 environ. Pendant tout ce temps, Elcock peint, mais ce n'est qu'en 1883 qu'il est exposé. Il est exposé à la Brighton Pavilion Picture Gallery. Le Southern Weekly News l'a ensuite commenté: «Le doux métier, n°74, de George A. Elcock, représente une très jolie femme, disciple d'Izaak Walton, s'adonnant à son amusement favori, à l'ombre d'un parapluie japonais; il est dessiné et peint avec soin».

En 1884, il a épousé Sarah Emma Moore à Kensington, Londres. Ils ont vécu à Kensington avec leurs enfants pendant de nombreuses années. En 1901, ils déménagent à Croydon, à Londres, avec sa femme et ses cinq enfants. Sa profession est celle d'un dessinateur de tissus. Sa fille Edith est couturière.

Elcock est décédé en 1946 à Croydon, Londres.

Gaetano Bellei, né en 1857 à Modène et mort en 1922 dans la même ville, était un peintre italien, surtout connu pour ses scènes de genre, ses portraits et ses œuvres sur des sujets religieux.

Gaetano Bellei naît le 22 janvier 1857 à Modène, de Lorenzo et de Vienna Molinari, tous deux originaires de Modène. Après avoir terminé sa formation artistique à l'Académie des beaux-arts de Modène, sous la direction d'Adeodato Malatesta, il s'installe à Rome, où il étudie à l'Accademia di San Luca, puis aux académies française et espagnole.

Il expose à la Royal Academy de Londres en 18824.

En 1883, Gaetano Bellei se rend à Florence pour un an, où, grâce à la bourse reçue, il complète ses études. Là, grâce à sa capacité à travailler dans différents genres, il se lie d'amitié avec des collectionneurs, des marchands et des mécènes d'origine anglaise, qui lui commandent divers types d'œuvres. C'est à cette époque que Gaetano Bellei rencontre Gaetano Chierici. Il meurt à Modène en 1922.

À un stade précoce de son travail, Gaetano Bellei compose des scènes de genre, dont les détails et les caractéristiques sont ensuite souvent reproduits, avec diverses variations, dans de nouvelles œuvres, car elles sont appréciées par les collectionneurs et les mécènes. La nature narrative et les thèmes frivoles de ses tableaux sont combinés à une excellente technique et s'inscrivent souvent dans les tendances européennes dominantes. Gaetano Bellei s'adonne également au portrait et à la peinture sacrée. Depuis 1893, il enseigne à l'Académie de Modène, mais continue à participer à des expositions comme celle de Turin en 1898, de Milan en 1906 et de Rome en 1911. En 1876, alors qu'il est encore étudiant, il remporte le concours du prix Poletti avec le tableau Francesco Francia admirant pour la première fois la Sainte Cécile de Raphaël, battant Achille Boschi. Grâce à ce tableau éminemment scénographique, Bellay devient Fellow. Par la suite, ses peintures s'éloignent de l'académisme, suscitant la controverse par leur caractère réaliste. Ainsi, "Resfa" - une œuvre aux couleurs brutes et sombres, inspirée du symbolisme allemand - attire d'abord la critique, mais est ensuite largement reconnue comme "la meilleure peinture d'art moderne de Modène".

Les thèmes préférés de Gaetano Bellei sont les personnes âgées et les enfants. Il compose des scènes de la vie rurale humble et quotidienne, dans lesquelles on trouve, par exemple, un grand-père et un petit-fils qui s'embrassent, ainsi que des joueurs de cartes, des moines, des ouvriers et parfois des animaux. Beaucoup d'entre eux sont reproduits et répétés dans différentes variantes, car ils sont appréciés par le public acheteur. Gaetano Bellei se manifeste comme un maître dans la représentation des affections, des réactions et des sensations humaines. Lors d'une exposition à Gênes en 1885, il présente pour la première fois Le chaton heureux, qui lui vaut un tel succès commercial que Bellei reproduit aussitôt plusieurs versions de la même intrigue.

Gaetano Bellei s'essaye également à l'Art nouveau, par exemple, dans le tableau "Sous la pluie", où la technique parfaite de représentation de la pluie et des vêtements des modèles attire l'attention, et de la manière du pointillisme, par exemple, dans la toile "Port de Livourne".

Gaetano Bellei réalise de nombreuses œuvres religieuses, dont un retable avec le Rédempteur pour la paroisse de Zocca et le bienheureux Cottolengo pour la chapelle de Rangoni à Bomporto. En 1914, il décore et peint la chapelle principale de l'église de Santa Maria di Munano, puis compose "Sainte Madeleine" pour l'église de San Domenico à Modène. Par la suite, il se consacre entièrement à la peinture d'autel, travaillant dans toute la province de Modène.

La période de passion de Gaetano Bellei pour le portrait marque un retour au divisionnisme. L'artiste est engagé pour réaliser un certain nombre de portraits officiels; il peint également des œuvres plus personnelles, comme les portraits des époux Palazzi, Ferruccio Cambi, ou l'Autoportrait.

Theodor Kleehaas (Germersheim, Rhénanie-Palatinat, 9 ou 10 novembre 1854 - 1928 ou Munich, 21 janvier 1929) était un portraitiste et peintre de genre allemand.

Le fils d'un marchand, Theodor Kleehaas, suit des cours de dessin au Cooper Institute de New York, avant d'entrer à l'académie des beaux-arts de Munich en 1879. Alexander Strähuber, Gyula Benczúr et Alexander von Wagner y furent entre autres ses professeurs. À partir de 1889, il expose régulièrement au Glaspalast de Munich; en 1893/94, il participa à la Grande Exposition d'art de Berlin et en 1897, il reçut une médaille d'argent pour une œuvre exposée au «Crystal Palace» de Londres.

Il avait son atelier à la Schwindstraße (n°13) à Munich et y vivait également. Il était marié à Maria Anna Letz.

Kleehaas a visité l'Italie, la France et la Belgique. Il reste fidèle au style de la peinture de genre munichoise des années 1880 et n'adopte que quelques idées de l'impressionnisme.

Des collectionneurs anglais et américains achetèrent des œuvres de Kleehaas; douze de ses tableaux sont apparus sous forme de photographies dans l'album Junges Blut, publié par Bruckmann à Munich

Theodor Kleehaas a été enterré à l'Alten Nördlichen Friedhof à Munich.

Adolf Eberle (11 janvier 1843 - 24 janvier 1914) était un peintre allemand spécialisé dans la peinture de genre, notamment de paysans et de chasseurs bavarois et tyroliens.

Eberle est né à Munich; son père, Robert Eberle, était également peintre. À l'Académie des beaux-arts de Munich, il suit les cours de Karl von Piloty à partir de 1860. L'année suivante, il connaît le succès avec un tableau intitulé Pfändung der letzten Kuh (hypothèque de la dernière vache), dont William Unger réalise une gravure.

