Jules Bastien-Lepage
Jules Bastien, dit Jules Bastien-Lepage, né le 1er novembre 1848 à Damvillers et mort le 10 décembre 1884 à Paris, est un peintre et graveur naturaliste français.
Fils de Claude Bastien et de Catherine Adèle Lepage, Jules Bastien-Lepage naît à Damvillers, près de Verdun, dans un milieu modeste et humble de propriétaires terriens et de paysans. Il suit des études secondaires à Verdun au lycée Buvignier et, muni de son baccalauréat ès-sciences après une scolarité sans relief particulier, où il manifesta une timide vocation artistique, il arrive à Paris en 1867. Il entre à l'administration générale des Postes en tant que surnuméraire, ce qui lui laisse le temps de travailler le dessin. La situation n'est cependant pas glorieuse. À la même époque, il tente le concours de l'École des beaux-arts de Paris. Il ne sera pas reçu mais pourra fréquenter les cours en tant qu'aspirant. L'année suivante, il est admis dans l'atelier d'Alexandre Cabanel où il s'entraîne à dessiner. Le 20 octobre 1868, il est enfin reçu premier au concours et entre aux Beaux-Arts dans la section peinture ainsi que son ami Raphaël Collin. Commencent alors de nombreuses démarches pour l'allocation de bourses et aides financières diverses. Il débute au Salon de 1870 avec un portrait qui ne fut pas remarqué.
En 1873, il expose Au printemps et, en 1874, Mon Grand-père, tous deux particulièrement appréciés par les critiques. Il obtient une médaille de troisième classe pour le portrait de son grand-père au Salon de 18743. En 1875, l'Annonciation aux bergers lui permet d'être deuxième au grand prix de Rome. Il va hésiter entre deux directions : les thèmes traditionnels et ses goûts pour les scènes de la vie paysanne. Peintre de la vie rurale, il aime travailler près des paysans, les suivre dans leurs occupations quotidiennes. Viendront: Saison d'octobre, Le Père Jacques, L'Amour au village, Le Faucheur aiguisant sa faux, etc.
Pendant la décennie suivante, il exerce une grande influence sur les jeunes peintres, en France, dans toute l'Europe et en Amérique du Nord.
Dans le parc des Rainettes à Damvillers, alors vaste verger, il souhaite créer un atelier de plein air. Il y reçoit des personnalités, telles que le frère du roi de Serbie ou l'écrivain André Theuriet. Parallèlement, il fait une carrière de grand portraitiste par un travail qui rappelle la facture du réalisme flamand dans ses dimensions modestes et sa technique précise. Ce sont les portraits du prince de Galles, d'Albert Wolff, de Madame Godillot, de Juliette Drouet, de Sarah Bernhardt, etc.
Marie Bashkirtseff lui voue une admiration profonde. Il ne travaille guère plus de dix ans et, pourtant, il laisse une œuvre originale et innovante. Ses toiles figurent dans les plus grands musées du monde : Paris, Londres, New York, Moscou, Melbourne, Philadelphie… Il compte notamment parmi ses élèves Elena Samokich-Soudkovskaïa.
Jules Bastien-Lepage meurt le 10 décembre 18844 dans son atelier de la rue Legendre, dans le 17e arrondissement de Paris5, d'une tumeur cancéreuse placée entre l'abdomen et l'épigastre. Après sa mort, c'est son frère Émile qui donna au jardin des Rainettes son aspect de parc.
Le musée Jules Bastien-Lepage de Montmédy (Meuse) est consacré à son œuvre.
Jules Bastien-Lepage est un des principaux représentants du naturalisme en peinture.
Une analyse du tableau de Bastien-Lepage par le critique Paul Mantz permet de mieux comprendre la complexité des réactions de l'époque devant ces images de moments de repos après des travaux pénibles : «Cette paysanne est un monument de sincérité, un type dont on se souviendra toujours. Elle est très hâlée par le soleil, elle est laide <…> Elle reprendra son dur travail, elle rentrera dans les fatalités de la vie réelle. Mais pendant cette rude journée, l'âme aura eu son entracte. De tous les tableaux du Salon, y compris les tableaux religieux, la composition de Bastien-Lepage est celle qui contient le plus de pensée».
«On prétend parfois», écrivent Patricia Carles et Béatrice Desgranges, «que Zola a «lâché » les impressionnistes, qu'il n'aurait pas compris, pour se tourner vers des peintres comme Bastien-Lepage, dont il reconnaît les talents de portraitiste dès 1876 et qui fut son ami.» Une lecture attentive des textes montre qu'il n'en est rien. Fidèle à sa méthode critique, qui constate et analyse les évolutions objectives de l'histoire de l'art plus qu'elle ne définit des règles, Zola montre comment Bastien-Lepage, formé par Cabanel, a inconsciemment subi l'influence «de la formule impressionniste» dont il consacre le triomphe en l'affadissant, en la mettant «adroitement » à la portée du public. Mais le succès de Bastien-Lepage milite contre le peintre aux yeux de Zola : les vraies personnalités sont toujours en butte à l'hostilité de «la foule». «Tous les créateurs ont rencontré au début de leur carrière une forte résistance, c'est une règle absolue, qui n'admet pas d'exception; mais lui on l'applaudit, mauvais signe...».
