Frederick Daniel Hardy (13 février 1827 - 1er avril 1911) était un peintre de genre anglais, membre de la colonie d'artistes de Cranbrook.

Il est né à Windsor dans le Berkshire, troisième des huit enfants de George Hardy (1795-1877) et de son épouse Sarah (1803-1872). George Hardy était corniste dans l'orchestre privé des maisons royales de George IV, de la reine Adélaïde et de la reine Victoria. Le père de Frederick était également un artiste amateur, qui a reçu l'enseignement de James Duffield Harding et d'Edmund Bristow. Les ancêtres de F.D. Hardy sont originaires de Horsforth dans le Yorkshire; Gathorne Gathorne-Hardy, premier comte de Cranbrook, est son petit-cousin.

Frederick s'inscrit à la Royal Academy of Music, Hanover Square, à l'âge de dix-sept ans. Il étudie pendant environ trois ans, mais abandonne finalement la musique pour devenir artiste comme son frère aîné George Hardy (1822-1909).

Hardy devient rapidement un habile peintre d'intérieurs de cottages, mais il ne cesse d'améliorer sa peinture de personnages tout au long des années 1850. Christopher Wood, auteur d'un ouvrage sur l'art victorien, a commenté l'une des premières peintures de Hardy, Cottage Fireside (1850): «Certaines de ses premières œuvres de ce type sont magnifiquement observées et sans sentimentalisme, sans les enfants habituels, les animaux domestiques et autres accessoires familiers des peintres d'idylles de cottage. La vieille cuisine... est décrite avec autant de froideur qu'une cuisine hollandaise du XVIIe siècle réalisée par Ostade ou Brekelenkamp».

En 1851, Hardy voit ses deux premiers tableaux acceptés pour une exposition à la Royal Academy Le 11 mars 1852, il épouse Rebecca Sophia Dorofield (1827-1906). Ils vivent à Snell's Wood, près d'Amersham dans le Buckinghamshire, à trois miles de la ferme des parents de Rebecca. Leur premier enfant y est né en mars 1853. En juillet 1853, ils déménagent au 2 Waterloo Place à Cranbrook, dans le Kent, maison qu'Hardy conservera toute sa vie.

Dans les années 1850, la peinture de Hardy est influencée par les œuvres d'artistes hollandais du XVIIe siècle, tels que Pieter de Hooch et Nicolaes Maes, et par les peintures de son ami Thomas Webster. Tout au long de la décennie, Hardy intègre progressivement quelques personnages dans ses tableaux d'intérieur. En 1859, il peint son premier tableau, The Foreign Guest (L'invité étranger), qui présente une narration impliquant un groupe plus important de personnes et qui est similaire à la plupart de ses meilleures œuvres des années 1860.

Au cours des années 1860, Hardy peint les tableaux pour lesquels il est le plus connu, en particulier des tableaux représentant des activités d'enfants, tels que Les volontaires (1860), Le chagrin précoce (1861), Le balai (1862), Les jeunes photographes (1862), Le docteur (1863), Le toit qui fuit (1865), L'artiste désemparé (1866) et L'anniversaire de bébé (1867) Hardy peint au moins dix versions du balai, l'un de ses tableaux les plus populaires.

Certaines de ses peintures des années 1870 sont plus critiques à l'égard de la société victorienne. Looking for Father (1873) représente une jeune fille pieds nus cherchant son père à travers le panneau vitré de la porte d'un débit de boissons. After the Party (1875) représente une servante épuisée qui s'est endormie, assise sur une chaise, après avoir servi lors d'une fête. Et La robe de mariée (1875) représente un groupe de couturières qui ont dû travailler toute la nuit pour terminer leur ouvrage.

Hardy a exposé quatre-vingt-treize tableaux à la Royal Academy de 1851 à 1898. Les prix de vente de ses tableaux sont à leur apogée dans les années 1870; en 1877, A Quartette Party (1872) et A Wedding Breakfast (1871) sont vendus chacun pour 798 livres sterling chez Christie's. À partir du milieu des années 1870, les Hardy possèdent une maison à Londres, au 17 Brunswick Gardens à Kensington, ainsi que leur maison à Cranbrook. Les œuvres de F.D. Hardy se trouvent dans de nombreuses collections publiques, notamment à la Wolverhampton Art Gallery, qui possède dix-neuf de ses tableaux.

Environ quatre ans après l'installation de Hardy à Cranbrook, son ami Thomas Webster, parent de la mère de Hardy, vient s'y installer. Pour leurs ateliers, Hardy et Webster louent une maison du XVIe siècle dans la High Street ; l'atelier de Hardy se trouve dans la pièce du rez-de-chaussée et celui de Webster dans la pièce du haut. Plusieurs autres artistes, amis de Webster et Hardy, ainsi que George, le frère aîné de Frederick, s'installent à Cranbrook ou viennent fréquemment de Londres ; ils sont connus sous le nom de «Cranbrook Colony».

Les artistes de Cranbrook et leurs familles se retrouvent souvent pour des dîners, des thés et des fêtes. Hardy participe à de nombreuses activités à Cranbrook : il est officier dans le 37th Kent Rifle Volunteer Corps, gardien d'église, membre du comité de la Literary Association, membre du Cricket Club et participe à des soirées musicales dans la ville.