Après avoir représenté des soldats de la guerre de Trente Ans et de la guerre de Sept Ans, il revient à des sujets de la vie paysanne bavaroise et tyrolienne. Lors de l'exposition internationale de 1879 à Munich, son Erster Rehbock (premier cerf) est bien accueilli. Un de ses tableaux intitulé Childhood Fun a été vendu 16 800 dollars chez Bonhams à San Francisco en 2007, et un autre intitulé The Day's Bag a été vendu 7 500 livres sterling chez Christie' s à Londres en 2012.

Eberle est décédé à Munich en 1914. En 1952, la rue Eberlestraße, dans le quartier de Solln à Munich, a été baptisée en son honneur.

Johann Baptist Hofner, né le 30 avril 1832 à Aresing près de Schrobenhausen et mort le 29 juin 1913 à Munich, était un peintre allemand.

Johann Baptist Hofner étudie à l'Académie royale des beaux-arts auprès de Carl Theodor von Piloty en 1847. Il se fait connaître principalement comme peintre animalier et est le compagnon personnel et artistique de Franz von Lenbach, avec qui il vit dans un appartement partagé à Aresing de 1854 à 1856. C'est ainsi que naît la "colonie d'artistes d'Aresing". Des artistes tels qu'Anton Braith et Christian Mali séjournent également fréquemment dans le village. Des œuvres de Johann Baptist Hofner sont exposées au musée Lenbach de Schrobenhausen, à la Neue Pinakothek de Munich et à la Kunsthalle de Hambourg. Son tableau Die junge Schäferin (La jeune bergère) de 1866 est probablement l'une de ses œuvres les plus célèbres.

Après le retour de Franz von Lenbach de Weimar en 1862, les deux hommes retravaillent ensemble, Franz réalisant parfois des fonds pour les peintures de Johann Baptist Hofner. Les œuvres de Johann Baptist Hofner sont présentées à plusieurs reprises lors d'expositions, notamment au Palais du verre de Munich et à l'Exposition universelle de Paris en 1867. À partir de 1880, il s'installe à Munich, mais se rend régulièrement dans sa ville natale.

Johann Baptist Hofner est marié à Kreszenz (née Klas). Le 9 février 1868 naît leur fils Adolf Hofner, qui devient lui aussi peintre, mais qui meurt très jeune, le 12 novembre 1895. Sa femme meurt également neuf ans plus tôt. Peu avant sa mort, il reçoit la médaille du Prince Régent Luitpold à l'occasion de son 80e anniversaire.

Il épouse en secondes noces Carolina. Cette relation reste sans enfant.

Johann Baptist Hofner est inhumé au Waldfriedhof de Munich, la pierre tombale se trouve dans l'entrée de la mairie d'Aresing.

Albert, Aelbert ou Aelbrecht Jacobsz. Cuyp (né à Dordrecht, le 20 octobre 1620 – et mort début novembre 1691), était un peintre de paysages, de marines, d'animaux, de natures mortes et un portraitiste néerlandais (Provinces-Unies) du siècle d'or, issu d’une illustre lignée d'artistes actifs à Dordrecht.

Albert Cuyp est né à Dordrecht le 20 octobre 1620. Il est l'unique enfant de Jacob Gerritz. Cuyp (1594-1652) un peintre d'histoire et un portraitiste, en compagnie de qui il apprend son art et dont il devient le plus proche collaborateur. Son oncle, Benjamin Gerritsz Cuyp (1612-1652) est peintre lui-aussi. Par la suite, Albert Cuyp exerce pour vivre le métier de brasseur, et c'est plutôt par goût qu'il peint.

Ses premiers tableaux, il les réalise vers la fin des années 1630. En 1642, il visite une première fois le nord du pays, entre autres les villes de Rhenen, Arnhem, Amersfoort, Utrecht, Leyde et La Haye. Au cours d'un second voyage en 1651-1652, il retourne à Arnhem, et se rend à Nimègue, Elten, Emmerich, Clèves et Kalkar. Ces séjours marqueront son œuvre. Il réussit dans le paysage, dans les vues de routes avec des voyageurs – œuvres dans lesquelles des animaux sont souvent représentés –, de fleuves et de mers sillonnées par des navires.

En 1658, il épouse une femme issue de la bonne société, Cornelia Boschman qui, veuve de Johan Van den Corput, avait eu trois enfants de ce précédent mariage. À ce moment-là, Albert Cuyp a déjà derrière lui une imposante carrière de peintre. L'année suivante, le couple donne naissance à une fille.

Après 1660, il remplit différentes fonctions dans l’Église réformée, diacre, puis Ancien du Conseil de l’Église. Sa situation financière étant désormais assurée, sa production artistique devient de plus en plus rare. Ses dernières œuvres connues datent de 1665, mais à cette période, cependant, il a toujours au moins un apprenti, soit Abraham soit Barent Van Calraet.

Albert Cuyp meurt en novembre 16912, quatre ans après sa femme. Il est enterré le 15 novembre dans l’Augustijnenkerk («l'église des Augustins») à Dordrecht.

Considéré en son temps comme un portraitiste, il est mieux connu de nos jours comme paysagiste animalier.

L'œuvre d'Albert Cuyp est particulièrement réputée pour le traitement de la lumière des paysages de Hollande, à l'aurore ou au crépuscule, mais également pour son sens de la composition. Ses paysages témoignent de l'influence de Salomon Van Ruisdael et de Jan van Goyen.

À partir des années 1640, il accorde une importance accrue aux phénomènes atmosphériques et aux effets d'éclairage, comme dans Pâturage, conservé au palais de Buckingham. Ses coloris chaleureux se rapprochent de Claude Lorrain.

Après 1650, Cuyp développa a un style personnel généreux. Il est connu pour avoir souvent représenté des personnages et des animaux richement colorés, et pour l’utilisation fréquente d’une palette abondante.

Après 1660, il met davantage l'accent sur les contrastes de couleurs. Il s'inspire de la peinture italienne que lui ont fait découvrir Jan Both et son entourage. Ses paysages baignent dans une lumière méditerranéenne, bien qu’il ne se rendît jamais en Italie.

Ses paysages rappellent également ceux de Nicolaes Berchem, qui était né quelques mois seulement après lui, tout en étant marqués par ses voyages dans les villes du nord. Ses vues fluviales dépouillées, dont sa Vue de Dordrecht constitue un exemple parmi les plus connus, manifestent une virtuosité dans l’emploi des couleurs mates, que l'on associe avec les paysages hollandais.

Il se prendra aussi d’intérêt pour tout ce qui concerne la dynastie et la chevalerie. Cette dernière revêt chez lui une singulière importance : les personnages qu’il représente à dos de cheval sont couramment vêtus quasi à l’orientale, ou bien «à la polonaise», style qui était prisé par les couches supérieures de la population, et ils adoptent des attitudes telles qu’elles étaient enseignées dans les académies équestres en France.