«Je me suis mis à faire ce que je voyais, tâchant d'oublier ce qu'on m'avait appris.» Jules Bastien-Lepage
Hugo Fredrik Salmson
Hugo Fredrik Salmson (7 juillet 1843 - 1er août 1894) était un peintre suédois, connu pour ses personnages et ses scènes de genre.
Salmson est né à Stockholm, en Suède. Il est le fils de Fredrik Ludvig Salmson, grossiste, et de sa femme Maria Perlberg. Il a d'abord étudié le commerce, mais a rapidement opté pour une carrière artistique. En 1862, il commence ses études à l'Académie royale suédoise des beaux-arts, où il est formé par Johan Christoffer Boklund. Son tableau de Sten Sture le Jeune rencontrant Gustav Trolle dans la cathédrale d'Uppsala (1867) lui vaut une médaille royale et une bourse de voyage.
En 1868, il se rend à Paris, via Düsseldorf. Les classes de Léon Bonnat et d'Alexandre Cabanel n'ayant pas de places vacantes, il prend des cours particuliers auprès de Pierre-Charles Comte.
Il fait ses débuts au Salon de 1870 avec une scène de genre représentant un chalet en Dalécarlie, intitulée Révélation. Pendant la guerre franco-prussienne, il vit et travaille à Bruxelles. Il conserve un atelier à Paris jusqu'au début des années 1880 et se rend souvent en Picardie. À partir de 1883, Salmson passe généralement les étés à Dalby en Scanie.
À partir de 1883, Salmson passe généralement les étés à Dalby en Scanie[1].
À son retour en Suède, il devient membre de l'Académie royale et donne des cours au prince Eugen, mais rejoint plus tard un groupe opposé aux méthodes d'enseignement de l'Académie (Opponenterna). Outre le Salon de Paris, il participe à plusieurs expositions de l'Académie à Stockholm (1886-1888), à l'Exposition universelle de 1878, à l'Exposition universelle de 1889 à Paris, à l'Exposition nordique de 1888 à Copenhague, à l'exposition Forers au palais de Charlottenborg (1879), à l'Exposition d'art de Göteborg (1881), ainsi qu'aux expositions de l'Association suédoise des artistes (Konstnärsförbundet) à Stockholm et à Göteborg en (1886).
Au cours de ses dernières années, Salmson a surtout peint des portraits à l'huile ou au pastel. Il est souvent reclus, ne communique pas et souffre de dépression. Il meurt en 1894 lors d'un séjour dans un hôtel de Lund.
Salmson est représenté au Nationalmuseum de Stockholm, au Gothenburg Art Museum, au Malmö Art Museum, au Prince Eugens Waldemarsudde, à l'université de Lund, au musée de Picardie, au musée d'Orsay, au musée des Beaux-Arts de Nantes, au Bergen City Museum et à la Corcoran Gallery of Art de Washington.
Ludwig Knaus
Ludwig Knaus (5 octobre 1829 - 7 décembre 1910) était un peintre de genre allemand de la jeune école de Düsseldorf.
Il est né à Wiesbaden et a étudié de 1845 à 1852 avec Sohn et Schadow à Düsseldorf. Ses premières œuvres, comme Les joueurs de la galerie de Düsseldorf, sont dans la lignée de cette école, avec des couleurs sombres et lourdes. Il remédie à cette lacune en étudiant à Paris, où il se rend en 1852 et s'inscrit comme élève de Thomas Couture. En 1853, son Matin d'après la Kermesse reçoit la deuxième médaille d'or du Salon et fait de lui un peintre célèbre. À l'exception d'une année d'études en Italie, il reste à Paris jusqu'en 1860.
Ses principales œuvres de cette période sont Les Noces d'or, Le Baptême et La Promenade, achetée pour le Luxembourg. De 1861 à 1866, il exerce à Berlin, produisant des œuvres telles que Boys Playing Cards, Looking for a Bride (musée de Wiesbaden) et His Highness on His Travels. Les huit années suivantes ont vu la production de la plupart de ses meilleures œuvres, notamment La fête des enfants (Galerie de la Nation, Berlin), Dans la grande détresse et Le prince du village. De 1874 à 1883, il est professeur à l'Académie royale prussienne de Berlin, où il résidera jusqu'à sa mort.
