Eduard Theodor Grützner, depuis 1916 chevalier von Grützner (né le 26 mai 1846 à Groß-Karlowitz près de Neisse, Silésie; mort le 2 avril 1925 à Munich) était un peintre de genre allemand.

Eduard Grützner est né en 1846 à Großkarlowitz, près de Neisse, comme le septième et le plus jeune enfant d'une famille d'agriculteurs pas vraiment riche. Le prêtre local Fischer visitait souvent la maison de ses parents parce que le père d'Eduard était marguillier. Il a reconnu très tôt le talent et le penchant d'Eduard pour la peinture. Même en tant que garçon gardien, il s'appuyait sur tout ce qui lui tombait entre les mains. Le gérant du domaine rural d'un comte du quartier lui a acheté du papier et a été heureux lorsque le garçon, en plus des innombrables représentations d'animaux et de personnes, a dessiné avec précision un villageois avec ses caractéristiques.

Selon le Bénézit (édition de 1951), c'était un fils de paysan destiné à entrer dans les ordres, mais l'architecte munichois Hirschberg lui conseilla de faire de la peinture ; il s'inspira pour ses œuvres de personnages du théâtre de Shakespeare.

Le pasteur Fischer lui permet de fréquenter le lycée Neisse et, avec l'aide de l'architecte Hirschberg, l'emmène à Munich pour une formation artistique à l'école privée d'Herman Dyck en 1864.

La formation à l'école des arts et métiers auprès de Hermann Dyck fut cependant de courte durée. Dès le même semestre, il passa à la classe d'antique de l'Académie avec Johann Georg Hiltensperger et Alexander Strähuber, où les étudiants devaient se familiariser avec les idéaux de beauté de l'Antiquité.

En 1865, Grützner entra dans la classe de peinture de Hermann Anschütz à l'Académie. Parallèlement, il demanda des conseils et des encouragements à Carl Theodor von Piloty, jusqu'à ce qu'il soit admis dans sa classe en 1867.

La classe de Piloty était bondée d'artistes en herbe venus du monde entier. «Les Hongrois étaient les plus représentés, les Allemands de divers horizons, les Russes, les Polonais et les Grecs». Trois ans plus tard, Grützner quitta l'académie. En 1870, il s'installa dans son propre atelier, dans le pavillon de jardin du 18 de la Schwanthalerstraße à Munich. Rapidement, les tableaux se succèdent.

Dès sa jeunesse, il collectionnait les œufs, les papillons et les minéraux. Plus tard, il a peint un portrait du minéralogiste Paul von Groth et des œuvres comme «Der Geologe» ou «Mineraloge mit Brille» (vers 1923). À l'âge de 14 ans, il réalisa une copie manuscrite et dessinée à la main de l'ouvrage de référence Lehrbuch der Krystallkunde (1852) du minéralogiste Carl Rammelsberg, probablement à la demande du curé du village. Grützner était un grand collectionneur passionné, il préférait au début les pièces de la fin du gothique allemand et du début de la Renaissance. Au cours de la dernière décennie de sa vie, il s'est toutefois détourné de la fin du Moyen Âge pour collectionner des œuvres d'art d'Extrême-Orient. Dans ses grandes compositions, il insérait cependant presque toujours des objets anciens, le plus souvent issus de sa collection d'antiquités.

En 1874, Grützner épousa Barbara Link, qui lui donna deux ans plus tard une fille prénommée Barbara, que Grützner appela «Bärbele». En 1883, Grützner fit construire sa villa selon les plans de l'architecte Leonhard Romeis à proximité de l'immense complexe de bâtiments du Maximilianeum sur le Praterbergl. En 1884 - après dix ans de mariage heureux - sa femme Barbara décéda.

En 1886, la revue Die Kunst für Alle, éditée par le peintre et écrivain Friedrich Pecht, annonçait: «les peintres Eduard Grützner et Ludwig Willroider se sont vus décerner le titre de professeur par le prince régent Luitpold de Bavière».

En 1888, Grützner se fiança à Anna Wirthmann, la fille du commandant de la ville de Munich, qui donna naissance peu de temps après à son fils Karl Eduard. Après avoir reçu en 1880 la croix de chevalier de première classe de l'ordre du mérite de Saint-Michel, il fut anobli personnellement en 1916 par la remise de la croix de chevalier de l'ordre du mérite de la couronne bavaroise. Il a pu jouir de la prospérité et de nombreuses années de bonheur avec sa famille.

Cependant, les dernières années de sa vie n'ont pas été aussi harmonieuses. Sa femme, de dix-sept ans sa cadette, le quitta pour un chanteur viennois. En 1899, il a divorcé et le nom de sa femme n'a plus jamais été mentionné dans sa maison. A un âge avancé, il chercha du réconfort dans la philosophie chinoise et commença à apprendre le japonais. Parfois, il insérait dans ses tableaux une figure de Bouddha ou un vase chinois dans la composition. Il peignait aussi souvent des cardinaux ascétiques aux traits pas toujours sympathiques. Grützner est décédé le 2 avril 1925 à Munich. Sa tombe se trouve dans la partie ancienne du cimetière forestier de Munich.

