Carl Zewy
Carl Zewy était un peintre autrichien né le 21 avril 1855 à Vienne et décédé le 20 juin 1929 dans la même ville.
Zewy a étudié à l'Académie des beaux-arts de Vienne sous la direction d'August Eisenmenger et à l'Académie royale des arts de Munich, mais n'y a pas été inscrit. Après ses études, Zewy retourne à Vienne et se concentre sur la peinture de genre. Il illustre également des livres. Il est ami avec les peintres Isidor Kaufmann, Josef Gisela et Johann Hamza. Le cercle d'amis de Zewy comprend également l'illustrateur et caricaturiste Karl Elleder et le réalisateur Fritz Lang. Zewy a reçu de nombreuses commandes du marchand d'art viennois Friedrich Schwarz. Zewy participe régulièrement aux expositions du Künstlerhaus de Vienne. Nombre de ses peintures sont publiées dans le «Gartenlaube» et sur des cartes postales. Le 24 avril 1925, Zewy reçoit le titre de «citoyen de la ville de Vienne».
La religion est pour ceux qui ont peur d'aller en enfer. La spiritualité est pour ceux qui y sont déjà allés.
Impossible que ce proverbe soit sioux puisque la religion a été inventée par les chrétiens (je ne parle pas de tradition spirituelle). Elle a été reprise par l'islam et le judaïsme.
Cette phrase est du père Patrick Collins (1994), de l'université de Notre-Dame, aux États-Unis.
https://en.wikiquote.org/wiki/Vine_Deloria_Jr.
|La religion est pour ceux qui ont peur d'aller en enfer. La spiritualité est pour ceux qui y sont déjà allés.|
La discorde est le plus grand mal du genre humain, et la tolérance en est le seul remède.
Citation extraite du "Dictionnaire philosophique" de Voltaire (1764) à l'entrée "Tolérance".
Extrait du "Dictionnaire philosophique" de Voltaire (1764) à l'entrée "Tolérance":
Cette horrible discorde, qui dure depuis tant de siècles, est une leçon bien frappante que nous devons mutuellement nous pardonner nos erreurs; la discorde est le grand mal du genre humain, et la tolérance en est le seul remède.
Il n'y a personne qui ne convienne de cette vérité, soit qu'il médite de sang-froid dans son cabinet, soit qu'il examine paisiblement la vérité avec ses amis. Pourquoi donc les mêmes hommes qui admettent en particulier l'indulgence, la bienfaisance, la justice, s'élèvent-ils en public avec tant de fureur contre ces vertus? Pourquoi? c'est que leur intérêt est leur dieu, c'est qu'ils sacrifient tout à ce monstre qu'ils adorent.
https://www.lechasseurabstrait.com/revue/IMG/pdf/Voltaire_-_Dictionnaire_philosophique.pdf
|La discorde est le plus grand mal du genre humain, et la tolérance en est le seul remède.|
Apprends la sagesse dans la sottise des autres.
"Proverbe" inconnu au Japon. Il semble être apparu en 2009 et repris dans un ouvrage de 2011.
https://www.intoxitation.com/citations-proverbes-3032.html
Une parole similaire, mais plus riche et logique, a été attribuée à Caton l'Ancien par Plutarque dans «Aristide. Caton l'Ancien. Philopœmen. Flamininus». Marcus Porcius Cato, dit Caton l'Ancien (Cato Maior) ou Caton le Censeur (Cato Censorius), était un homme politique et un écrivain romain né en 234 av. J.-C. dans le municipe de Tusculum et mort en 149 av. J.-C. à Rome.
Extrait de «Aristide. Caton l'Ancien. Philopœmen. Flamininus» de Plutarque:
Il disait «que les fous servent plus à l'instruction des sages, que les sages à l'instruction des fous; car les sages fuient l'exemple des fous, et les fous ne suivent pas l'exemple des sages».
|Apprends la sagesse dans la sottise des autres.|
Waldemar Kolmsperger l'Ancien
Waldemar Kolmsperger (né le 5 septembre 1852 à Berchtesgaden et mort le 19 avril 1943 à Munich), généralement appelé «l'Ancien» pour le distinguer de son fils du même nom, est un peintre allemand de style néo-baroque.