Jeune fille dans un champ (1857)
Parmi les œuvres les plus importantes de sa dernière période figurent La Sainte Famille et Le Chemin de la Ruine : La Sainte Famille et Le Chemin de la ruine, tous deux peints en 1876 et aujourd'hui conservés au Metropolitan Museum of Art, New York ; Derrière le rideau (1880), Galerie de Dresde ; Le Bébé de chiffon (1880) et Une fête de village (1881), tous deux dans la collection Vanderbilt, Metropolitan Museum, New York ; et Un duel. Au cours de sa dernière période, Knaus a également peint une série d'« Idylles », avec des nus dans un style plutôt classique, dont un exemple important se trouve au musée de Wiesbaden.
Les exemples les plus célèbres de ses portraits, qui sont des portraits de genre, sont ceux du scientifique Helmholtz et de l'historien Mommsen, tous deux conservés à la Galerie nationale de Berlin. Parmi ses nombreuses distinctions, citons la grande médaille d'or de l'exposition de Berlin de 1861 et la grande médaille d'honneur de l'exposition de Paris de 1867. Un grand nombre de ses œuvres sont représentées au musée de Wiesbaden.
Il était membre des académies de Berlin, de Munich et de nombreuses autres académies ; officier de la Légion d'honneur et chevalier de l'ordre prussien pour le mérite. Son œuvre la plus célèbre est probablement Fille dans un champ (1857). Les gravures de ses œuvres étaient particulièrement populaires parmi la paysannerie allemande.
Alfred Augustus Glendening
Alfred Augustus Glendening (1840-1910) était un paysagiste victorien né à Londres. Il a commencé sa vie d'adulte en tant qu'employé des chemins de fer. Peu d'informations existent pour expliquer quand et où il a reçu son intérêt et sa formation artistiques, mais en 1864, il a exposé sa première œuvre à la Royal Society of British Artists (Société royale des artistes britanniques), Morning on Grasmere Lake (Matin sur le lac Grasmere).
À partir de ce moment-là, il expose fréquemment à la Société, ainsi qu'à la Royal Academy (RA), où il expose sa première œuvre, A Cornfield - Kent, en 1865. Parmi ses autres œuvres importantes, citons Summer Evening (RA - 1867), The Thames at Hampton (RA - 1873), Sunbury (RA - 1877), Belaugh on the Bure, Norfolk (RA - 1889) et In the Meadows, Youngsbury (RA - 1900). Le paysage anglais était sa spécialité, avec des vues de la Tamise et des scènes au Pays de Galles et en Écosse. Ces œuvres présentent souvent de petits personnages au bord de la rivière ou des cygnes sur l'eau. La lumière vient de l'extérieur du tableau, filtre à travers un magnifique ciel bleu et blanc et projette des ombres douces dans l'eau. Ses paysages sont remplis de subtiles nuances de couleurs et l'eau traverse souvent la toile et disparaît au détour d'un virage à l'arrière-plan.
Frederick Daniel Hard
Frederick Daniel Hardy (13 février 1827 - 1er avril 1911) était un peintre de genre anglais, membre de la colonie d'artistes de Cranbrook.
Il est né à Windsor dans le Berkshire, troisième des huit enfants de George Hardy (1795-1877) et de son épouse Sarah (1803-1872). George Hardy était corniste dans l'orchestre privé des maisons royales de George IV, de la reine Adélaïde et de la reine Victoria. Le père de Frederick était également un artiste amateur, qui a reçu l'enseignement de James Duffield Harding et d'Edmund Bristow. Les ancêtres de F.D. Hardy sont originaires de Horsforth dans le Yorkshire; Gathorne Gathorne-Hardy, premier comte de Cranbrook, est son petit-cousin.
Frederick s'inscrit à la Royal Academy of Music, Hanover Square, à l'âge de dix-sept ans. Il étudie pendant environ trois ans, mais abandonne finalement la musique pour devenir artiste comme son frère aîné George Hardy (1822-1909).
Hardy devient rapidement un habile peintre d'intérieurs de cottages, mais il ne cesse d'améliorer sa peinture de personnages tout au long des années 1850. Christopher Wood, auteur d'un ouvrage sur l'art victorien, a commenté l'une des premières peintures de Hardy, Cottage Fireside (1850): «Certaines de ses premières œuvres de ce type sont magnifiquement observées et sans sentimentalisme, sans les enfants habituels, les animaux domestiques et autres accessoires familiers des peintres d'idylles de cottage. La vieille cuisine... est décrite avec autant de froideur qu'une cuisine hollandaise du XVIIe siècle réalisée par Ostade ou Brekelenkamp».