Frederick et Rebecca Hardy ont eu quatre fils et une fille. Leur fils aîné, Frederick (1853-1937), fréquente les écoles de la Royal Academy et devient artiste, sous le nom de « Dorofield Hardy ». Leur quatrième fils, Edwin George (1859-1896), devient architecte après avoir étudié à la Royal Academy Schools, où il remporte une médaille d'or pour le design en architecture et une bourse de voyage pour des études en Italie. Le père de Frederick, George Hardy, vient vivre avec lui en 1873. George Hardy meurt à Cranbrook en 1877.

Johann Baptist Reiter (28 mai 1813, Linz - 10 janvier 1890, Vienne) était un peintre autrichien de portrait et de genre de la période Biedermeier.

Son père était maître charpentier. Il passe trois ans en tant qu'apprenti dans l'entreprise de son père, où il peint des meubles, des enseignes et des croix. Encouragé par le lithographe et marchand d'art Josef Hafner, il s'inscrit à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Il y suit notamment les cours de Leopold Kupelwieser et de Thomas Ender. Après 1830, il gagne essentiellement sa vie en tant que peintre sur porcelaine.

Probablement grâce à une recommandation de Kupelweiser, il obtient une bourse du Landstand de Haute-Autriche qui lui permet de poursuivre ses études de 1834 à 1837. Pendant cette période, il expose également et remporte le Lampi-Preis pour le dessin de modèle en 1836. Il se marie en 1839. À l'origine, il dessine des scènes de genre et des scènes historiques, mais il décide de passer au portrait et devient rapidement si populaire qu'il peut acheter une grande maison à Vienne avec une voiture à quatre chevaux et un Maure comme serviteur.

Pendant la révolution de 1848, il se rangea du côté des révolutionnaires. En 1850, sa femme le quitte, probablement à cause des problèmes que cela lui cause. À partir de cette date et jusqu'en 1870, il participe régulièrement aux expositions de nombreuses sociétés artistiques autrichiennes.

On ne sait pas s'il a divorcé ou si sa première femme est décédée, mais il s'est remarié en 1866. L'extravagance de sa nouvelle épouse le contraint finalement à accepter plus de commandes qu'il ne peut en traiter et à se tourner vers la réalisation de copies des maîtres anciens. Elle meurt en 1889, et lui l'année suivante. Il est enterré au Zentralfriedhof.

En 2013, une grande rétrospective a été organisée conjointement par le Schlossmuseum Linz et le Nordico Stadtmuseum. Elle comprenait plus de 170 œuvres provenant des musées de Vienne et de Budapest et de collections privées.

Carlton Alfred Smith est né à Camden Town, Londres, le 27 août 1853, fils d'un graveur sur acier. Il fait ses études en France, puis à la Slade School of Fine Art, où il obtient des médailles d'or et d'argent. Il travaille d'abord comme lithographe avant de se tourner vers la peinture. Il expose principalement à la Royal Society of British Artists (dont il est élu membre en 1879), au Royal Institute of Painters in Water Colours (RI 1889) et au Royal Institute of Oil Painters (ROI 1890), ainsi qu'à la Royal Academy of Arts.

En 1891, Smith est marié à Martha (née King), peintre de la côte, et ils vivent au 72 Park Road, Hampstead, avec leurs deux jeunes filles. Dix ans plus tard, en 1901, ils déménagent dans le Surrey et vivent à Vine Cottage, Witley Crossways, Witley. En 1911, ils déménagent à nouveau et vivent au 31 Fairfax Road, Chiswick, leurs filles ayant grandi et quitté la maison.

Smith a passé les années 1916 à 1923 en Inde, période pendant laquelle il a réalisé à la fois des portraits et des scènes fascinantes de la vie de la rue.

Carlton Alfred Smith est décédé à Londres le 3 décembre 1946.

Joseph Clark (4 juillet 1834 - 4 juillet 1926) était un peintre à l'huile anglais, bien connu à l'époque victorienne pour ses scènes domestiques, notamment d'enfants.

Né en 1834 à Cerne Abbas, dans le Dorset, Clark est, dès l'âge de onze ans, pensionnaire de l'école de William Barnes à Dorchester et, selon une étude de l'école, «a exploité la formation de Barnes peut-être avec plus de succès que n'importe quel autre élève».

En 1851, le père de Clark est décédé et il vit au 13, Long Street, Cerne Abbas, avec sa mère, veuve et drapière à la retraite, et ses deux sœurs aînées célibataires, Mary et Emma. Il suit ensuite une formation à l'école d'art de J. M. Leigh et devient très tôt un artiste à succès, exposant à la Royal Academy entre 1857 et 1904. Victorian Painters le résume comme un «peintre de genre domestique de nature tendre et touchante, généralement des enfants et quelques sujets bibliques» Il est élu membre de l'Institut des peintres à l'huile[1], dont le nombre de membres est limité à cent. [Certains de ses tableaux sont nommés dans le dialecte du Dorset, dans lequel son maître d'école William Barnes écrivait des poèmes: « Jeanes Wedden Day in Mornen », qui est aussi le titre d'un poème de Barnes, en est un exemple.