Waldemar Kolmsperger était le fils de Theodor Karl Kolmsperger, enseignant à l'école publique et organiste de la ville, et de son épouse Wilgefort, née von der Thann. Il a grandi en Haute-Bavière, a fait un apprentissage à Teisendorf, Berchtesgaden, Feldkirchen et Wurmannsquick, puis a été compagnon peintre décorateur et peintre sur tonneau. Il ne put commencer des études académiques de peinture qu'après avoir effectué son service militaire, entre 1874 et 1877. Carl von Piloty permit alors au jeune soldat, qui était de service dans le bureau topographique de l'état-major général, d'utiliser la salle des antiquités pendant son temps libre, et Kolmsperger poursuivit plus tard ses études à l'académie des arts de Munich jusqu'en 1889. Ses professeurs à l'académie furent Julius Benczur, Andreas Müller, Georg Löfftz, Wilhelm von Diez et Georg Hiltensperger.
En 1877, il épousa Maria Bernstetter (1854-1927), avec laquelle il eut sept enfants.
Pendant ses études, il fut appelé à participer à la peinture de la salle de l'hôtel de ville de Landshut ; de même, il participa, d'abord comme assistant, puis de manière indépendante, à la peinture du château de Hohenschwangau. Au château de Neuschwanstein, il a décoré le couloir menant à la salle des chanteurs avec les allégories du salut, de la constance, de la fidélité et de la tempérance ; il a également réalisé la représentation de saint Georges dans la salle du trône (1884). L'école Stieler à Munich porte une peinture de Kolmsperger sur sa façade.
En outre, Kolmsperger s'est occupé de la restauration et de la peinture d'églises du 18ème siècle. En 1887, il a peint le plafond de la chapelle de la Vierge Marie à Lauda, représentant l'Assomption de la Vierge. Il a également peint un mur du cimetière de Lauda avec un saint Michel. En 1890, il décore l'église paroissiale de Sonthofen d'un tableau d'autel et d'autres peintures.
En 1895, il peint la coupole du Jugement dernier dans l'église paroissiale Saint-Nicolas de Murnau, qui couvre plus de 500 mètres carrés et vaut à l'artiste le titre de professeur royal. Il est également chargé de peindre le couloir est du palais de justice de Munich et la maison de cure de Reichenhall. Alors que dans ces œuvres, il réalisa des compositions mouvementées dans le style baroque, il peignit la mort de Saint-Nicolas dans l'église Saint-Nicolas de Landshut dans le style gothique, tout comme les mystères du rosaire douloureux dans l'église de Mahlberg à Baden.
Il a conçu un cycle d'images du rosaire en collaboration avec H. O. Walker pour une église de Philadelphie. En outre, il a créé en 1883 les modèles des vitraux royaux de l'église paroissiale de Munich-Giesing avec des scènes de la vie de Jésus et, probablement quelques années plus tard, les projets des vitraux de la cathédrale de St. Benno à Munich acheta en 1897 une tête de Christ de Kolmsperger, réalisée en technique de mosaïque.
Pour l'église paroissiale de Landsberg am Lech, Kolmsperger peint en 1902 et 1903 un vaste médaillon représentant l'Assomption de la Vierge ainsi que des représentations des docteurs de l'Eglise Jérôme et Augustin. En 1904, il réalisa les peintures de plafond pour le monastère et l'église de Roggenburg. Trois de ses esquisses à l'huile sur la prophétie de Siméon, l'Annonciation et la Nativité se trouvent dans le musée du monastère.