En 1851, Hardy voit ses deux premiers tableaux acceptés pour une exposition à la Royal Academy Le 11 mars 1852, il épouse Rebecca Sophia Dorofield (1827-1906). Ils vivent à Snell's Wood, près d'Amersham dans le Buckinghamshire, à trois miles de la ferme des parents de Rebecca. Leur premier enfant y est né en mars 1853. En juillet 1853, ils déménagent au 2 Waterloo Place à Cranbrook, dans le Kent, maison qu'Hardy conservera toute sa vie.
Dans les années 1850, la peinture de Hardy est influencée par les œuvres d'artistes hollandais du XVIIe siècle, tels que Pieter de Hooch et Nicolaes Maes, et par les peintures de son ami Thomas Webster. Tout au long de la décennie, Hardy intègre progressivement quelques personnages dans ses tableaux d'intérieur. En 1859, il peint son premier tableau, The Foreign Guest (L'invité étranger), qui présente une narration impliquant un groupe plus important de personnes et qui est similaire à la plupart de ses meilleures œuvres des années 1860.
Au cours des années 1860, Hardy peint les tableaux pour lesquels il est le plus connu, en particulier des tableaux représentant des activités d'enfants, tels que Les volontaires (1860), Le chagrin précoce (1861), Le balai (1862), Les jeunes photographes (1862), Le docteur (1863), Le toit qui fuit (1865), L'artiste désemparé (1866) et L'anniversaire de bébé (1867) Hardy peint au moins dix versions du balai, l'un de ses tableaux les plus populaires.
Certaines de ses peintures des années 1870 sont plus critiques à l'égard de la société victorienne. Looking for Father (1873) représente une jeune fille pieds nus cherchant son père à travers le panneau vitré de la porte d'un débit de boissons. After the Party (1875) représente une servante épuisée qui s'est endormie, assise sur une chaise, après avoir servi lors d'une fête. Et La robe de mariée (1875) représente un groupe de couturières qui ont dû travailler toute la nuit pour terminer leur ouvrage.
Hardy a exposé quatre-vingt-treize tableaux à la Royal Academy de 1851 à 1898. Les prix de vente de ses tableaux sont à leur apogée dans les années 1870; en 1877, A Quartette Party (1872) et A Wedding Breakfast (1871) sont vendus chacun pour 798 livres sterling chez Christie's. À partir du milieu des années 1870, les Hardy possèdent une maison à Londres, au 17 Brunswick Gardens à Kensington, ainsi que leur maison à Cranbrook. Les œuvres de F.D. Hardy se trouvent dans de nombreuses collections publiques, notamment à la Wolverhampton Art Gallery, qui possède dix-neuf de ses tableaux.
Environ quatre ans après l'installation de Hardy à Cranbrook, son ami Thomas Webster, parent de la mère de Hardy, vient s'y installer. Pour leurs ateliers, Hardy et Webster louent une maison du XVIe siècle dans la High Street ; l'atelier de Hardy se trouve dans la pièce du rez-de-chaussée et celui de Webster dans la pièce du haut. Plusieurs autres artistes, amis de Webster et Hardy, ainsi que George, le frère aîné de Frederick, s'installent à Cranbrook ou viennent fréquemment de Londres ; ils sont connus sous le nom de «Cranbrook Colony».
Les artistes de Cranbrook et leurs familles se retrouvent souvent pour des dîners, des thés et des fêtes. Hardy participe à de nombreuses activités à Cranbrook : il est officier dans le 37th Kent Rifle Volunteer Corps, gardien d'église, membre du comité de la Literary Association, membre du Cricket Club et participe à des soirées musicales dans la ville.
Frederick et Rebecca Hardy ont eu quatre fils et une fille. Leur fils aîné, Frederick (1853-1937), fréquente les écoles de la Royal Academy et devient artiste, sous le nom de « Dorofield Hardy ». Leur quatrième fils, Edwin George (1859-1896), devient architecte après avoir étudié à la Royal Academy Schools, où il remporte une médaille d'or pour le design en architecture et une bourse de voyage pour des études en Italie. Le père de Frederick, George Hardy, vient vivre avec lui en 1873. George Hardy meurt à Cranbrook en 1877.
Johann Baptist Reiter
Johann Baptist Reiter (28 mai 1813, Linz - 10 janvier 1890, Vienne) était un peintre autrichien de portrait et de genre de la période Biedermeier.
Son père était maître charpentier. Il passe trois ans en tant qu'apprenti dans l'entreprise de son père, où il peint des meubles, des enseignes et des croix. Encouragé par le lithographe et marchand d'art Josef Hafner, il s'inscrit à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Il y suit notamment les cours de Leopold Kupelwieser et de Thomas Ender. Après 1830, il gagne essentiellement sa vie en tant que peintre sur porcelaine.