La plupart des œuvres d’Albert Cuyp ne sont pas datées. De ce fait, le catalogue de ses œuvres a été difficile à établir, un certain nombre de peintures étant susceptibles d'être attribuées à d'autres maîtres paysagistes de son temps.

Son œuvre a eu un grand rayonnement, et a notamment influencé la peinture de paysage anglaise du XIXe siècle. On en trouve même des échos chez Turner.

Le romancier – et poète – Marcel Proust, dans Les Plaisirs et les Jours, paru en 1896, dédie quelques vers à Albert Cuyp:

Cuyp, soleil déclinant dissous, dans l'air limpide
Qu'un vol de ramiers gris trouble comme de l'eau,
Moiteur d'or, nimbe au front d'un bœuf ou d'un bouleau,
Encens bleu des beaux jours fumant sur le coteau,
Ou marais de clarté stagnant dans le ciel vide.
Des cavaliers sont prêts, plume rose au chapeau,
Paume au côté ; l'air vif qui fait rose leur peau,
Enfle légèrement leurs fines boucles blondes,
Et, tentés par les champs ardents, les fraîches ondes,
Sans troubler par leur trot les bœufs dont le troupeau
Rêve dans un brouillard d'or pâle et de repos,
Ils partent respirer ces minutes profondes.

Thomas Gainsborough (Sudbury, 14 mai 1727 - Londres, Royaume de Grande-Bretagne, 2 août 1788) est un artiste peintre, graveur et dessinateur britannique, et l'un des plus célèbres portraitistes et paysagistes de la Grande-Bretagne du XVIIIe siècle.

Gainsborough est né en 1727 à Sudbury, dans le Suffolk, en Angleterre. Son père, dont il était le cinquième fils, était un instituteur en relation avec le commerce de la laine. À 13 ans, il impressionne si bien son père par ses talents de dessinateur, qu’il peut partir à Londres pour étudier l'art en 1740. À Londres, il a été apprenti à l'âge de treize ans chez un orfèvre, puis se forme chez le graveur Hubert-François Gravelot, un dessinateur français installé à Londres. Il s'associe ensuite avec William Hogarth et son école, la St Martin's Lane Academy. Un autre de ses mentors est Francis Hayman.

Il ouvre son premier atelier en 1745. Il se fait très vite un nom à Londres, où il est invité à exposer avec les plus grands de son temps dès l'âge de 21 ans. Au cours de ces années, il participe à la décoration de ce qui est maintenant la Thomas Coram Foundation for Children et des Supper Boxes des Vauxhall Gardens.

En 1746, Gainsborough épouse Margaret Burr, âgée de 18 ans3. Ils auront deux filles, dont il fit souvent le portrait, depuis leur enfance jusqu'à la fin de leur vingtième année. Soucieux de leur avenir, il veille à ce qu'elles soient bien éduquées, les envoyant dans un pensionnat exclusif à Chelsea et les encadrant en dessin et en peinture de paysage4. Le père illégitime de Margaret, le duc de Beaufort, Henry Scudamore, leur verse une rente de 200 £.

À cette époque, son œuvre, essentiellement des paysages, ne se vend pas très bien. Il repart à Sudbury en 1748-1749 et concentre son activité sur les portraits. «Un homme, dira Gainsborough, peut faire de grandes choses et pourtant mourir méconnu dans un grenier s’il ne maîtrise pas ses inclinations et ne se conforme pas à l’œil du vulgaire en choisissant la spécialité que tout le monde paiera et encouragera.»

Gainsborough rencontra le peintre Joshua Kirby à l'occasion de leur collaboration à un tableau commun vers 1748. Ils restèrent amis toute leur vie. Peu après, il a peint un portrait de son ami avec sa femme Sarah Bull, conservé à la National Portrait Gallery.

En 1752, avec sa famille, il déménage à Ipswich. Les commandes de portraits augmentent, mais sa clientèle est surtout constituée de marchands locaux et de propriétaires terriens. Il doit emprunter, gageant la rente de sa femme.

Au printemps 1759, il fait le portrait de sa nièce Susanna Gardiner. La mère de Susanna, Susan, était l’une de ses sœurs, menuisière dans leur ville natale de Sudbury. Le portrait était peut-être destiné à être un cadeau avant son départ à Bath.

En 1759, Gainsborough se rend à Bath et s'installe au 17 du complexe résidentiel The Circus. Il y étudie des portraits d'Antoine van Dyck dans les collections de différents manoirs, et finit par attirer une clientèle de la haute société, plus rémunératrice.

En 1760, il fait le portrait d'un de ses amis, le collectionneur et dessinateur Uvedale Tomkins Price. Cette œuvre est aujourd'hui conservée à la Alte Pinakothek de Munich.

En 1761, il commence à envoyer des œuvres à la Society of Arts exhibition de Londres (devenue la Royal Society of Arts, dont il est l'un des premiers membres) et à partir de 1769 aux expositions annuelles de la Royal Academy. Il choisit des portraits de clients célèbres pour attirer l'attention. Les expositions l’aident à gagner une réputation nationale, et il est invité à devenir un des membres fondateurs de la Royal Academy en 17687. Pourtant, sa relation avec l'Académie n'est pas facile. En 1773, il est en désaccord sur l'installation de ses tableaux et il cesse d'y exposer jusqu'en 1777.

Il prend comme apprenti son neveu, Gainsborough Dupont (1754-1797) en 1772. Il n'y a aucune trace d'aucun autre élève ou assistant.

Gainsborough et sa famille retournent à Londres en 1774. Établi comme portraitiste à la mode, il vit à Schomberg House, Pall Mall. En 1777, il recommence à exposer à la Royal Academy, avec des portraits de célébrités de l'époque, notamment le frère et la belle-sœur du roi, le duc Henri et la duchesse Anne de Cumberland. Ces expositions se poursuivent pendant dix ans.

En 1780, il réalise les portraits du roi George III et de la reine Charlotte, et reçoit par la suite de nombreuses commandes royales. Cela lui donne de l’influence sur l'Académie pour définir de quelle façon son œuvre doit être exposée.

Il visite le West Country avec Gainsborough Dupont vers 1782 et la région des lacs avec Samuel Kilderbee en 1783.

En 1784, il est à nouveau en conflit avec l'Académie, en particulier à propos du Portrait des trois filles aînées de Georges III. Le comité de 1784 a décidé de le suspendre «au-dessus de la ligne» (la «ligne» étant une division à peu près au niveau des yeux entre les peintures de cabinet accrochées au-dessous, et les œuvres de grand format, accrochées au-dessus). Les commentaires de Gainsborough fournissent un aperçu précieux de ce qu'il considérait comme une particularité de sa manière de peindre: «il approuve beaucoup la ligne établie pour des effets puissants», écrit-il, mais cette œuvre ne devrait pas être placée à une hauteur supérieure à cinq pieds et demi, car "Il a peint ce tableau des princesses d'une lumière tendre"». Cette formulation «lumière tendre» résume son style de peinture doux, subtilement coloré et évocateur; le contraire des «effets forts». Le comité n'était pas disposé à accepter et Gainsborough a retiré le travail, le montrant plutôt dans son studio à Schomberg House et n'envoyant plus jamais de travail à l'Académie. En 1784, le peintre officiel de la cour, Allan Ramsay, meurt. Le roi doit offrir le titre au rival de Gainsborough, le président de l’Académie, Joshua Reynolds, même si Gainsborough reste le peintre préféré de la famille royale.