En 1868, à Winchester, Clark épouse Annie Jones, une fille de John Jones, de Winchester, avec qui il aura un fils et trois filles. Il est également l'oncle d'un autre artiste, Joseph Benwell Clark.

Clark meurt au 95 Hereson Road, Ramsgate, Kent, le 4 juillet 1926, le jour de son 92e anniversaire.

Citation jamais sourcée, très probablement apocryphe, qui semble être apparue dans deux ouvrages de 1967.

Le vrai drame de notre temps, c'est que le mensonge se répète même après correction.

Voici, peut-être, l'origine de cette citation extraite de "Lettre aux Américains" de Jean Cocteau (1949):

Chacun pense chez nous. Même la bêtise pense. Tout le monde occupe la scène. Peu de monde occupe la salle et il est rare que notre public ne décrète pas qu'il pourrait faire bien mieux que nous. Mais cette étonnante indiscipline offre des avantages. La France actuellement est un des seuls pays où la foule puisse faire le succès d'une pièce parce que les journalistes la condamnent. Personne ne croit personne et j'ose dire que l'esprit de contradiction porté à cet extrême pousse la foule à prendre le contrepied des conseils qu'on lui donne et à applaudir contre les siffleurs.

|Le drame de notre temps, c'est que la bêtise se soit mise à penser.|

Cette citation est apocryphe. Elle est probablement dérivée des mots écrits par Victor Salva, auteur du scénario de Powder (1995). Les films sont une source importante de citations apocryphes.

Merci à Quote Investigator!

quoteinvestigator.com/2012/10/…

|Il est hélas devenu évident aujourd'hui que notre technologie a dépassé notre humanité.|

Henry George Todd est né le 20 janvier 1847 au 27 St John's Street, Bury St Edmund's. Il est le fils de George Todd, artiste décorateur, et de son épouse Sophia née Spencer (9 Mary 1818-janvier 1893), qui se sont mariés le 8 avril 1845 à l'église St Mary, Bury St Edmund's.

Henry a fréquenté l'école de Bury St Edmund's, son père était artiste et grainetier, et le jeune George a été son apprenti et a été formé à la décoration et à l'écriture d'enseignes. À l'âge de 18 ans, Henry s'inscrit dans une école d'art et ses progrès l'amènent à étudier à l'école de South Kensington, aujourd'hui le Royal College of Art. Après avoir travaillé dans l'entreprise de décoration et de dorure de son père à Bury St Edmund's, Henry et son père George exposent leurs œuvres dans la boutique Todd's St Andrew's Street North. Vers l'âge de 27 ans, Henry arrive à Ipswich et entre au service d'Alfred Stearn & Son, l'entreprise de décoration la plus importante de la ville à l'époque. Il travaille dans le domaine du design, de la décoration et de la dorure, et reçoit des commandes de commerçants locaux pour leurs devantures, que beaucoup considèrent comme des œuvres d'art. Bien qu'Henry travaille à plein temps, il trouve toujours le temps de peindre ses natures mortes et ses paysages du Suffolk. En 1871, il est artiste et loge chez Mary Schulen, fabricant de poteries, au 1 Rope Walk, à Ipswich. L'année suivante, il épouse Ellen Lucy Quinton (1851-1923), âgée de 21 ans et originaire d'Ipswich. En 1881, il est «artiste des fruits et des paysages» et vit au 14 Waterloo Road, à Ipswich, avec sa femme Ellen, âgée de 29 ans, et leurs enfants, Ada Ellen, née en 1874, George William, en 1875, Eva Spencer, en 1876, et Arthur John, en 1880. Leur fille Kate Sophia, âgée de 16 mois, est décédée au 16 Woodhouse Street en novembre 1882.

Artiste particulièrement célèbre pour ses natures mortes et sa capacité à peindre des raisins, il est membre du Ipswich Fine Art Club 1885-1897 et expose depuis le 14 Waterloo Road, Ipswich, en 1883, trois œuvres : «Stone Lodge Lane», «To Beach Farm» et «Stone Lodge Lane from the Fields»; il expose fréquemment, ses huiles « Still Life, Edmund's Fine Art Society en 1880 trois natures mortes de fruits et en 1882 «Gainsborough's Lane» et en 1889 à l'exposition d'art de Woodbridge à l'Assembly Room, Bull Hotel, Woodbridge il a exposé plusieurs huiles. Il a également exposé une peinture à la Royal Academy, ainsi qu'à la Suffolk Street Gallery de la Royal Society of British Artists, et à la Dudley Gallery 1885-1898 du 46 Croft Street, Ipswich. Henry George Todd meurt à Croft Street, Ipswich, le 30 juin 1898, à l'âge de 51 ans. Il est enterré au cimetière d'Ipswich cinq jours plus tard. Il a signé ses œuvres «H. G. Todd».

Évariste Carpentier, né en 1845 à Kuurne et mort en 1922 à Liège, est un peintre belge de scènes historiques, scènes de genre et paysages animés. Au fil des années, sa peinture évolue de l'art académique, à ses débuts, vers l'impressionnisme. Il est, avec Émile Claus, l'un des premiers représentants du luminisme en Belgique.