Probablement grâce à une recommandation de Kupelweiser, il obtient une bourse du Landstand de Haute-Autriche qui lui permet de poursuivre ses études de 1834 à 1837. Pendant cette période, il expose également et remporte le Lampi-Preis pour le dessin de modèle en 1836. Il se marie en 1839. À l'origine, il dessine des scènes de genre et des scènes historiques, mais il décide de passer au portrait et devient rapidement si populaire qu'il peut acheter une grande maison à Vienne avec une voiture à quatre chevaux et un Maure comme serviteur.
Pendant la révolution de 1848, il se rangea du côté des révolutionnaires. En 1850, sa femme le quitte, probablement à cause des problèmes que cela lui cause. À partir de cette date et jusqu'en 1870, il participe régulièrement aux expositions de nombreuses sociétés artistiques autrichiennes.
On ne sait pas s'il a divorcé ou si sa première femme est décédée, mais il s'est remarié en 1866. L'extravagance de sa nouvelle épouse le contraint finalement à accepter plus de commandes qu'il ne peut en traiter et à se tourner vers la réalisation de copies des maîtres anciens. Elle meurt en 1889, et lui l'année suivante. Il est enterré au Zentralfriedhof.
En 2013, une grande rétrospective a été organisée conjointement par le Schlossmuseum Linz et le Nordico Stadtmuseum. Elle comprenait plus de 170 œuvres provenant des musées de Vienne et de Budapest et de collections privées.
Carlton Alfred Smith
Carlton Alfred Smith est né à Camden Town, Londres, le 27 août 1853, fils d'un graveur sur acier. Il fait ses études en France, puis à la Slade School of Fine Art, où il obtient des médailles d'or et d'argent. Il travaille d'abord comme lithographe avant de se tourner vers la peinture. Il expose principalement à la Royal Society of British Artists (dont il est élu membre en 1879), au Royal Institute of Painters in Water Colours (RI 1889) et au Royal Institute of Oil Painters (ROI 1890), ainsi qu'à la Royal Academy of Arts.
En 1891, Smith est marié à Martha (née King), peintre de la côte, et ils vivent au 72 Park Road, Hampstead, avec leurs deux jeunes filles. Dix ans plus tard, en 1901, ils déménagent dans le Surrey et vivent à Vine Cottage, Witley Crossways, Witley. En 1911, ils déménagent à nouveau et vivent au 31 Fairfax Road, Chiswick, leurs filles ayant grandi et quitté la maison.
Smith a passé les années 1916 à 1923 en Inde, période pendant laquelle il a réalisé à la fois des portraits et des scènes fascinantes de la vie de la rue.
Carlton Alfred Smith est décédé à Londres le 3 décembre 1946.
Joseph Clark
Joseph Clark (4 juillet 1834 - 4 juillet 1926) était un peintre à l'huile anglais, bien connu à l'époque victorienne pour ses scènes domestiques, notamment d'enfants.
Né en 1834 à Cerne Abbas, dans le Dorset, Clark est, dès l'âge de onze ans, pensionnaire de l'école de William Barnes à Dorchester et, selon une étude de l'école, «a exploité la formation de Barnes peut-être avec plus de succès que n'importe quel autre élève».
En 1851, le père de Clark est décédé et il vit au 13, Long Street, Cerne Abbas, avec sa mère, veuve et drapière à la retraite, et ses deux sœurs aînées célibataires, Mary et Emma. Il suit ensuite une formation à l'école d'art de J. M. Leigh et devient très tôt un artiste à succès, exposant à la Royal Academy entre 1857 et 1904. Victorian Painters le résume comme un «peintre de genre domestique de nature tendre et touchante, généralement des enfants et quelques sujets bibliques» Il est élu membre de l'Institut des peintres à l'huile[1], dont le nombre de membres est limité à cent. [Certains de ses tableaux sont nommés dans le dialecte du Dorset, dans lequel son maître d'école William Barnes écrivait des poèmes: « Jeanes Wedden Day in Mornen », qui est aussi le titre d'un poème de Barnes, en est un exemple.
En 1868, à Winchester, Clark épouse Annie Jones, une fille de John Jones, de Winchester, avec qui il aura un fils et trois filles. Il est également l'oncle d'un autre artiste, Joseph Benwell Clark.
Clark meurt au 95 Hereson Road, Ramsgate, Kent, le 4 juillet 1926, le jour de son 92e anniversaire.
Henry George Todd
Henry George Todd est né le 20 janvier 1847 au 27 St John's Street, Bury St Edmund's. Il est le fils de George Todd, artiste décorateur, et de son épouse Sophia née Spencer (9 Mary 1818-janvier 1893), qui se sont mariés le 8 avril 1845 à l'église St Mary, Bury St Edmund's.