Il parvient à une réconciliation avec son grand rival, Sir Joshua Reynolds, qui le louangeait à la Royal Academy, déclarant que «quoi qu'il tentât, il atteignait un degré d'excellence élevé» (R. Wark, éd., Sir Joshua Reynolds: Discourses on Art, New Haven et London 1975, p.254).

Gainsborough meurt d'un cancer le 2 août 1788 dans sa 62e année, dans sa maison Schomberg House à Pall Mall, Londres. Il est enterré à l'église de Kew à Londres. Une vente à titre posthume de ses tableaux et dessins a eu lieu à la maison Schomberg en 1789. Une rue à Kew, Gainsborough Road, est nommée d'après lui.

Avec Richard Wilson, il est l’un des fondateurs de l’école britannique du paysage du XVIIIe siècle et, avec Joshua Reynolds, il est le portraitiste britannique dominant de la seconde moitié du même siècle. Mais contrairement à Reynolds, il évite les références à l'art de la Renaissance italienne ou à l'Antiquité et montre ses modèles en costume contemporain à la mode.

À ses débuts, dans son Suffolk natal, il s'inspire des paysages hollandais du xviie siècle. Cependant, les coups de pinceau légèrement peints, les formes oscillantes, la lumière répartie en taches irrégulières et la coloration finement réglée caractérisent un changement stylistique en légèreté enjouée. Il peignait plus selon ses observations de la nature qu’en appliquant des règles formelles. Il travaillait rapidement, fusionnant souvent ses portraits avec la scène en arrière-plan, recourant à une palette restreinte.

Son installation à Bath en 1759 s'accompagne d'un changement de style. Alors que l'influence de la manière hollandaise est manifeste dans ses paysages antérieurs, qui observent de près la nature et ordonnent des compositions ordonnées, ceux peints à Bath, puis à Londres, deviennent plus pastoraux et poétiques. C'était probablement une réponse aux goûts sophistiqués de ses nouveaux clients et dû au fait qu'il ait vu des œuvres de Claude Lorrain et de Rubens, dans certaines des collections d’art voisines, telles que celles de Wilton et de Stourhead. Il est influencé par la structure et la poésie de Claude Lorrain (1600-82), considérée à l'époque comme l'un des plus grands maîtres en peinture de paysage. Il fait de fréquentes excursions de dessin dans la campagne environnante. Il aurait construit à cette époque dans son atelier des maquettes en bois composées de charbon, d'argile ou de sable, avec des morceaux de miroir pour les lacs et des branches de brocoli pour représenter les arbres, afin de l’aider construire ses compositions. Ces modèles artificiels, créés par la faible lumière d’une bougie, ont servi de base à ses peintures finies - des compositions de paysages entièrement imaginaires.

Ses œuvres comme Portrait de Mrs Graham, Les Filles du peintre, William Hallett et son épouse Elizabeth, née Stephen, connue sous le nom de Promenade matinale (1785) et Petite paysanne au chien et à la cruche (1785) montrent le caractère unique (l'individualité) de ses sujets.

À Bath, de 1759 à 1774, il développe un style de portrait combinant l'élégance de Van Dyck avec sa propre approche plus informelle. Pour Gainsborough, la ressemblance était «la principale beauté et l'intention du portrait», tandis que Reynolds, au contraire, tenait la «simple ressemblance» sous-estimée et cherchait à intellectualiser ses œuvres en incluant des références à l’Antiquité classique. Si les portraits de Gainsborough peuvent être conçus pour une salle familiale, ceux de Reynolds, pleins de dignité et de réserve, seraient destinés à une grande salle de réception ou à un escalier.

Ses deux filles sont parmi ses sujets de prédilection. Il en a peint au moins cinq doubles et plusieurs portraits individuels à différents âges.

Basile De Loose (17 décembre 1809 - 24 octobre 1885) était un peintre belge.

Il est né le 17 décembre 1809 à Zele, en Flandre orientale, dans le Premier Empire français, de Johannes Josephus de Loose, dont le père était également peintre. Douze tableaux de son père sont accrochés dans l'église de Zele, où se trouve également un tableau de Basile De Loose (Le chemin de croix). Il a été formé à Anvers et, en 1835, il était actif à Paris. De Loose a été formé par son père et a également été l'élève de Mattheus Ignatius van Bree.

Il meurt à Bruxelles le 24 octobre 1885.

George Romney était un peintre anglais. Il est né à Dalton-in-Furness dans le Lancashire (aujourd'hui dans le comté de Cumbria) le 26 décembre 1734 et mort à Kendal le 15 novembre 1802.

En 1755, il arrive à Kendal chez son père ébéniste et apprend la peinture avec Christopher Steele (1733-1767), peintre portraitiste itinérant.

En 1757 il commence à se faire connaître comme portraitiste mais il tombe malade. En 1762, il est marié avec deux enfants. Il les abandonne et part pour Londres où il connaît son premier succès avec Mort de Général Wolfe, qui remporte le prix de la Société Royale des Arts.

Il peint très vite, cela se voit dans ses œuvres et leur donne un mouvement très enlevé, malgré quelques maladresses au début.

En 1764, il arrive à Paris et visite le Louvre et découvre François Boucher et Greuze. Poussé par Horace Vernet qu'il rencontre, il part pour l'Italie de 1773 à 1775. Il y découvre le néoclassicisme, décisif pour son art.

De retour à Londres en 1775, il installe son atelier au 32 Cavendish Square. Pendant quinze ans, Sir Joshua Reynolds, le peintre officiel de la "gentry " le considéra comme un rival. Ce dernier, académicien, n'aimait pas Romney, d'ailleurs boudé par l'académie. Mais George Romney eut sa revanche car il fut le portraitiste le plus recherché d'Europe à partir de 1776.

Son atelier fut vite le salon des rendez-vous à la mode et le duc de Richmond s'y rendait parfois avec des membres du Parlement.

En 1802, à 68 ans, malade et oublié de tous, il meurt dans le décor de son enfance.

Son style s'affirme à son arrivée à Londres en 1762. C'est là qu'il mit au point la fluidité et la hardiesse que l'on retrouve dans ses meilleures œuvres. Lorsqu'il manque d'inspiration ses portraits revêtent un air de routine, mais si le modèle est une ravissante jeune femme, un officier éblouissant ou un enfant aux joues roses, il leur insuffle une aisance et une vigueur rarement présentes chez ses contemporains1. En 1782, Emma Hart, la future Lady Hamilton présentée par George Gréville, le frère de Lord Warwick, deviendra son modèle pendant plus de 10 ans. Il peignit près de deux mille portraits. dont une cinquantaine d'Emma dans les costumes les plus divers, Cassandre, Circé... et plus de cinq mille dessins et lavis, représentations de sorcières dans de mythiques forêts. Son geste rapide s'accélère au fil des dessins successifs et séduit les amateurs de romantisme.