En 1906, la nouvelle église paroissiale de St. Andreas à Nesselwang fut inaugurée et il la décora également de grandes peintures avec l'aide de son fils. En outre, il restaura à cette époque les fresques de Johann Baptist Enderle dans l'église paroissiale de St. Ulrich à Seeg et les peintures d'Enderle à St. Ignaz à Mayence. Il restaura les fresques de l'église des Jésuites à Mannheim, à nouveau avec l'assistance de son fils. En 1907, il réalisa les peintures de plafond pour l'église de l'hôpital du Saint-Esprit à Munich ainsi que des retables pour l'église paroissiale de Großaiting. En 1909, il réalisa une peinture de Saint Sébastien à Gebsattel, et entre 1910 et 1911, il peignit l'ancienne église abbatiale de Saint Nabor à Saint Avold en Lorraine. En 1911, Kolmsperger réalisa un retable de maître-autel à Au bei Berchtesgaden. En 1920, il réalisa plusieurs tableaux pour l'église Saint-Wolfgang à Munich et, en 1921, le tableau du maître-autel de la Kollegienkirche à Ehingen an der Donau. Pour la vieille pharmacie du Deutsches Museum, il réalisa la peinture de plafond (secco) «L'art de guérir: Esculape et Hygieia avec une licorne». Dans les années qui suivirent, il conçut une peinture en mosaïque pour l'église de l'hôpital ducal à Munich ainsi que des peintures pour l'église paroissiale d'Übersee et les peintures du plafond de l'église paroissiale de Kiefersfelden (1926); il réalisa d'autres œuvres pour des bâtiments à Obernzell près de Passau, Münster près de Donauwörth, Au près de Bregenz et la cathédrale de Notre-Dame de Lindau. À Kassel, la salle de l'hôtel de ville a été décorée d'une œuvre de Kolmsperger. Au Bayerisches Nationalmuseum de Munich, il a réalisé la peinture du plafond de la petite coupole de la salle 32, sur le thème du Saint-Esprit.
Kolmsperger fut membre de la Münchner Künstlergenossenschaft de 1890 à 1908 et devint membre honoraire de l'Académie des beaux-arts de Munich en 1903. En 1893, il fut l'un des membres fondateurs de la Société allemande d'art chrétien. Il a été actif en tant que peintre jusqu'en 1931, la plupart du temps avec des commandes publiques, puis, pour des raisons d'âge, uniquement en tant que consultant. Il a été enterré au Waldfriedhof de Munich.
Son fils Waldemar, qui a d'abord été formé par lui, s'est lui aussi plu à réaliser des peintures de plafond monumentales, souvent en collaboration avec son père. Waldemar Kolmsperger l'aîné et le cadet ont entre autres décoré plusieurs paquebots de la ligne Hambourg-Amérique avec des peintures de plafond. Parmi eux, les navires Vaterland alias Leviathan, Bismarck et New York. Le gendre de Waldemar Kolmsperger, Franz Xaver Dietrich, a également travaillé avec lui à certaines périodes.
Selon Ulrike Steiner, Kolmsperger dirigeait un atelier «comme un peintre de l'époque baroque».
Plus de cent ans après sa création, un modèle en carton de la coupole de l'église de Murnau a été redécouvert en 2009 dans le grenier de l'église, modèle que Kolmsperger avait créé avant de peindre cet édifice. Le modèle a un diamètre d'à peine deux mètres, la coupole originale, l'une des plus grandes de Bavière à l'époque de sa construction, est plus de neuf fois plus grande. En 2014/15, la maquette a été exposée au musée du château de Murnau.
Luigi Chialiva
Luigi Chialiva était un peintre suisse né à Caslano, le 16 Juillet 1841, et décédé à Paris le 7 Avril 1914.
Né en Suisse à Lugano, dans la partie Italophone, Luigi Chialiva est le fils d’Abbondio Chialiva et de Maria Medina. Sa famille, assez fortunée, était très engagée dans la vie politique et fut obligée de s'exiler au Mexique avant de rentrer en Italie. De 1842 à 1865, il habite la villa Tanzina à Lugano, où il aperçoit des hommes politiques influents, tels Mazzini ou Cattaneo.