Eduard von Grützner était, avec Carl Spitzweg, dont il était l'ami, et Franz von Defregger, le plus important peintre de genre munichois de la deuxième moitié du XIXe siècle. Il plaçait la vie monastique au centre de son univers pictural, raison pour laquelle il est entré dans l'histoire comme «peintre des moines». Il aimait peindre des natures mortes, bien qu'il n'ait réalisé que peu de tableaux indépendants de ce type.

Josef Haier était un peintre, designer et photographe autrichien, né en 1816 à Vienne et mort en 1891 à Brno.

De 1844 à 1845, il étudie la peinture à l'Académie des Beaux-Arts de Munich avec Clemens von Zimmermann. De 1848 à 1850, il travaille à Olomouc. En 1850, il s'installe à Brno, en République tchèque, où il ouvre un studio de photographie. Depuis 1864, il s'intéresse à la photographie. Il séjourna à Nikolsburg et, à partir des années 1870, il travailla comme peintre à Vienne.

Au cours de sa carrière, Haier a également travaillé comme photographe itinérant, et ses œuvres picturales présentent principalement des portraits et des peintures de genre, caractérisées par le style romantique tardif. Haier a passé une grande partie de sa vie professionnelle entre l'Autriche et la République tchèque, et il est mort à Brno en 1891.

Alessandro Sani (1856-1927) était un peintre italien, principalement spécialisé dans les sujets de genre.

Il est né et a résidé à Florence. Considéré comme l'un des derniers grands peintres italiens, Alessandro est l'un des rares artistes à être resté en Italie lors de l'immigration massive vers les États-Unis à la fin des années 1800 et au début des années 1900, ce qui fait de ses œuvres quelques-unes des seules œuvres d'art italiennes produites pendant cette période.

Parmi ses œuvres, citons La tentazione, achevée en 1879; Una lezione di mandolino; Scacco matto; Il piatto favorito; Una partita a scacchi; Soldati e Ostessa; Un cercatore mal capitato; Le promesse; La visita alla balia; Il saggio del vino; ses peintures reproduisent fidèlement des scènes d'intérieur.

Pietro Torrini, né le jour de l'an 1852 à Florence, en Toscane, et décédé en 1920, était un peintre italien qui allait devenir un maître de la pièce de conversation du XIXe siècle en Italie.

Artiste prolifique, il est surtout connu pour ses œuvres de genre informelles, souvent agrémentées d'un thème ou d'une anecdote pleine d'esprit.

Il a beaucoup exposé et ses œuvres sont devenues très populaires auprès des collectionneurs de ce genre et apparaissent fréquemment sur le marché de l'art, en particulier à New York, avec des exemples intitulés «Sérénade du cuisinier», «Joueurs de cartes» et «Tâches ménagères».

Joseph Caraud, né à Cluny le 5 janvier 1821 et mort à Paris le 12 novembre 1905, était un peintre français.

Au début de sa carrière, Joseph Caraud (1821-1905) a été inspiré, comme beaucoup d'autres artistes, par l'Italie et l'Algérie, et a basé ses premières participations au Salon sur son expérience dans ces pays.

Mais au fur et à mesure de sa carrière, il s'intéresse davantage aux scènes de genre anecdotiques dans lesquelles des femmes élégantes, dans leurs vêtements luxueux aux motifs somptueux, rappellent le style du XVIIIe siècle et le rendu des détails que l'on trouve dans les peintures de Fragonard, Greuze et Watteau.

Avant même de commencer sa formation artistique à l'École des Beaux-Arts, il expose ses premières œuvres au Salon de 1843: La Bonne Maman et La Petite Fille et Portrait de M.G..

En octobre de l'année suivante, il entre à l'École des Beaux-Arts de Paris dans les ateliers d'Alexandre Abel de Pujol, ancien élève de Jacques-Louis David, et de Charles-Louis Lucien Muller, peintre de scènes historiques et religieuses, qui influencent tous deux ses premiers travaux aux Salons.

De 1843 à 1846, il soumet plusieurs portraits au Salon, peut-être pour gagner de l'argent en vue d'un voyage en Italie, puisqu'à partir de 1848, il commence à soumettre des images basées sur des thèmes italiens.

Ses deux maîtres étant également portraitistes, c'est en étudiant avec eux qu'il s'initie à l'art du portrait.

Sa première œuvre basée sur la vie italienne est son entrée de 1848 intitulée Jeune Fille Italienne à la Fontaine et Italien Offrant un Bijou à une Jeune Fille.

Après avoir absorbé l'influence de la vie italienne, il voyage en Algérie et expose au Salon de 1853 Intérieur d'une Maison Maure à Alger, Femme d'Alger Agaçant une Perruche et Baigneuses Mauresques, entretenant ainsi l'intérêt romantique pour ces thèmes largement initié par Eugène Delacroix.

Ces deux voyages, lorsqu'ils sont examinés ensemble, révèlent de manière intéressante que Caraud a été influencé par plusieurs éléments au cours de sa première période.