Henry a fréquenté l'école de Bury St Edmund's, son père était artiste et grainetier, et le jeune George a été son apprenti et a été formé à la décoration et à l'écriture d'enseignes. À l'âge de 18 ans, Henry s'inscrit dans une école d'art et ses progrès l'amènent à étudier à l'école de South Kensington, aujourd'hui le Royal College of Art. Après avoir travaillé dans l'entreprise de décoration et de dorure de son père à Bury St Edmund's, Henry et son père George exposent leurs œuvres dans la boutique Todd's St Andrew's Street North. Vers l'âge de 27 ans, Henry arrive à Ipswich et entre au service d'Alfred Stearn & Son, l'entreprise de décoration la plus importante de la ville à l'époque. Il travaille dans le domaine du design, de la décoration et de la dorure, et reçoit des commandes de commerçants locaux pour leurs devantures, que beaucoup considèrent comme des œuvres d'art. Bien qu'Henry travaille à plein temps, il trouve toujours le temps de peindre ses natures mortes et ses paysages du Suffolk. En 1871, il est artiste et loge chez Mary Schulen, fabricant de poteries, au 1 Rope Walk, à Ipswich. L'année suivante, il épouse Ellen Lucy Quinton (1851-1923), âgée de 21 ans et originaire d'Ipswich. En 1881, il est «artiste des fruits et des paysages» et vit au 14 Waterloo Road, à Ipswich, avec sa femme Ellen, âgée de 29 ans, et leurs enfants, Ada Ellen, née en 1874, George William, en 1875, Eva Spencer, en 1876, et Arthur John, en 1880. Leur fille Kate Sophia, âgée de 16 mois, est décédée au 16 Woodhouse Street en novembre 1882.
Artiste particulièrement célèbre pour ses natures mortes et sa capacité à peindre des raisins, il est membre du Ipswich Fine Art Club 1885-1897 et expose depuis le 14 Waterloo Road, Ipswich, en 1883, trois œuvres : «Stone Lodge Lane», «To Beach Farm» et «Stone Lodge Lane from the Fields»; il expose fréquemment, ses huiles « Still Life, Edmund's Fine Art Society en 1880 trois natures mortes de fruits et en 1882 «Gainsborough's Lane» et en 1889 à l'exposition d'art de Woodbridge à l'Assembly Room, Bull Hotel, Woodbridge il a exposé plusieurs huiles. Il a également exposé une peinture à la Royal Academy, ainsi qu'à la Suffolk Street Gallery de la Royal Society of British Artists, et à la Dudley Gallery 1885-1898 du 46 Croft Street, Ipswich. Henry George Todd meurt à Croft Street, Ipswich, le 30 juin 1898, à l'âge de 51 ans. Il est enterré au cimetière d'Ipswich cinq jours plus tard. Il a signé ses œuvres «H. G. Todd».
Évariste Carpentier
Évariste Carpentier, né en 1845 à Kuurne et mort en 1922 à Liège, est un peintre belge de scènes historiques, scènes de genre et paysages animés. Au fil des années, sa peinture évolue de l'art académique, à ses débuts, vers l'impressionnisme. Il est, avec Émile Claus, l'un des premiers représentants du luminisme en Belgique.
Issu d’une famille de modestes cultivateurs de Kuurne, Évariste Carpentier suit, dès 1861, des cours à l’Académie des beaux-arts de Courtrai sous la direction d'Henri De Pratere. Il y obtient plusieurs distinctions.
En 1864, il est admis à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers et y suit l'enseignement de Nicaise de Keyser (1864-1868). Élève brillant du cours de peinture « d'après nature », il se voit attribuer le prix d’excellence en 1865, ce qui lui permet, l’année suivante, de bénéficier d’un atelier privé au sein même de l’Académie.
En 1872, Carpentier se fixe dans la métropole anversoise en y installant son propre atelier. Il y peint beaucoup d'œuvres de commande qui ne témoignent pas encore de sa personnalité d'artiste. Il commence ainsi sa carrière en abordant des sujets religieux, des thèmes liés à l'Antiquité et des scènes s’inspirant des maîtres flamands du XVIIe siècle, mais c'est véritablement dans le domaine de la peinture d’histoire qu’il se fait surtout apprécier. Le tableau Les premières nouvelles du désastre de la Grande Russie exposé au Cercle artistique d'Anvers en 1872, obtiendra d'ailleurs un grand succès.
Répondant toujours au goût académique de l'époque, il aime peindre les animaux de la ferme et plus généralement les charmes de la vie champêtre.
C'est au cours de cette période qu'Évariste Carpentier se lie d'amitié avec ses jeunes condisciples de l'académie parmi lesquels on trouve notamment Émile Claus, Théodore Verstraete, Frans Hens et Jan Van Beers ; les amis se rencontrent souvent aux expositions organisées par le Cercle artistique d'Anvers. À ce sujet, Émile Claus occupera, de 1874 à 1877, un coin de l'atelier d’Évariste Carpentier.