Issu d’une famille de modestes cultivateurs de Kuurne, Évariste Carpentier suit, dès 1861, des cours à l’Académie des beaux-arts de Courtrai sous la direction d'Henri De Pratere. Il y obtient plusieurs distinctions.

En 1864, il est admis à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers et y suit l'enseignement de Nicaise de Keyser (1864-1868). Élève brillant du cours de peinture « d'après nature », il se voit attribuer le prix d’excellence en 1865, ce qui lui permet, l’année suivante, de bénéficier d’un atelier privé au sein même de l’Académie.

En 1872, Carpentier se fixe dans la métropole anversoise en y installant son propre atelier. Il y peint beaucoup d'œuvres de commande qui ne témoignent pas encore de sa personnalité d'artiste. Il commence ainsi sa carrière en abordant des sujets religieux, des thèmes liés à l'Antiquité et des scènes s’inspirant des maîtres flamands du XVIIe siècle, mais c'est véritablement dans le domaine de la peinture d’histoire qu’il se fait surtout apprécier. Le tableau Les premières nouvelles du désastre de la Grande Russie exposé au Cercle artistique d'Anvers en 1872, obtiendra d'ailleurs un grand succès.

Répondant toujours au goût académique de l'époque, il aime peindre les animaux de la ferme et plus généralement les charmes de la vie champêtre.

C'est au cours de cette période qu'Évariste Carpentier se lie d'amitié avec ses jeunes condisciples de l'académie parmi lesquels on trouve notamment Émile Claus, Théodore Verstraete, Frans Hens et Jan Van Beers ; les amis se rencontrent souvent aux expositions organisées par le Cercle artistique d'Anvers. À ce sujet, Émile Claus occupera, de 1874 à 1877, un coin de l'atelier d’Évariste Carpentier.

En 1876, une ancienne blessure au genou, occasionnée dans sa prime jeunesse, entraîne de graves complications le menaçant même d'amputation. Les douleurs l'empêchent de travailler. Il quitte alors Anvers pour rejoindre son village natal où sa sœur lui prodigue, pendant trois ans, soins et traitements.

Sur les conseils de son médecin, Carpentier quitte Kuurne, en 1879, pour le Midi de la France dans le but d'accélérer sa convalescence. L'année suivante, sur le chemin du retour, il s'arrête à Paris où il retrouve son ami Jan Van Beers. Celui-ci le persuade de s'installer dans la capitale française et de partager son atelier avec lui. Carpentier se met alors à peindre avec réalisme le milieu feutré de la bourgeoisie parisienne.

En 1881, il peut enfin se débarrasser définitivement de ses béquilles et s'établit au 71 du boulevard de Clichy. Il poursuit sa passion pour la peinture d’histoire. Les scènes de l'époque de la Révolution française et les épisodes de l'Insurrection vendéenne sont ses principales sources d'inspiration. L'artiste, ayant toujours eu une prédilection pour les épisodes dramatiques, y affine son art de la composition en cherchant à rendre davantage le caractère pathétique de faits historiques mineurs, comme ceux que l’on peut voir dans Chouans en déroute (1883) ou dans Madame Roland à la prison Sainte-Pélagie (1886). Ses toiles lui valent un franc succès auprès du public et les commandes s'enchaînent.

Cette réussite constitue cependant un frein à sa découverte de la peinture de «plein air». À cet égard, l'année 1884 marque un tournant décisif dans sa carrière. Carpentier se dégage des conventions de l'académisme et trouve enfin sa véritable voie. En effet, c'est en découvrant l'œuvre de Jules Bastien-Lepage qu'il s'initie au pleinairisme et se tourne vers la nature par le biais du mouvement réaliste. Il séjourne alors durant deux saisons principalement à Saint-Pierre-lès-Nemours près de la forêt de Fontainebleau mais aussi au Tréport et à Saint-Malo.

À son retour en Belgique en 1886 (il abandonnera définitivement son atelier parisien en 1892), Carpentier assiste à la promotion de l'impressionnisme lors de manifestations bruxelloises du Groupe des XX. Durant son long séjour en France, il rencontre déjà les impressionnistes mais est davantage marqué par le naturalisme de Jules Bastien-Lepage et de Jules Breton. Toujours est-il que, depuis ses débuts de peintre de plein air, sa palette s'éclaircit nettement et sa touche, dans une pâte parfois épaisse, devient progressivement plus souple.

Installé en Belgique, Carpentier continue cependant à voyager. De 1886 à 1896, il sillonne les campagnes, belges mais aussi françaises, à la recherche de nouveaux paysages. Il se rend fréquemment en Campine limbourgeoise à Genk avec ses amis, les paysagistes Franz Courtens et Joseph Coosemans, dans le Midi, mais aussi en Bretagne, région qu'il affectionne tout particulièrement.

En 1888, Carpentier épouse Jeanne Smaelen ; le mariage est célébré à Verviers. De cette union naîtront cinq enfants.

En 1890, le jeune couple s'installe dans le Brabant belge, à Overijse, où Carpentier peint La Laveuse de navets, une œuvre clé qui valut à l'artiste une deuxième médaille à Paris et qui fut acquise par le musée d'Art moderne de Liège.