D'une part, il se rend en Italie, peut-être sous l'influence de son professeur à l'École des Beaux-Arts, Abel de Pujol, qui s'intéresse aux scènes mythologiques et bibliques, car c'est encore en Italie que de nombreux artistes se rendent pour étudier les anciens maîtres italiens et s'initier à la peinture de paysage.

Le prix de Rome décerné par l'Académie continue d'encourager les étudiants à chercher dans ce pays une source d'inspiration artistique.

En outre, il se rend en Algérie, se liant ainsi à l'orientalisme, c'est-à-dire à l'engouement pour tout ce qui est «oriental».

Alors que la France s'intéresse de plus en plus à son rôle de puissance coloniale, elle encourage les artistes à se rendre en Afrique du Nord.

Les artistes y découvrent un environnement et une culture entièrement nouveaux, et nombre d'entre eux resteront fidèles à ce thème tout au long de leur carrière.

Si Caraud a d'abord tâté de nombreuses autres sources d'inspiration, il est clair qu'au Salon de 1857, il a laissé l'Italie et l'Algérie derrière lui et a commencé à travailler davantage sur les scènes qui feront sa renommée, des tableaux historiques et anecdotiques fortement influencés par l'époque de Louis XV et la vie de Marie-Antoinette.

En 1857, il expose notamment La Reine Marie-Antoinette au Petit-Trianon, une scène directement inspirée de cette période historique.

Il reçoit sa première médaille, de troisième classe, au Salon de 1859 lorsqu'il expose Representation d'Athalie devant le Roi Louis XIV par les Demoiselles de Saint-Cyr, entre autres, et reçoit une autre médaille, de deuxième classe cette fois, en 1861 pour des œuvres qui incluent celles basées sur des activités religieuses.

Ses œuvres, qui rappellent les thèmes et le style du XVIIIe siècle, contrastent fortement avec le sens dominant du réalisme qui imprègne de nombreuses œuvres de cette période en France et qui cherchent à documenter la vie quotidienne dans le pays.

Ces artistes réalistes ont basé leurs compositions sur une palette sombre et n'ont pas hésité à dépeindre les scènes les plus sombres de l'existence parisienne.

Pour Caraud, les images décadentes se concentrent sur le faste de la haute bourgeoisie, rendant chaque détail de manière précise, prenant grand soin de représenter les tissus portés par ses sujets, une préoccupation qui découle des maîtres antérieurs des XVIIe et XVIIIe siècles.

Il a été écrit à propos de cette œuvre qu'«il rend merveilleusement les vêtements, les meubles, les regards et les types. Tous ses sujets poudrés, musqués, enrubannés semblent sortir du Trianon» (Annales de l'Académie de Mâcon, 1881, cité dans Le Base Joconde). Caraud a peut-être aussi été influencé par les réalistes, mais jusqu'à ce qu'un plus grand nombre de ses œuvres soient mises au jour, l'exploration de ses thèmes reste conjecturale.

Malgré la possibilité qu'il ait travaillé sur des thèmes réalistes, il est surtout connu pour ses scènes anecdotiques basées sur le dix-huitième siècle.

Ces thèmes trouvent un écho auprès des jurys du Salon et du public.

La demande pour ses images est devenue si importante qu'elles ont été reproduites sous forme de gravures pour être diffusées parmi les masses, afin que chaque personne qui le souhaite puisse avoir un Caraud accroché dans sa maison.

Son intérêt pour la belle femme est similaire à celui de son contemporain James Tissot, qui, au début de sa carrière, a peint des femmes à la mode dans des costumes historiques.

Le dix-huitième siècle revêt une importance quasi mythique pour l'Europe bourgeoise du siècle suivant. L'artiste G.A. Storey a déclaré: «Il ne fait aucun doute que le manque de goût en matière d'habillement et d'autres aspects oblige souvent l'artiste à présenter ses fantaisies dans les costumes d'époques où les articles vestimentaires étaient en eux-mêmes des œuvres d'art, plutôt que dans les modes changeantes du jour qui, dans un an ou deux, non seulement paraissent démodées, mais se distinguent par leur laideur et leur vulgarité naturelles».

En 1867, il reçoit la plus haute distinction française et est nommé Chevalier de la Légion d'Honneur.

Il participe également à l'Exposition Universelle de 1889 à Paris où il obtient une médaille de bronze. Caraud continue à participer aux salons et expositions parisiens jusqu'en 1902, date à laquelle il expose pour la dernière fois le Jardin des Tuileries.

Il meurt en 1905, sans que l'on connaisse la date exacte de son décès.

Dans ses œuvres inspirées des scènes de genre du XVIIIe siècle, Caraud a trouvé un public sympathique et est devenu un artiste très demandé, comme en témoigne le fait que nombre de ses tableaux les plus populaires ont été largement reproduits pour répondre à l'attente du public.

Mais il faudra attendre la découverte d'un plus grand nombre de ses œuvres pour pouvoir évaluer la diversité de son travail. Néanmoins, sa place dans les annales de la peinture anecdotique du XIXe siècle est assurée.