Très jeune porté vers l'architecture, il devient l’élève de Gottried Semper (1803-1879), réfugié politique en Suisse. Il fréquente entre 1859 et 1861 l’Institut Polytechnique de Zurich et l’Atelier du peintre paysagiste Antonio Fontanesi (1818-1882) de 1861 à 1863, à Milan. Au cours de ce séjour, il rencontre Richard Wagner (1813-1883) qui l'impressionne fortement et dont il devient l’admirateur. Ce goût pour l'architecture l'amena, quelques années plus tard, à s'associer au projet de maison de Sézille, maison qui existe encore rue du Maréchal-Leclerc à Écouen, pour en assurer la décoration.
Bien qu'architecte en 1861, il abandonne ce métier en 1864 et se passionne désormais pour la peinture. Il suit alors les cours de Carlo Mancini (1829-1910) en 1863 et 1864 (on ne trouve pourtant pas trace de son inscription, sans doute à cause de l’aspect privé de cet enseignement) et ceux de l'Académie de Brera en 1864 où il expose d'ailleurs cette année là. Il participe à des expositions à Milan et à Turin. Il y présente se première toile le Marché aux herbes, sur la place Castello de Milan, puis une quinzaine d'autres entre 1865 et 1870. Après avoir commencé comme paysagiste, il s'oriente vers la peinture animalière.
En 1867, il s'inscrit à l'Académie royale milanaise pour étudier le nu, enseignement qui lui sera très utile. C'est également en 1867 qu'il découvre la France, en allant visite l'Exposition universelle de Paris avec Ferdinand Heilbuth (1826-1889), un peintre déjà renommé, rencontré à Rome en 1865. Il sera l'un de ses maîtres à partir de 1874 et aussi l'un de ses exécuteurs testamentaires.
Très doué pour la peinture, il obtient dès 1868 le premier prix de la fondation Mylius, où il expose une toile représentant sa basse-cour. La mort de son père, à la fin de l’année 1870, accélère son désir de partir pour la France. On sait qu’il a visité l'exposition de Turin avec son ami Ferdinand Heilbuth. Son arrivée à Paris se situe autour de l'année 1872. Il devient l'ami d'Edgar Degas (1834-1917), d'origine italienne par son grand-père, avec qui il s'est lié d'amitié à Rome. Il en subit l'influence picturale et, preuve de son savoir-faire, il lui restaure deux toiles endommagées accidentellement (Intérieur et Le viol). Il fait partie de ses amis, fréquente un cercle d'artistes italiens nommé Circula della polenta, qui comprend, entre autres, Guiseppe De Nittis (1846-1884), auquel se joint parfois Émile Zola (1840-1902) et les frères Goncourt. Il côtoie également Guiseppe Verdi (1813-1901).
Arthur Trevor Haddon
Arthur Trevor Haddon (22 août 1864 - 13 décembre 1941), également connu sous le nom de Trevor Haddon, était un peintre et illustrateur britannique.
Haddon était un peintre et aquarelliste de paysages italiens et espagnols et de paysages ruraux. Il a étudié à la Slade School à partir de 1883 avec le professeur Alphonse Legros et à Madrid en 1886-87. À son retour en Angleterre, il a travaillé avec Sir Hubert Herkomer de 1888 à 1990. Haddon vit et travaille à Rome en 1896-7.
Il expose dans les principales galeries londoniennes à partir de 1883, notamment 12 œuvres à Suffolk street, 1883-90, dont «A Country Hack», «The Cabbage Garden» et «Berkshire Meadows». Il a également exposé à la Royal Academy, notamment des vues d'Espagne et des portraits. Il a été élu RBA en 1896 et a présenté plusieurs expositions personnelles à Londres au début des années 1900, notamment aux Leicester Galleries (1902), à la Chenil Gallery (1906) et aux Chenil Galleries (1908).
Il a beaucoup voyagé en Amérique du Nord et du Sud, notamment au Venezuela, entre 1921 et 1930. Auteur de The Old Venetian Palaces, Southern Spain et d'autres ouvrages. A vécu principalement à Londres et, plus récemment, à Cambridge, où il est décédé le 13 décembre 1941, à l'âge de 77 ans.
Haddon est surtout connu pour ses scènes orientales et espagnoles, de cour et de marché avec des personnages et de Venise.