En 1892, Carpentier déménage à nouveau pour s'établir à La Hulpe dans le Brabant wallon. C'est précisément à cette période que l'artiste s'épanouit et qu'il recherche maintenant la vérité de la nature selon des voies impressionnistes parallèles à celles de son ami Émile Claus. Il se tourne vers des tonalités délicates et une touche atmosphérique. Cette fois-ci, Carpentier prend résolument la voie de la modernité en devenant l'un des plus actifs propagateurs du luminisme.

Georges Simenon dira de lui:

Carpentier fut un impressionniste en ce sens que ses toiles font un trou dans le mur où on les append, fenêtres ouvertes sur la saine vie ensoleillée. Cependant, il serait vain de vouloir lui assigner sa place dans une quelconque classification, il a touché à tous les genres. Il est de ceux qui échappent aux étiquettes parce que leur inspiration est diverse comme la vie elle-même.

En janvier 1897, Carpentier présente sa candidature au poste de professeur de peinture à l’Académie royale des beaux-arts de Liège, devenu vacant à la suite de la mort d’Émile Delperée. La candidature de Carpentier est sérieuse. Son handicap : c’est de ne pas être Liégeois. Ceci va susciter de nombreuses polémiques. Néanmoins, fin juin 1897, après de vaines réactions wallonnes, Carpentier, alors âgé de 51 ans, est finalement nommé professeur de peinture à ladite académie et s'établit à Liège, rue Mont Saint-Martin.

Succédant à Prosper Drion, il assure les fonctions de directeur de l’académie de 1904 à 1910 tout en poursuivant l’enseignement8. En dépit des querelles causées par sa promotion et qui l'ont profondément blessé, Carpentier remplit sa tâche avec le même dévouement. À partir de 1905, il va vivre rue Hors-Château, toujours à Liège.

En venant s'installer comme professeur dans la Cité ardente, Carpentier détermine un tournant décisif dans l'évolution de la peinture liégeoise. Il libère la peinture de la grisaille et des conventions de l’art académique en installant l’esthétique impressionniste.

En vingt-et-un ans d’enseignement, nombreux ont été les disciples qui côtoyèrent le maître. Tous ne suivirent pas la manière de Carpentier. Parmi les plus connus et ceux qui ont subi significativement l’influence de leur maître, on trouve notamment Armand Jamar, Ludovic Janssen, Albert Lemaître et José Wolff. D’autres artistes liégeois sont passés par sa classe comme Fernand Steven, Robert Crommelynck, Adrien Dupagne, Marcel Caron, Jean Donnay ou bien encore Auguste Mambour. Par ailleurs, il prodigue des conseils à des peintres qui ne fréquentèrent pas sa classe tels que Xavier Wurth. Le peintre de l’Ardenne, Richard Heintz, bénéficiera également de ses encouragements.

À partir de 1906, Carpentier passe ses vacances d’été à Vieuxville dans la maison dite de « l'Abbé de Stavelot ».

Évariste Carpentier prend sa retraite en octobre 1919. Il meurt à Liège le 12 septembre 1922, à la suite d'une longue maladie.

Carpentier aura connu de son vivant un large succès. Au cours de sa carrière, il récolte de multiples récompenses et prix dans les expositions internationales d’Europe et des États-Unis (Chicago, Philadelphie…) dont les médailles d’or à Anvers, Munich, Berlin avec Soleil d’été (1896), Paris, Amsterdam, Barcelone, Nice. Oubliée peu après sa mort, son œuvre fut redécouverte tardivement vers la fin du XXe siècle. C’est maintenant que l’on se rend compte pleinement de l’importance de cet artiste non seulement en tant que professeur à l’Académie de Liège, où il donne le départ d’une nouvelle manière de peindre dans la Cité ardente, mais aussi pour l’ensemble de son œuvre qui constitue un chaînon essentiel dans l’épanouissement de la peinture belge moderne.

Léon Tanzi né à Paris le 24 mai 1846 et mort à Blida (Algérie) en 1913 est un peintre et illustrateur français.

Élève à l'Académie Julian à Paris de William Bouguereau (1825-1905), Jules Lefebvre (1834-1912) et Benjamin-Constant (1845-1902), Léon Tanzi travaille dans le Tarn et débute au Salon en 1877 avec des scènes de genre de style orientaliste, des paysages et portraits. Ses sujets féminins relèvent du symbolisme.

Adrien Max le décrit comme étant un peintre sec et moustachu comme Don Quichotte, gymnasiarque hors-ligne et vélocipédiste primé, il était l'ami de Jules Léotard (1838-1870), l'inventeur du trapèze volant, du peintre Jules Garipuy (1817-1893) et de Marius Cazeneuve (1839-1913), illustre magicien qui en 1886 parvint à subjuguer la reine Ranavalo III.

L'écrivain Maurice Bouchor (1855-1929), frère d'un de ses élèves, lui rend hommage vers 1880 dans ces vers de mirliton:

Tête Brute délicieuse, ô vrai peintre Tanzouille
Toi dont le seul bonheur est de brosser sans fin,
De durcir les biceps, de manger à la faim,
Et de suivre, le soir, quelque svelte grenouille.