Ferdinand Georg Waldmüller (né le 15 janvier 1793 à Vienne - mort le 23 août 1865 à Hinterbrühl) était l'un des peintres autrichiens les plus importants de la période Biedermeier.

En 1807, Waldmüller fréquente l'Académie des beaux-arts de Vienne. Il vit à Bratislava et, en 1811, il travaille comme professeur d'art pour les enfants du comte Gyulay en Croatie. Il retourne à l'Académie de Vienne et étudie la peinture de portraits. En 1814, il épouse la chanteuse Katharina Weidner et part en tournée avec elle, travaillant comme décorateur.

En 1817, Waldmüller retourne à Vienne et passe beaucoup de temps à copier les œuvres des maîtres anciens et à peindre des portraits, des sujets de genre et des natures mortes. En 1823, il réalise un portrait de Ludwig van Beethoven. Plus tard, Waldmüller s'intéresse à la nature et commence à peindre des paysages qui, par l'attention qu'ils portent aux détails, illustrent la conviction de Waldmüller selon laquelle l'étude minutieuse de la nature doit être la base de la peinture. Il s'agit de ses œuvres les plus remarquables, dans lesquelles son sens de la couleur et sa connaissance de la nature l'ont aidé à atteindre un niveau de maîtrise élevé.

En 1819, Waldmüller devient professeur à l'Académie des beaux-arts de Vienne, mais il est en conflit avec l'establishment viennois, notamment pour ses commentaires sur le système de l'académie, où il souhaite que l'étude soit centrée sur la nature. Ses opinions étaient en opposition avec les doctrines officielles de l'art idéal promulguées par l'Académie de Vienne et, après avoir publié ses travaux sur l'éducation artistique, il a été contraint de se retirer en 1857. En 1863, il est à nouveau accepté dans les cercles artistiques de Vienne et est fait chevalier en 1865.

Ferdinand Georg Waldmüller est l'un des plus importants peintres autrichiens de la période Biedermeier. Qu'il s'agisse de la conquête du paysage et donc du rendu convaincant de la proximité ou de la distance, de la caractérisation précise du visage humain, de la description détaillée et raffinée des textures ou de la représentation de la vie quotidienne rurale, ses œuvres - brillantes, explicatives, moralisatrices et socialement critiques - ont influencé toute une génération d'artistes. Défenseur de l'observation naturelle et de la peinture en plein air, critique de la peinture académique, Waldmüller était très en avance sur son temps.

Waldmuller est décédé le 23 août 1865 à Hinterbrühl, Autriche.

Waldmüller était l'un des artistes préférés d'Adolf Hitler. Sous le régime nazi, de 1933 à 1945, de nombreuses œuvres d'art de Waldmüller ont été saisies auprès de collectionneurs juifs et plusieurs d'entre elles ont été acheminées vers le musée du Führer d'Hitler à Linz. Les demandes de restitution d'œuvres d'art de Waldmüller pillées comprennent :
- Les enfants sur le chemin de l'école a été volé à Amalie Redlich dans l'Autriche nazie.
- Le petit comte Esterhazy a été volé à la collection Bloch-Bauer.
- «Bildnis der Familie Gierster» a été volé à Franz et Melania Popper.
- Wiedergenesene a été volé à Hermann Eissler.
- Irma et Oscar Lowenstein pour trois Walmüller saisis en vertu des lois antijuives de Nuremberg pour le musée de Linz prévu par Hitler: L'enfant au bon naturel; Préparer la célébration des vendanges, et La visite des grands-parents.

Victor Charles Thirion était un peintre français né à Langres, en Haute-Saône, le 30 mars 1833, et mort à Paris, le 27 avril 1878.

Il s'installe à Paris pour étudier à l'École des Beaux-Arts avec William Adolphe Bouguereau (1825-1905), le principal peintre de salon et professeur de sa génération, et avec Marc Gabriel Charles Gleyre (1808-1874), peintre de genre et d'histoire d'origine suisse.

Thirion s'est établi comme peintre et graveur de sujets de genre, principalement le genre paysan rustique idéalisé qui était devenu de plus en plus populaire au cours de la seconde moitié du dix-neuvième siècle. L'interprétation de Thirion de ce genre diffère de celle de ses contemporains, Jules Breton (1827-1906) et Julien Dupré (1851-1910), dont les œuvres dépeignent la noblesse de la vie paysanne. Thirion a peint des scènes intimes de la vie paysanne, souvent des enfants dans un cadre domestique, mais à la différence de nombre de ses contemporains qui se sont également spécialisés dans ce genre, Thirion a peint dans un style distinctif de salon. Il a hérité du style classique de Bouguereau et de sa vision de l'enfance, empreinte de sentiment. Les enfants paysans de Thirion sont sains, bien nourris et beaux, délicatement peints et observés avec acuité.

Il expose au Salon de Paris à partir de 1861 et meurt à l'âge précoce de quarante-cinq ans à Paris le 27 avril 1878.

Pieter Hendricksz de Hooch, baptisé le 20 décembre 1629 à Rotterdam et mort entre 1684 et 1694 à Amsterdam, était un peintre néerlandais du siècle d’or. Représentant du baroque.

Il est considéré comme l’un des principaux maîtres de la scène de genre.

Pieter de Hooch est baptisé à l'église Saint-Laurent de Rotterdam le 20 décembre 1629. De Hooch est l'aîné des cinq enfants de Hendrick Hendricksz. De Hooch, maçon, et d'Annetge Pieters, sage-femme, mais les quatre autres enfants mourront tous en bas âge. Selon Arnold Houbraken, il aurait fait son apprentissage à Haarlem, entre 1645 et 1647 environ, qu'en même temps que Jacob Ochtervelt chez le peintre paysagiste Nicolaes Berchem; son œuvre ne montre cependant aucune parenté stylistique avec celle de ce dernier. Roland E. Fleischer soutient, quant à lui, l'hypothèse selon laquelle Hooch aurait été l'élève de Ludolf de Jongh à Rotterdam, ce qui semble plausible, étant donné les similitudes de style entre les premières œuvres de De Hooch et les réalisations de De Jongh. Par la suite, De Hooch subira l’influence de Rembrandt et de Carel Fabritius.