Jules Trayer
Jean-Baptiste Jules Trayer, né le 20 août 1824 à Paris, et mort dans la même ville le 1er janvier 1909, était un peintre français.
Jean-Baptiste Jules Trayer est le fils du peintre paysagiste Joseph Jean Trayer. Sa mère était Geneviève Françoise Barrois. Il s'est marié le 30 août 1851 à Paris avec Zulime Neuhaus dit Maisonneuve (1832-1861).
Il est né à Paris et a étudié avec son père avant d'entrer à l'École des beaux-arts de Metz et à l'Académie suisse de Paris. Il expose pour la première fois au Salon de Paris en 1847. Dans les années 1850, il expose des compositions inspirées par l'histoire et la littérature, puis se tourne vers les sujets de genre, qui deviennent sa spécialité. Il travaille à la fois à l'huile et à l'aquarelle, et traite souvent des thèmes paysans dans ses œuvres.
Des années 1860 aux années 1880, Trayer a peint de nombreux intérieurs et scènes rurales - invariablement axés sur les activités des femmes - à Quimperlé et à Pont-Aven, à une époque où les peintres naturalistes affluaient en Bretagne pour dépeindre les paysages accidentés et les ports de pêche pittoresques de la région, ainsi que la vie quotidienne des Bretons avec leurs coutumes traditionnelles, leurs costumes distinctifs et leurs pratiques religieuses pieuses.
Il obtient une médaille de 3e classe au Salon de Paris de 1853 et à celui de 1855. Il présente également des œuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1854 à 1875.
Charles Sprague Pearce
Charles Sprague-Pearce était un peintre américain né à Boston, dans le Massachusetts, le 13 octobre 1851 et mort à Auvers-sur-Oise le 18 mai 1914.
En 1873, il devient l'élève de Léon Bonnat à Paris et, après 1885, il vit à Paris et à Auvers-sur-Oise. Il peint des scènes égyptiennes et algériennes, des paysans français et des portraits, ainsi que des œuvres décoratives, notamment pour le Thomas Jefferson Building à la Bibliothèque du Congrès à Washington. Il a reçu des médailles au Salon de Paris et ailleurs, et a été fait Chevalier de la Légion d'honneur française, décoré de l'Ordre de Léopold, Belgique, de l'Ordre de l'Aigle rouge, Prusse, et de l'Ordre du Dannebrog, Danemark.
Parmi ses tableaux les plus connus figurent La décapitation de saint Jean-Baptiste (1881), La prière (1884), Le retour du troupeau et La méditation. Pearce fait également partie de ceux qui ont connu et peint la muse de Capri, Rosina Ferrara.
Au milieu du XIXe siècle, avant que l'Amérique n'ait véritablement établi sa prétention à l'originalité artistique, les artistes américains ont été séduits par la fascinante scène artistique parisienne. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, un groupe important d'artistes américains s'est rassemblé en France, parmi lesquels Mary Cassatt, James Abbot MacNeill Whistler - bien que ce ne soit que temporaire - et Daniel Ridgway Knight, parmi beaucoup d'autres. Un autre artiste américain, qui n'a pas reçu suffisamment d'attention, est Charles Sprague Pearce, dont la présence à Paris et plus tard à Auvers-sur-Oise a été importante pour la propagation et l'appréciation de l'art américain, même s'il a continué à être fortement influencé par les styles artistiques européens prédominants de l'époque. Commentant la diversité de l'œuvre de Charles Sprague Pearce, Dodge Thompson («Charles Sprague Pearce: a forgotten realist of the gilded age», The Magazine Antiques, vol. 144 (5), pg. 682) a écrit que:
Pearce était l'un des peintres américains expatriés en Europe les plus curieux et les plus ambitieux de son époque. Il a expérimenté à plusieurs reprises le réalisme, l'historicisme néo-grec, l'orientalisme (à la fois moderne et biblique), le naturalisme en plein air, le japonisme, l'impressionnisme, le symbolisme et le pointillisme.