Il décora de panneaux muraux l’abbaye de Thélème, cabaret au 1, place Pigalle à Paris avec son ami Henri Pille (1844-1897) en représentant Gargantua ripaillant, ou encore à cheval sur les tours de Notre-Dame. Il fit également le portrait d'Alexis Bouvier, le maître des lieux, tableau exposé dans le premier vestibule. Le mobilier était de style gothique, les peintures dont rien ne subsiste représentaient des scènes érotiques et des ripailles moyenâgeuse.

Il demeure à Paris rue Monsieur le Prince, puis au 18, passage de l'Élysée des Beaux-Arts, enfin au 2, rue Tourlaque.

Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1901.

Cette citation n'est pas de Baruch Spinoza, mais de Diane Cailhier dans l'épisode 3 de la série québécoise "Chartrand et Simonne" (2000), romance de la vie de Michel Chartrand et Simonne Monet, dans une réponse du personnage de Simonne Monet-Chartrand.

Extrait de l'épisode 3 de la série québécoise "Chartrand et Simonne" intitulée "1942-1945 - L'amour et la guerre" (2000) à partir de 24'40:

|Personne ne peut vous enlever votre liberté de penser. Vous pouvez être conseillé, éclairé par d'autres, mais ne laissez jamais quelqu'un penser pour vous.|

Citation extraite de l'entretien de Stéphane Hessel dans l'hebdomadaire "Politis" du 18 novembre 2010 intitulé «Le motif de la résistance, c'est l’indignation».

politis.fr/articles/2010/11/le…

Extrait de l'entretien de Stéphane Hessel dans l'hebdomadaire "Politis" du 18 novembre 2010:

Vous écrivez que «le motif de la résistance, c'est l'indignation?» C'est-à-dire?

C'est un peu un appel. Le sentiment le plus grave, aujourd'hui, c'est de penser qu'«il n'y a rien à faire» parce que les choses ne changent pas comme l'on voudrait et que les acteurs politiques et financiers ont toutes les cartes en main. Baisser les bras me paraît tout à fait mauvais. Je dirais donc, un peu comme Sartre, qu'«un homme qui se désintéresse n'est pas vraiment un homme». C'est quand il commence à s'indigner qu'il devient plus beau, c'est-à-dire un militant courageux, un citoyen responsable. Se dire «on n'y peut rien», se retirer, c'est perdre une bonne partie de ce qui fait la joie d'être un homme.

Cela a-t-il partie liée avec la désobéissance ?

Je souligne toujours l'écart entre légalité et légitimité. Je considère la légitimité des valeurs plus importante que la légalité d'un État. Nous avons le devoir de mettre en cause, en tant que citoyens, la légalité d'un gouvernement. Nous devons être respectueux de la démocratie, mais quand quelque chose nous apparaît non légitime, même si c'est légal, il nous appartient de protester, de nous indigner et de désobéir. Dans le cas récent des enseignants qui ont désobéi, ce n'était pas pour une question de salaire mais parce qu'on a voulu leur imposer des choses au détriment des enfants dont ils ont la charge. Ils peuvent donc exciper de cela, comme les faucheurs d'OGM peuvent dire qu'il est peut-être devenu légal d'en semer mais qu'en réalité ce n'est pas légitime. La notion de désobéissance est donc intimement liée à la notion de légitimité.

|Nous devons être respectueux de la démocratie, mais quand quelque chose nous apparaît non légitime, même si c'est légal, il nous appartient de protester, de nous indigner et de désobéir.|

Pensée de Marius Pontmercy, personnage du roman "Les Misérables" de Victor Hugo (1862).

|Il vient une heure où protester ne suffit plus; après la philosophie il faut l'action.|

Citation apocryphe et contraire à la pensée d'Aristote.

Cet apocryphe est inexistant ailleurs qu'en France et avant le XXIe siècle. Il semble remonter à 2010.

https://x.com/LouLiMi/status/27476042263

Cette citation n'est pas dans "La Rhétorique" d'Aristote.

gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6…

Extrait de "Morale à Nicomaque" d'Aristote (entre 335 et 322 avant J.-C.), livre I, Chapitre VIII:

Il n'est pas besoin d'attendre la mort d'un homme pour dire qu'il est heureux; c'est la vertu qui fait le vrai bonheur ; et il n'y a rien de plus assuré dans la vie humaine que la vertu. - Distinction entre les évènements de notre vie , selon qu'ils sont plus ou moins importants. - Les épreuves fortifient et rehaussent la vertu; l'homme de bien n'est jamais misérable; sérénité du sage et constance de son caractère. - Nécessité des biens extérieurs en une certaine mesure.