La première source qui le mentionne comme résidant à Delft date d’août 1652: lui et Hendrick van der Burch, son apprenti, sont alors mentionnés comme témoins lors de l’ouverture d’un testament. Il y travaille surtout pour un riche marchand de linge et collectionneur de peintures du nom de Justus de La Grange, lequel possédera en 1655 au moins onze œuvres du peintre. En mai 1654, il épouse la sœur de Van der Bruch, Jannetje, union dont naîtront sept enfants. Dès l'année suivante, en 1655, il est inscrit à la guilde de Saint-Luc locale. Ses débuts de la période à Delft sont marqués par la pauvreté car, si l'on excepte les commandes de La Grange, ses œuvres, scènes comiques aux couleurs sombres, ne rencontrent pas le succès.

Vers 1658, le style de De Hooch évolue vers plus de clarté; ses représentations deviennent plus aérées et, grâce à l'utilisation de la perspective, elles gagnent également en profondeur. Vraisemblablement influencé par Johannes Vermeer, il réalise ses meilleures œuvres pendant cette courte période, jusqu’à environ 1662.

En 1660 ou 1661, il part s’établir à Amsterdam, où il entre sans doute en contact avec la haute société, comme l'attestent les riches et élégants intérieurs qu'il représente. Les formats sont plus grands, mais le style pictural plus lourd, avec des ombres moins transparentes. On connaît de cette période moins d’œuvres de Pieter de Hooch.

Malgré de riches clients, il passe ses premières années à Amsterdam dans un quartier pauvre. Ce n’est qu'en 1668 qu'il emménage dans un meilleur quartier, ses moyens ne lui permettant toutefois pas d'acheter sa propre maison.

Peu de choses sont connues des dernières années de sa vie. Il a souvent, alors, été confondu avec son fils, Pieter Pietersz. De Hooch, qui semble avoir été également son apprenti. Celui-ci est mort à l'Asile de fous (la Dolhuis) d'Amsterdam, où il était interné depuis 1679, et fut enterré le 24 mars 1684 au cimetière Saint-Antoine (St. Anthonius Kerkhof). On ignore l'année où il est mort, soit la même année que son fils, soit dans la décennie qui suivit.

Arnold Houbraken, important auteur de biographies de peintres, ne disposait en 1719 que de peu d'informations concernant Pieter de Hooch. Dans le jugement qu'il porte sur son œuvre, il le qualifie comme «ayant excellé dans la peinture d'intérieurs avec des groupes de messieurs et dames». Néanmoins, Houbraken ne comprend pas de Hooch - pas plus d’ailleurs que Vermeer -, dans sa liste des meilleurs artistes du XVIIe siècle.

Le style de Pieter de Hooch est caractérisé par le raffinement lyrique de la composition picturale et une grande maîtrise de la profondeur spatiale. Au début de sa carrière, celui-ci, comme beaucoup de jeunes peintres à son époque, peint surtout la vie des soldats, des paysages avec des cavaliers et des archers par exemple; mais, il ne s'intéresse pas tant aux sujets qu'au développement de son traitement de la lumière, de la couleur et de la perspective. Après son arrivée à Delft, il se met à réaliser des scènes de genre avec des personnages qui mangent, boivent et jouent de la musique.

Plus tard, à partir de 1658, il représente surtout les intérieurs du siècle d'or, avec des personnages essentiellement féminins. De façon frappante, il peint quasi systématiquement des sols en carrelage, qui permettent d'observer sa maîtrise évidente des lignes de perspective. La profondeur des peintures est en général renforcée par une vue vers l’extérieur, vers une cour, ou une autre pièce de la maison, qui est toujours plus éclairée que la scène principale du tableau.

La représentation d'un intérieur paisible était populaire au siècle d'or, ce qui peut s'expliquer par le fait que la guerre de Quatre-Vingts Ans (1568-1648) venait juste de prendre fin et que le pays aspirait à la paix et à la tranquillité.

En peignant des femmes au travail, Pieter de Hooch idéalise la vie domestique hollandaise, les vertus simples, la gestion ménagère efficace, et la bonne éducation des enfants. Ainsi dit-on du tableau Tâche maternelle, qui représente une mère épouillant son enfant, qu'il se réfère à un poème de Jacob Cats: «Kam, kam u menigmaal, en niet het haar alleen, maar ook dat binnen schuilt, tot aan het innig been.», («Peignez, peignez-vous moult fois, et pas les cheveux seulement, aussi ce qui se cache en dedans, jusqu'à l'os intérieur.»), qui signifie que l'on ne doit pas seulement soigner et nettoyer ses cheveux, mais aussi son âme.

Pieter de Hooch utilise une palette de couleurs chaude, avec beaucoup de rouge et de tons rouge-brun.

Le nom de Pieter de Hooch est souvent cité aux côtés de celui de Vermeer. Il n'est pas évident de savoir lequel des deux influença l'autre - et peut-être l’influence fut-elle réciproque - mais les deux œuvres, affectionnant les femmes occupées à des tâches ménagères, sont tout à fait différents. Ses peintures contiennent presque toujours une vue vers l'extérieur, tandis que Vermeer se limite la plupart du temps à une fenêtre laissant pénétrer la lumière depuis la gauche. Vermeer préfère représenter l'humanité des scènes intimes, et peint avec une douceur extrême qui rend ses femmes particulièrement charmantes, vivantes et presque accessibles. De Hooch, quant à lui, joue sur la précision du contexte culturel et social, ce qui fait de son œuvre un témoignage précieux sur la société hollandaise du XVIIe siècle, sans pour autant devoir être considérée comme un simple miroir promené dans les maisons cossues.

D'autres peintres sont également cités parmi les influences de De Hooch: pour sa période du début, Rembrandt, Carel Fabritius et Nicolaes Maes. Jan Steen, ensuite, même si les intérieurs de De Hooch sont toujours plus propres et rangés. Enfin citons Gerard ter Borch.

Kirill Vikentievitch Lemokh, également connu sous le nom de Carl Johann Lemoch, (en russe : Лемох, Кирилл Викентьевич), né le 7 juin 1841 à Moscou en Russie et mort le 24 février 1910 à Saint-Pétersbourg en Russie était un peintre russe.

Le 7 juin 1841 Karl Johann Lemoch, 3e enfant de Viktor Lemokh professeur de musique d'origine allemande et d'Elisabeth Karlovna Shildbakh voit le jour à Moscou où il passera son enfance Plus tard il adoptera le prénom orthodoxe Kirill plus harmonieux pour les oreilles russes.

De 1851 à 1856, il étudie à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou sous la direction d'Iegor Iakovlevitch Vassiliev et d'A. E. Sorokine.