En 1876, une ancienne blessure au genou, occasionnée dans sa prime jeunesse, entraîne de graves complications le menaçant même d'amputation. Les douleurs l'empêchent de travailler. Il quitte alors Anvers pour rejoindre son village natal où sa sœur lui prodigue, pendant trois ans, soins et traitements.
Sur les conseils de son médecin, Carpentier quitte Kuurne, en 1879, pour le Midi de la France dans le but d'accélérer sa convalescence. L'année suivante, sur le chemin du retour, il s'arrête à Paris où il retrouve son ami Jan Van Beers. Celui-ci le persuade de s'installer dans la capitale française et de partager son atelier avec lui. Carpentier se met alors à peindre avec réalisme le milieu feutré de la bourgeoisie parisienne.
En 1881, il peut enfin se débarrasser définitivement de ses béquilles et s'établit au 71 du boulevard de Clichy. Il poursuit sa passion pour la peinture d’histoire. Les scènes de l'époque de la Révolution française et les épisodes de l'Insurrection vendéenne sont ses principales sources d'inspiration. L'artiste, ayant toujours eu une prédilection pour les épisodes dramatiques, y affine son art de la composition en cherchant à rendre davantage le caractère pathétique de faits historiques mineurs, comme ceux que l’on peut voir dans Chouans en déroute (1883) ou dans Madame Roland à la prison Sainte-Pélagie (1886). Ses toiles lui valent un franc succès auprès du public et les commandes s'enchaînent.
Cette réussite constitue cependant un frein à sa découverte de la peinture de «plein air». À cet égard, l'année 1884 marque un tournant décisif dans sa carrière. Carpentier se dégage des conventions de l'académisme et trouve enfin sa véritable voie. En effet, c'est en découvrant l'œuvre de Jules Bastien-Lepage qu'il s'initie au pleinairisme et se tourne vers la nature par le biais du mouvement réaliste. Il séjourne alors durant deux saisons principalement à Saint-Pierre-lès-Nemours près de la forêt de Fontainebleau mais aussi au Tréport et à Saint-Malo.
À son retour en Belgique en 1886 (il abandonnera définitivement son atelier parisien en 1892), Carpentier assiste à la promotion de l'impressionnisme lors de manifestations bruxelloises du Groupe des XX. Durant son long séjour en France, il rencontre déjà les impressionnistes mais est davantage marqué par le naturalisme de Jules Bastien-Lepage et de Jules Breton. Toujours est-il que, depuis ses débuts de peintre de plein air, sa palette s'éclaircit nettement et sa touche, dans une pâte parfois épaisse, devient progressivement plus souple.
Installé en Belgique, Carpentier continue cependant à voyager. De 1886 à 1896, il sillonne les campagnes, belges mais aussi françaises, à la recherche de nouveaux paysages. Il se rend fréquemment en Campine limbourgeoise à Genk avec ses amis, les paysagistes Franz Courtens et Joseph Coosemans, dans le Midi, mais aussi en Bretagne, région qu'il affectionne tout particulièrement.
En 1888, Carpentier épouse Jeanne Smaelen ; le mariage est célébré à Verviers. De cette union naîtront cinq enfants.
En 1890, le jeune couple s'installe dans le Brabant belge, à Overijse, où Carpentier peint La Laveuse de navets, une œuvre clé qui valut à l'artiste une deuxième médaille à Paris et qui fut acquise par le musée d'Art moderne de Liège.
En 1892, Carpentier déménage à nouveau pour s'établir à La Hulpe dans le Brabant wallon. C'est précisément à cette période que l'artiste s'épanouit et qu'il recherche maintenant la vérité de la nature selon des voies impressionnistes parallèles à celles de son ami Émile Claus. Il se tourne vers des tonalités délicates et une touche atmosphérique. Cette fois-ci, Carpentier prend résolument la voie de la modernité en devenant l'un des plus actifs propagateurs du luminisme.
Georges Simenon dira de lui:
Carpentier fut un impressionniste en ce sens que ses toiles font un trou dans le mur où on les append, fenêtres ouvertes sur la saine vie ensoleillée. Cependant, il serait vain de vouloir lui assigner sa place dans une quelconque classification, il a touché à tous les genres. Il est de ceux qui échappent aux étiquettes parce que leur inspiration est diverse comme la vie elle-même.