google.fr/books/edition/OEuvre…

Extrait de "Lettre LXXXI à Lucilius" de Sénèque (en 63 et 64 après J.C.):
Car si l'on est malheureux par la méchanceté, heureux par la vertu, et si c'est une vertu que la gratitude, pour une restitution ordinaire tu as conquis un bien inestimable, la conscience d'une vertu remplie, et cette conscience n'est donnée qu'à une âme divine et bienheureuse. Quant à l'âme affectée du sentiment contraire, le plus affreux malheur l'accable. Quiconque est ingrat sera misérable; ne le renvoyons pas au futur, il l'est à l'instant même. Gardons-nous donc d'un pareil vice, sinon à cause d'autrui, du moins pour nous. C'est la moindre et la plus légère partie de son fiel que l'iniquité distille sur autrui; ce qu'elle a de plus nuisible et pour ainsi dire toute la lie séjourne et pèse au fond de l'âme perverse. Comme le disait Attalus, l'un des nôtres: «La méchanceté boit la plus grande partie de son propre venin.» Celui des serpents, toujours prêt pour tuer l'ennemi, ne tue point l’animal qui le porte; tel n'est pas le venin du méchant: l'âme qui le renferme en souffre le plus. L'ingrat se torture et se ronge lui-même: il hait ce qu'il a reçu, parce qu'il doit rendre; il le déprise: mais les torts, il les amplifie et les exagère. Or est-il une âme plus à plaindre que celle où le bienfait passe et où l'injure demeure? Le sage, au contraire, relève la moindre des grâces qu'il reçoit et l'embellit à ses propres yeux et en perpétue la jouissance par le souvenir. La satisfaction du méchant n'a lieu qu'une fois, pour un moment, quand il reçoit; celle du sage se prolonge et ne cesse plus. Car ce n'est pas de recevoir, mais d'avoir reçu qu'il est heureux, félicité permanente et de tous les instants. Il ne tient pas compte de ce qui le blesse; et non point par insouciance, mais volontairement, il oublie. Il n'interprète pas tout au pire, ne cherche pas à qui imputer un accident, et préfère attribuer à la Fortune les fautes des humains. Il n'incrimine ni les paroles, ni les airs de visage; il explique tout mécompte dans un esprit de bienveillance qui le lui rend léger: il ne se souvient pas de l'offense plutôt que du service. Autant qu'il le peut, il s'en tient au souvenir plus doux du bienfait précédent, et ne change pas de sentiments pour qui a bien mérité de lui, à moins que les torts ne l'emportent de beaucoup, et que la différence ne frappe l'œil même le plus indulgent; encore ne change-t-il, quand l'injure est la plus forte, que pour redevenir ce qu'il était avant le bienfait. Car si le mal est égal au bien, il laisse encore dans l'âme un reste d'affection. De même que le partage des voix absout un accusé, et que toujours, dans le doute, l'humanité incline pour la douceur; ainsi le cœur du sage, lorsque le mal et le bien se balancent, peut n'être plus redevable, mais ne peut plus ne pas vouloir l'être; il fait comme le débiteur qui, après l'abolition des dettes, persiste à payer.

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|Si la vertu ne suffit pas à assurer le bonheur, la méchanceté suffit à rendre malheureux.|

NGC 1559 est une galaxie spirale barrée située dans la constellation du Réticule, près du Grand Nuage de Magellan, mais beaucoup plus éloignée, à environ 35 millions d'années-lumière de la Terre. Hubble a visité cet objet pour la dernière fois en 2018. La lumière brillante capturée dans cette image offre une mine d'informations qui, grâce à Hubble, peuvent être utilisées à la fois par les scientifiques et le public.

La quantité de nébuleuses dans cette galaxie est impressionnante, sans oublier leur grande taille!

Cette galaxie est à peine plus petite que la Voie lactée (75000 à 96000 années-lumière de diamètre), et elle est gravitationnellement isolée.

Cette image est composée de dix images différentes prises par le télescope spatial Hubble, chacune filtrée pour recueillir la lumière d'une longueur d'onde ou d'une gamme de longueurs d'onde spécifique. Elle couvre la sensibilité de Hubble à la lumière, de l'ultraviolet (275 nanomètres) au proche infrarouge (1600 nanomètres), en passant par le bleu, le vert et le rouge. Cela permet d'enregistrer des informations sur de nombreux processus astrophysiques dans la galaxie: le filtre rouge de 656 nanomètres utilisé ici en est un exemple notable. Les atomes d'hydrogène ionisés peuvent émettre de la lumière à cette longueur d'onde particulière, appelée émission H-alpha. Les nouvelles étoiles qui se forment dans un nuage moléculaire, composé principalement d'hydrogène, émettent de grandes quantités de lumière ultraviolette qui est absorbée par le nuage, mais qui l'ionise et le fait briller de cette lumière H-alpha. Par conséquent, un filtrage permettant de ne détecter que cette lumière constitue un moyen fiable de détecter les zones de formation d'étoiles (appelées régions H II), illustrées sur cette image par les couleurs rouge et rose vives des taches florissantes qui remplissent les bras spiraux de NGC 1559.

Ces dix images proviennent de six programmes d'observation différents avec Hubble, de 2009 à aujourd'hui. Ces programmes ont été menés par des équipes d'astronomes du monde entier avec des objectifs scientifiques variés, allant de l'étude du gaz ionisé et de la formation des étoiles, au suivi d'une supernova, en passant par le suivi des étoiles variables pour contribuer au calcul de la constante de Hubble. Les données issues de toutes ces observations sont conservées dans les archives de Hubble, à la disposition de tous, non seulement pour de nouvelles recherches scientifiques, mais aussi pour créer des images spectaculaires comme celle-ci ! Cette image de NGC 1559 rappelle donc les opportunités incroyables que le télescope spatial Hubble a offertes et continue d'offrir.