Le mélange d'exotisme et de popularité de Pearce l'a conduit à devenir un artiste recherché tant en Europe qu'en Amérique, perpétuant l'intérêt pour l'esthétique orientaliste, parmi de nombreuses autres préoccupations, ainsi que la recherche de nouveaux styles et d'une iconographie fortement influencée par ce qui était montré lors des expositions publiques du Salon.
Charles Sprague Pearce est né le 13 octobre 1851 dans une famille aisée de Boston. Dès son plus jeune âge, il baigne dans un environnement qui nourrit son goût pour les arts : ses parents jouent du piano et du violon, et son père est marchand de porcelaines chinoises. Le père de Pearce devait être très conscient de la ferveur croissante avec laquelle les collectionneurs commençaient à rechercher ces œuvres exotiques, ce qui suggère également sa compréhension des tendances artistiques de l'époque. C'est la première fois que Pearce découvre des objets qui influenceront plus tard une grande partie de son travail à mi-carrière. Cependant, avant de pouvoir expérimenter des innovations artistiques, il est inscrit à la Brimmer School, puis à la prestigieuse Boston Latin School, où il fait preuve de ses premiers talents artistiques. Après avoir terminé ses études, Pearce travaille pendant cinq ans avec son père dans son entreprise d'importation de produits chinois, Shadrach H. Pearce and Co. mais il se rend vite compte qu'il veut poursuivre une carrière d'artiste et part pour Paris en août 1873.
Après son arrivée à Paris, Pearce s'inscrit dans l'atelier de Léon Bonnat, un peintre académique de premier plan qui avait atteint un haut degré de prestige avec des scènes de genre, des peintures d'histoire et des portraits, et qui possédait également son propre atelier pour les étudiants. Au cours de sa carrière, Pearce a généralement suivi ces mêmes catégories de peinture, se concentrant d'abord sur les peintures d'histoire, souvent d'orientation biblique, puis réalisant des portraits et, dans la dernière partie de sa carrière, de nombreuses scènes de genre. Ses premières œuvres, cependant, ont été inspirées par ses ambitieux voyages et montrent souvent une forte influence de Bonnat dans le modelage du sujet et le traitement de l'ombre et de la lumière.
Vers la fin de l'année 1873, Pearce et l'Américain Frederic Arthur Bridgman, également issu de l'atelier de Bonnat, partent pour l'Égypte et passent trois mois à descendre le Nil, accumulant une multitude de dessins et s'immergeant dans une culture qui ne leur est pas familière. Il s'agit d'un voyage spontané, rendu nécessaire par le fait que Pearce a contracté une tuberculose et qu'il se rend en Égypte pour tenter de se soigner grâce au climat plus chaud. Pearce devait également avoir d'autres motivations pour se rendre en Égypte, l'une d'entre elles étant que l'exotisme de l'Orient attirait les artistes et avait inspiré l'utilisation de thèmes orientalistes dans de nombreuses œuvres du Salon. Les tableaux de Gérôme, Eugène Fromentin et Eugène Delacroix dépeignaient, souvent avec une vraisemblance quasi photographique, les coutumes, les vêtements et les paysages des pays orientaux. L'année suivante, Pearce quitte à nouveau Paris, cette fois pour l'Algérie, où il passe les mois d'hiver à absorber la vie et la culture d'un autre pays étranger, enrichissant ainsi son répertoire de thèmes orientaux.
De retour à Paris en 1874, Pearce fait ses débuts au Salon en 1876 avec le portrait d'une Américaine, Miss Ellen Hardin Walworth. Malgré sa nouvelle expérience en Égypte et en Algérie, Pearce choisit de présenter un portrait et non une œuvre inspirée de ses voyages. Dès le Salon suivant, Pearce s'oriente vers la représentation de scènes historiques, probablement sous l'influence de Bonnat. Il expose La Mort du Premier Né au Salon de 1877 et intègre des détails orientaux, basés sur ses connaissances de première main, dans la composition. Bien qu'il ne s'agisse plus d'un sujet très populaire ou progressiste pour de nombreux artistes, le traitement de l'histoire biblique par Pearce n'est pas surprenant car «...depuis sa jeunesse, Pearce voulait être un peintre religieux de grands sujets bibliques...» (Mary Lublin, Une rare élégance). (Mary Lublin, A Rare Elegance: The Paintings of Charles Sprague Pearce, New York: The Jordan-Volpe Gallery, 1993, p. 11) Vis-à-vis des préoccupations sociales et religieuses de la Troisième République, cela était tout à fait approprié puisque la France était zélée dans ses efforts pour retrouver la religiosité à une époque où elle était menacée par la modernité laïque.