En janvier 1897, Carpentier présente sa candidature au poste de professeur de peinture à l’Académie royale des beaux-arts de Liège, devenu vacant à la suite de la mort d’Émile Delperée. La candidature de Carpentier est sérieuse. Son handicap : c’est de ne pas être Liégeois. Ceci va susciter de nombreuses polémiques. Néanmoins, fin juin 1897, après de vaines réactions wallonnes, Carpentier, alors âgé de 51 ans, est finalement nommé professeur de peinture à ladite académie et s'établit à Liège, rue Mont Saint-Martin.
Succédant à Prosper Drion, il assure les fonctions de directeur de l’académie de 1904 à 1910 tout en poursuivant l’enseignement8. En dépit des querelles causées par sa promotion et qui l'ont profondément blessé, Carpentier remplit sa tâche avec le même dévouement. À partir de 1905, il va vivre rue Hors-Château, toujours à Liège.
En venant s'installer comme professeur dans la Cité ardente, Carpentier détermine un tournant décisif dans l'évolution de la peinture liégeoise. Il libère la peinture de la grisaille et des conventions de l’art académique en installant l’esthétique impressionniste.
En vingt-et-un ans d’enseignement, nombreux ont été les disciples qui côtoyèrent le maître. Tous ne suivirent pas la manière de Carpentier. Parmi les plus connus et ceux qui ont subi significativement l’influence de leur maître, on trouve notamment Armand Jamar, Ludovic Janssen, Albert Lemaître et José Wolff. D’autres artistes liégeois sont passés par sa classe comme Fernand Steven, Robert Crommelynck, Adrien Dupagne, Marcel Caron, Jean Donnay ou bien encore Auguste Mambour. Par ailleurs, il prodigue des conseils à des peintres qui ne fréquentèrent pas sa classe tels que Xavier Wurth. Le peintre de l’Ardenne, Richard Heintz, bénéficiera également de ses encouragements.
À partir de 1906, Carpentier passe ses vacances d’été à Vieuxville dans la maison dite de « l'Abbé de Stavelot ».
Évariste Carpentier prend sa retraite en octobre 1919. Il meurt à Liège le 12 septembre 1922, à la suite d'une longue maladie.
Carpentier aura connu de son vivant un large succès. Au cours de sa carrière, il récolte de multiples récompenses et prix dans les expositions internationales d’Europe et des États-Unis (Chicago, Philadelphie…) dont les médailles d’or à Anvers, Munich, Berlin avec Soleil d’été (1896), Paris, Amsterdam, Barcelone, Nice. Oubliée peu après sa mort, son œuvre fut redécouverte tardivement vers la fin du XXe siècle. C’est maintenant que l’on se rend compte pleinement de l’importance de cet artiste non seulement en tant que professeur à l’Académie de Liège, où il donne le départ d’une nouvelle manière de peindre dans la Cité ardente, mais aussi pour l’ensemble de son œuvre qui constitue un chaînon essentiel dans l’épanouissement de la peinture belge moderne.
Léon Tanzi
Léon Tanzi né à Paris le 24 mai 1846 et mort à Blida (Algérie) en 1913 est un peintre et illustrateur français.
Élève à l'Académie Julian à Paris de William Bouguereau (1825-1905), Jules Lefebvre (1834-1912) et Benjamin-Constant (1845-1902), Léon Tanzi travaille dans le Tarn et débute au Salon en 1877 avec des scènes de genre de style orientaliste, des paysages et portraits. Ses sujets féminins relèvent du symbolisme.
Adrien Max le décrit comme étant un peintre sec et moustachu comme Don Quichotte, gymnasiarque hors-ligne et vélocipédiste primé, il était l'ami de Jules Léotard (1838-1870), l'inventeur du trapèze volant, du peintre Jules Garipuy (1817-1893) et de Marius Cazeneuve (1839-1913), illustre magicien qui en 1886 parvint à subjuguer la reine Ranavalo III.
L'écrivain Maurice Bouchor (1855-1929), frère d'un de ses élèves, lui rend hommage vers 1880 dans ces vers de mirliton:
Tête Brute délicieuse, ô vrai peintre Tanzouille
Toi dont le seul bonheur est de brosser sans fin,
De durcir les biceps, de manger à la faim,
Et de suivre, le soir, quelque svelte grenouille.
Il décora de panneaux muraux l’abbaye de Thélème, cabaret au 1, place Pigalle à Paris avec son ami Henri Pille (1844-1897) en représentant Gargantua ripaillant, ou encore à cheval sur les tours de Notre-Dame. Il fit également le portrait d'Alexis Bouvier, le maître des lieux, tableau exposé dans le premier vestibule. Le mobilier était de style gothique, les peintures dont rien ne subsiste représentaient des scènes érotiques et des ripailles moyenâgeuse.
Il demeure à Paris rue Monsieur le Prince, puis au 18, passage de l'Élysée des Beaux-Arts, enfin au 2, rue Tourlaque.
Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1901.