Voici 6 étoiles identifiées sur le cliché du HST numérotées de 1 à 6 (n'hésitez pas à zoomer):

1 - Gaia DR3 4676459661466251904. Il s'agit d'une étoile orange 15% plus petite et 30% moins massive que le Soleil située à 2517 années-lumière.
2 - Gaia DR3 4676459661466252288. Il s'agit d'une étoile orange/rouge de même taille et 30% moins massive que le Soleil située à 7571 années-lumière. Juste à gauche d'elle, très proche, se trouve Gaia DR3 4676459661464302720, une naine rouge 80% plus petite et massive que Soleil. Elle est située à 2931 années-lumière.
3 - Gaia DR3 4676459695825988224. Il s'agit d'une étoile jaune 20% plus grande et 10% plus massive que le Soleil située à 1894 années-lumière (espérance de vie: 8,5 milliards d'années).
4 - Gaia DR3 4676459695825989376. Il s'agit d'une étoile orange 20% plus petite et 40% moins massive que le Soleil située à 5445 années-lumière.
5 - Gaia DR3 4676459627106513792. Il s'agit d'une étoile jaune/orange au moins deux fois plus grosse et 20% plus massive que le Soleil à plus de 30000 années-lumière (sa distance est indéterminable par la parallaxe).
6 - Gaia DR3 4676506768667550592. Il s'agit d'une naine rouge 80% plus petite et massive que le Soleil située à 1562 années-lumière.
7 - Gaia DR3 4676459657169273088. Il s'agit d'une naine rouge 70% plus petite et massive que le Soleil située à 5969 années-lumière.

Source:
esahubble.org/images/potw2438a…

Citation tronquée extraite l'œuvre posthume "Citadelle" d'Antoine de Saint-Exupéry (1948).

L'avenir n'a pas besoin de permission car il existera toujours, et il n'est certainement pas le présent à mettre en ordre.

Extrait de "Citadelle" d' Antoine de Saint-Exupéry (1948):

Alors, me diras-tu, vers quoi dois-je tendre? Puisque les buts n'ont point de signification. Et je te répondrai ce grand secret qui se cache sous des mots vulgaires et simples et que la sagesse peu à peu au long de la vie m'a enseigné: à savoir que préparer l'avenir ce n'est que fonder le présent. Et que ceux-là s'usent dans l'utopie et les démarches de rêve qui poursuivent des images lointaines, fruits de leur invention. Car la seule invention véritable est de déchiffrer le présent sous ses aspects incohérents et son langage contradictoire. Mais si tu te laisses aller aux balivernes que sont tes songes creux concernant l'avenir, tu es semblable à celui-là qui croit pouvoir inventer sa colonne et bâtir des temples nouveaux dans la liberté de sa plume. Car comment rencontrerait-il son ennemi et, ne rencontrant point d'ennemi, par qui serait-il fondé? Contre qui modèlerait-il sa colonne ? La colonne se fonde, à travers les générations, de son usure contre la vie. Ne serait-ce qu'une forme, tu ne l'inventes point mais tu la polis contre l'usage. Et ainsi naissent les grandes œuvres et les empires.
Il n'est jamais que du présent à mettre en ordre. A quoi bon discuter cet héritage? L'avenir, tu n'as point à le prévoir mais à le permettre.

|L'avenir n'est jamais que du présent à mettre en ordre. Tu n'as pas à le prévoir, mais à le permettre.|

Ce n'est pas un proverbe, mais un extrait d'un chant contenu dans le roman pastoral "La Galatea" de Miguel de Cervantes (1585).

Extrait du roman pastoral "La Galatea" de Miguel de Cervantes (1585):

A ce moment-là, avant qu'il n'ait eu le temps de me répondre, Eleucus, le berger, arriva et dit d'une voix forte: «Maintenant, beaux bergers et belles bergères, faites sentir votre arrivée au village en chantant quelques cantiques, afin que nous puissions vous répondre, afin que les villageois voient tout ce que nous pouvons faire pour eux, nous qui venons ici pour rendre notre fête joyeuse». Et comme rien de ce que commandait Eleuco ne manquait d'être obéi, les bergers me donnèrent immédiatement la main pour commencer. Et c'est ainsi que, profitant de l'occasion et de ce dont Artidoro et moi avions discuté, je commençai ce chant:

Dans les états de l'amour
Personne ne devient parfait,
Mais l'honnête et le secret.
Pour atteindre le doux
Le goût de l'amour, si l'on est juste,
Le secret est la porte
Et l'honnêteté la clé;
Et cette entrée ne connaît pas

Celui qui se targue de discrétion,
Mais l'honnête et le secret.
Aimer la beauté humaine
Est souvent reproché,
Si cet amour n'est pas mesuré
Avec la raison et l'honnêteté:
Et l'amour d'une telle qualité
Alors il l'atteint en effet

Celui qui est honnête et secret.
C'est déjà un cas connu,
qu'on ne peut pas le nier,
Que parfois la parole perd
Ce que le silence a gagné:
Et celui qui est amoureux
N'aura jamais d'ennuis
S'il est honnête et secret.

Combien de langue bavarde
Et des yeux audacieux
Ils causent généralement mille désagréments
Et mettre l'âme en déclin,
Cette douleur diminue tellement,
Et sors de cette impasse
Celui qui est honnête et secret.

|La parole perd parfois ce que le silence a gagné.|