Même si Pearce travaillait sur des thèmes bibliques, il était également influencé par l'intérêt prédominant pour l'orientalisme et la représentation des détails ethnographiques. Pour mieux expliquer cette importance, Thompson (p. 683) écrit à propos de La Mort du Premier Né de Pearce que:
Comme de nombreux peintres académiques à l'ère des découvertes archéologiques, Pearce a inclus des artefacts à des fins de vraisemblance. Selon un égyptologue, la peinture murale partielle au-dessus des pleureuses est dérivée d'illustrations publiées de peintures de tombes du Nouvel Empire à Thèbes, et la caisse de momie pourrait être basée sur celle du Musée du Louvre à Paris... Les Lamentations ont néanmoins établi la réputation de Pearce en tant qu'artiste sérieux et ont été exposées à New York, Boston, Philadelphie et Chicago.
Si Pearce a pu représenter des objets réels, leur disposition ensemble était parfois anachronique, un oubli qui a suscité peu d'intérêt de la part du public, comme le décrit Mary Lublin (p. 17):
Si la composition ne démontre pas les connaissances de l'artiste en matière d'art égyptien, ses détails crédibles, bien qu'inexacts, fournissent le contexte historique convoité par les jurés du Salon et les mécènes. La tentative de Pearce de visualiser un récit relaté dans l'histoire de l'Exode illustre la fascination du dix-neuvième siècle pour l'authentification de la Bible.
Pearce continue d'exposer des sujets bibliques aux Salons de 1879 (Le Sacrifice d'Abraham) et de 1881, recevant une mention honorable à ce dernier pour Décollation de Saint Jean-Baptiste. Cette œuvre a ensuite été exposée à l'Academy of Fine Arts en Pennsylvanie où elle a reçu une première place et a été vendue à l'Art Institute of Chicago - l'œuvre a par la suite été retirée de la collection.
L'intérêt de Pearce pour l'orientalisme et l'exotisme l'a amené à s'intéresser à l'engouement actuel pour le japonisme, l'amour de tout ce qui est japonais, porté par des magasins comme celui de Siegfried Bing dans la rue Chauchat, La Porte Chinoise de Madame Desoye, et des publications comme Le Japon Artistique. De plus en plus d'artistes, comme Edouard Manet, James MacNeill Whistler et Edgar Degas, commencent à collectionner des objets «orientaux» et à remettre en question leur utilisation des effets spatiaux afin de simuler une sorte de peinture « japonaise », avec des kimonos, des éventails et des porcelaines japonaises dans un cadre souvent européanisé. Femme à l'Éventail de 1883 est un bon exemple de l'intégration d'objets orientaux par Pearce, montrant une femme européenne vêtue d'un kimono et tenant un éventail japonais. Fidèle à cet intérêt, Pearce expose Fantaisie (Fantasie) à l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie, à Philadelphie. L'œuvre est très appréciée et «attire l'attention universelle», lui valant une médaille de troisième classe et marquant un tournant dans la carrière de Pearce ainsi qu'un renforcement de ses pouvoirs artistiques. (Thompson, 684)
Peu satisfait, Pearce aborde un autre thème: le paysan, un thème qui a une histoire longue et durable non seulement dans les œuvres d'artistes tels que Jean-François Millet et Charles-François Daubigny, mais aussi dans l'histoire sociale de la France. Une des premières compositions paysannes de Pearce est Porteuse d'eau, qui lui vaut une médaille de troisième classe au Salon de 1883. En 1885, Pearce s'installe à Auvers-sur-Oise, où il restera jusqu'à la fin de sa vie et où il s'adonne à sa créativité en s'entourant de la nature. Il expose Peines de Cœur au Salon de la même année, une peinture qui est également présentée à l'Académie de Pennsylvanie où elle remporte la médaille d'or Temple pour la meilleure peinture de figure.