De 1858 (1856 selon deux autres sites) à 1863, il entre à l'Académie impériale des beaux-arts à Saint-Pétersbourg dans la classe de peinture historique de Piotr Bassine et d'Alekseï Markov et pendant un certain temps dans l'atelier d'Ivan Aïvazovski. Il y reçoit de nombreuses médailles: en 1859 une petite médaille d'argent pour une esquisse, en 1860 une petite et une grande médaille pour une esquisse et une peinture, en 1861 une grande médaille d'argent pour un dessin et en 1863 il remporte la petite médaille d'or de l'Académie et son diplôme pour Moïse puisant de l'eau d'un rocher. Il est sélectionné pour participer au concours de la grande médaille d'or permettant l'obtention d'une bourse d'études de six ans en Italie, financée par le ministère de la cour impériale. À l'occasion du 100e anniversaire de l'Académie, le conseil académique modifie toutefois les règles de l'épreuve: elle soumet les auteurs de peinture de genre aux règles réservées auparavant aux auteurs de peinture d'histoire. Ces derniers ne pouvaient pas choisir leur sujet, mais devaient répondre d'un thème imposé. Cette initiative provoque tant de mécontentement qu'une pétition est signée par Karl Lemokh et les treize autres élèves concernés. Bien que leur réclamation soit prise en considération, les étudiants, ignorant tout du succès de leur démarche, écrivent au vice-président de l'Académie, sans recevoir de réponse de sa part. Le 9 novembre 1863, le thème annoncé est Un banquet au Walhalla. Treize candidats, dont Lemokh, décident de quitter l'Académie. Cet événement, appelé Révolte des Quatorze, a pour conséquences la fondation de l'Artel des artistes. Cet aléa n'empêchera pas Lemoch d'obtenir en 1865 un certificat lui donnant le droit d'enseigner la peinture dans les établissements d'enseignement supérieur. L'administration ne s'opposera pas davantage à ce que huit des quatorze «protestants» obtiennent ultérieurement des responsabilités élevées.

Ne pouvant bénéficier, pas plus que ses camarades, de la bourse qui lui aurait permis d'étudier en Italie, Lemoch doit se débrouiller pour gagner sa vie. En revanche il n'a pas, comme d'autres, de problèmes pour se loger car il habite déjà à Saint-Pétersbourg, dans l'Île Vassilievski, au quatrième étage d'une maison où il a aménagé un atelier. Cela lui permet de peindre mais aussi de recevoir quotidiennement des amis artistes, universitaires et scientifiques. Ivan Kramskoï a l'idée de créer une coopérative qui s'appelle, comme cité précédemment, l'Artel des artistes, et dont Kirill Lemokh devient membre en 1868. Les quatorze se retrouvent dans un local qui se trouve aussi dans l'Île Vassilievski où certains peuvent loger et où tous peuvent travailler, mettre en commun leurs talents, leurs idées et leurs moyens. Pour gagner les revenus du travail nécessaire à leur existence, ils placent des annonces dans la revue Bulletin de Saint-Pétersbourg afin d'informer les lecteurs qu'ils donnent des cours privés de peinture et des cours collectifs de dessin et invitent les amateurs à des séances de lecture d'écrits sur l'art. Dans ce contexte, Lemokh vend des leçons dans des familles aristocratiques; initiative lui permettant de voyager à travers l'Europe en 1864. Il passe l'été à Khovrino, où il a construit un atelier.

En 1868, il présente à l'exposition de l'Académie des arts son tableau Le Chagrin familial pour lequel il reçoit le titre d'artiste de classe du 1er degré et deux ans après avec Grigori Miassoïedov il fonde l'association des Ambulants mais l'année suivante il en est exclu pour violation de la charte à savoir: absence de présentation d'une œuvre pour l'ouverture d'une exposition. En 1878 il en redevient membre puis en 1879 membre du conseil d'administration, en 1880 trésorier permanent pour son impeccable honnêteté et sa gestion scrupuleuse des finances. Il conserve les archives de l'association et rend compte de tous les revenus et dépenses liés à l'organisation des expositions et les vérifie tous les jours dans son atelier.

En 1875, il soumet au jury lors de l'exposition organisée par l'Académie sept tableaux dont Le Patron, Le Travailleur de demain, Le Matin, dans une loge de concierge en Suisse, Fille avec un chaton, Étude de vieille femme, Femme au berceau pour lesquels il reçoit le titre d'académicien de l'Académie impériale des beaux-arts. Il enseigne le dessin et la peinture aux enfants d'Alexandre III : à Nicolas Alexandrovitch qui deviendra le dernier tsar de toutes les Russies et à Olga Alexandrovna qui continuera à peindre toute sa vie. Quelquefois le grand père Alexandre II vient discuter avec Kirill Lemokh car son talent très apprécié par la famille impériale ce qui lui permet de vendre ses travaux à un bon prix, de se faire une clientèle dans les milieux aristocratiques et de bénéficier d'une pension viagère. Ainsi il peut vivre sans la crainte du lendemain. En 1893, il est élu membre du comité artistique de l'Académie et de la commission du bureau de la mosaïque fonctions pour lesquelles il reçoit une pension et deux ans plus tard il est élu au conseil d'administration pour un mandat de cinq ans. De 1897, 1901 selon une autre source, à 1909, c'est-à-dire jusqu'à sa retraite, il occupe le poste de directeur (ou conservateur) du département des beaux-arts du Musée russe de S.M.I. Alexandre III.

Ces bonnes conditions matérielles ne mettent pas Lemokh à l'abri des épreuves: sa fille Varvara, mariée à Vladimir Mendeleïev (fils du célèbre Dmitri Mendeleïev), devient veuve en 1889. Comme un malheur ne vient jamais seule, elle perd aussi son enfant à l'âge de trois ans. En mémoire de ce petit fils disparu, Lemokh fait ouvrir à grand frais une école diocésaine près de l'église de son village. En 1904, c'est au tour de son épouse de disparaître. Frappé de tristesse, le peintre quitte Khovrino, qui n'est plus pour lui qu'un décors sans âme. Il n'y reviendra qu'en 1909, après un voyage de cinq ans en Italie. Il envisage aussitôt de réparer son atelier frappé de désuétude. Il va recommencer comme il le faisait auparavant à peindre des scènes de la vie des paysans russes et de leurs enfants dont il a été très proche et qu'il connaissait tous. Il avait représenté les souffrances, les conditions de vie parfois terribles, les drames familiaux mais aussi les joies de ce peuple qu'il nous a rendu si sympathique. Il ne s'est d'ailleurs pas contenté de les peindre, mais est venu à leur aide. Il a notamment payé la construction d'un puits ; fait reconstruire des maisons détruites par des incendies; donné de l'argent aux gens les plus démunis ; fait offrir une vache à ceux qui n'avaient pas de quoi acheter du lait.

Kirill Lemokh meurt le 24 février 1910 à Saint-Pétersbourg. Ses funérailles se déroulent dans l'église de l'Académie impériale des arts. Le corps est enseveli dans le cimetière du monastère de Kazan Golovinski.

Théodore Gérard, né à Gand, en Belgique, en décembre 1829, et mort en 1902, était un graveur et peintre de scènes de genre.

Gérard a commencé sa formation artistique en tant qu'élève de l'Académie des beaux-arts de Gand. En 1863, comme beaucoup de jeunes artistes de son époque, il s'installe à Bruxelles, la nouvelle capitale, pour élargir sa carrière. C'est à Bruxelles qu'il commence à être reconnu pour ses peintures de genre et, dès 1870, il connaît un succès international.

Les peintures de Gérard ont reçu des médailles à Philadelphie en 1870, à Londres en 1871, à Vienne en 1873 et à Bruxelles en 1875. Alors que ses premiers tableaux imitaient le style et les sujets du peintre hollandais de l'âge d'or Gerrit Dou, le style mature de Gérard se concentre sur les scènes de genre contemporaines des Pays-Bas, montrant des moments joyeux avec une spontanéité intime.

Il a beaucoup voyagé en Allemagne et dans l'Empire austro-hongrois, ce qui lui a permis d'inspirer ses peintures, qui représentent souvent des costumes historiques pittoresques. L'œuvre de Gérard était si respectée qu'il a été nommé professeur à l'Académie des beaux-arts de Bruxelles. Aujourd'hui, ses peintures se trouvent dans des musées et des collections publiques du monde entier, notamment à Bruxelles, à Gand, dans les musées de Courtrai et d'Anvers, ainsi que dans de nombreuses collections publiques internationales, dont les Dover Collections.

Théodore Gérard est surtout connu pour ses charmantes peintures de genre de la vie rurale peintes dans les Pays-Bas, la région de plaine côtière formant le bassin inférieur du delta Rhin-Meuse-Escaut dans le nord-ouest de l'Europe.

Friedrich Eduard Meyerheim (né le 7 janvier 1808 à Dantzig, mort le 18 janvier 1879 à Berlin) était un peintre allemand.

La famille Meyerheim est une famille d'artistes. Le père Karl Friedrich Meyerheim est un peintre décorateur qui initie son fils.

Friedrich Eduard Meyerheim vient après de premières études dans l'école de Johann Adam Breysig dans sa ville natale à Berlin en 1830 pour l'académie auprès de Johann Gottfried Schadow, Eduard Daege et Johann Gottfried Niedlich. Après ses études, il fait un voyage avec son ami, le futur architecte Heinrich Strack, dans la marche de Brandebourg et produit de nombreux dessins d'architecture, en particulier des églises et des bâtiments en briques. Der Schützenkönig, l'une de ses premières œuvres est achetée en 1836 par Joachim Heinrich Wilhelm Wagener (de) qui la donnera à l'Alte Nationalgalerie.

Sous l'influence de l'école de peinture de Düsseldorf, il peint entre 1833 et 1841 des peintures de genre romantiques. Dès lors, il se consacre exclusivement à la représentation de la vie bourgeoise et paysanne. La Westphalie, la Thuringe, la Hesse et le Harz sont ses régions d'études. En 1836, il épouse la sœur du sculpteur Friedrich Drake. En 1870, un trouble nerveux grave gêne son activité artistique.

Friedrich Eduard Meyerheim est le père des peintres Franz Meyerheim et Paul Friedrich Meyerheim.

Franz Eduard Meyerheim (10 octobre 1838, Berlin - 5 avril 1880, Marburg) était un peintre de genre allemand.

Son père était le peintre Friedrich Eduard Meyerheim. Son frère cadet, Paul Friedrich Meyerheim, est également devenu peintre. Ses oncles, Wilhelm Alexander Meyerheim (1815-1882) et Hermann Meyerheim (vers 1860) étaient également des artistes.

Ses premières leçons d'art lui sont données par les membres de sa famille. En 1854, à l'âge de seize ans, il entre à l'Académie prussienne des arts. Quatre ans plus tard, il est transféré à la Kunstakademie de Düsseldorf et expose pour la première fois. Il voyage également beaucoup, au Tyrol, en Belgique, en Italie et en Suisse, réalisant des croquis de gens humbles et ruraux, qui seront ses principaux sujets.

À la suite d'une réorganisation de l'Académie prussienne, il est nommé professeur de dessin anatomique, poste qu'il occupe jusqu'en 1878, date à laquelle la maladie le contraint à prendre sa retraite. Il meurt deux ans plus tard, en convalescence à Marburg, à l'âge de 42 ans. La cause du décès est donnée comme étant un «ramollissement du cerveau» (encéphalomalacie).

Charles Burton Barber (1845-1894) est un peintre britannique qui a connu un grand succès avec ses peintures d'enfants et d'animaux domestiques.

Barber est né à Great Yarmouth, dans le Norfolk, et a étudié dès l'âge de 18 ans à la Royal Academy de Londres, où il a reçu une médaille d'argent pour le dessin en 1864 et où il a exposé pour la première fois en 1866.

De son vivant, Barber est considéré comme l'un des meilleurs peintres animaliers de Grande-Bretagne et reçoit des commandes de la reine Victoria pour la représenter avec ses petits-enfants et ses chiens[1], ainsi que du prince de Galles (futur Édouard VII) et de ses animaux de compagnie. Un certain nombre de ses portraits se trouvent dans la Royal Collection. Il expose à la Royal Academy de 1866 à 1893. En 1883, il est élu membre de l'Institut royal des peintres à l'huile.

Barber est devenu un peintre sportif et animalier très populaire, spécialisé dans les portraits sentimentaux de chiens, souvent accompagnés d'enfants. Ses œuvres vont du réalisme photographique à l'esquisse rapide. Bien que certains aient considéré son travail comme trop sentimental, son œuvre reste populaire, en grande partie grâce à sa compétence en matière de peinture.

Barber reçoit sa dernière commande en 1894 pour peindre la reine Victoria, avec ses petits-enfants, dans sa voiture à poney. Il meurt à Londres peu de temps après. Sa place de premier peintre d'enfants et d'animaux domestiques a été reprise par Arthur Elsley.

De nombreuses peintures de Barber ont été imprimées, généralement en photogravure. Il a exposé au Royal Institute of Oil Painters, à la Walker Art Gallery et à la Manchester Art Gallery. Une grande partie de ses œuvres se trouve à la Lady Lever Art Gallery à Port Sunlight.

Ernest Charles Walbourn (16 février 1872 Dalston, Middlesex - 29 juin 1927) était un peintre paysagiste britannique de scènes rurales et agricoles. Il est le deuxième d'une famille de cinq enfants et reçoit une éducation locale. Son père, qui possédait une propriété en Tasmanie/Australie, a d'abord désapprouvé ses ambitions artistiques, mais il l'a ensuite aidé à installer un studio dans la maison familiale et à financer sa formation artistique.

En 1895, il s'installe à Chingford, dans l'Essex, et commence à exposer à l'Institut royal des peintres à l'huile. À partir de 1897, ses peintures sont exposées à la Royal Academy et à la Royal Society of British Artists. Ses œuvres sont bien accueillies et nombre d'entre elles sont vendues par l'intermédiaire des marchands d'art londoniens W. W. Sampson & Louis Wolfe. En 1906, il épouse Eva Gardner, qui l'aide à peindre l'arrière-plan de certaines de ses grandes œuvres, et qui sera plus tard reconnue comme telle.