À la fin des années 1880, Pearce continue à s'intéresser aux thèmes paysans tout en intégrant des peintures pastorales dans son œuvre. Il continue à exposer chaque année au Salon, tout en participant à plusieurs expositions internationales en Belgique, en Angleterre, en Allemagne et en Amérique. Les années suivantes, à commencer par son élection au jury de l'Exposition universelle de 1889, le voient s'engager dans un certain nombre d'activités ambitieuses qui contribuent à sa reconnaissance, notamment la présidence du comité consultatif de Paris pour l'Exposition universelle de Chicago en 1893 et du comité de Paris pour l'Exposition d'achat de la Louisiane à St. Louis en 1904. Plus important encore, il a contribué à l'organisation de la première exposition d'art américain à grande échelle en Belgique pour l'exposition universelle d'Anvers de 1894. Bien que Pearce ait adopté un style et des sujets typiquement français, il est clair qu'il était toujours intéressé par la promotion du travail d'autres artistes américains, en particulier ceux qui avaient un lien étroit avec la France. Il a également été nommé Chevalier de la Légion d'Honneur en 1894.
La dernière exposition de Pearce au Salon a eu lieu en 1906, lorsqu'il a présenté Jeune Picarde. Il meurt à Auvers-sur-Oise en 1914.
La contribution des artistes américains, en particulier ceux qui travaillaient dans un style typiquement français, mais qui n'étaient pas aussi controversés que le groupe impressionniste entrant, peut souvent être éclipsée. Pourtant, en adoptant ces représentations typiquement françaises, Charles Sprague Pearce s'adressait à une clientèle et à un public qui appréciaient ses images précisément parce qu'elles s'inscrivaient dans la même veine que celles de nombreux artistes précédents du dix-neuvième siècle. Son travail répondait aux intérêts de l'époque, allant d'une obsession pour le Moyen-Orient et l'Extrême-Orient à des objectifs plus sociaux dans la représentation du paysan. Pearce s'est totalement immergé dans la vie et la culture artistique de Paris et a été acclamé tout en continuant à soutenir d'autres artistes et expositions américains.
L'artiste a également reçu d'autres distinctions internationales: Chevalier, Ordre du Roi Léopold, Belgique (1895); Vice-président et membre fondateur de la Paris Society of American Painters et Chevalier, Ordre de l'Aigle Rouge, Prusse (1897); Chevalier, Ordre de l'Aigle Rouge, Danemark (1898); Académicien national associé, National Academy of Design, New York (1906); et promu à titre posthume Académicien national de la National Academy of Design, New York (1920).
Aujourd'hui, des œuvres de Pearce se trouvent notamment au Metropolitan Museum of Art de New York, au Virginia Museum of Fine Arts et à la National Gallery of Art de Washington.
Emily Eyres
Emily Eyres est une peintre anglaise née en 1850 et décédée en 1910.
Elle fut une rare peintre britannique de portrait et de genre. Elle a exposé à la Royal Academy de 1899 à 1904 et a notamment peint «A Bachelor» en 1899.
Eyres est enregistrée comme vivant à Walton on Thames pendant la période où elle exposait à la R.A., son mari John W Eyres était un artiste paysagiste et a également exposé à la R.A.
Les registres d'exposition de la Walker Gallery, à Liverpool, mentionnent Eyres, et un portrait d'elle fait partie de la collection permanente de la Mercier Gallery, à Harrogate, mais on sait peu de choses sur cette artiste talentueuse.
Les dernières peintures d'Eyres ont été influencées par les impressionnistes britanniques et «Shadows» capture magnifiquement cet impressionnisme avec de larges coups de pinceau et une belle utilisation de l'ombre et de la lumière. Shadows a été exposé à la Royal Academy aux côtés des principaux impressionnistes britanniques de l'époque, et est probablement son œuvre la plus importante.
