James Wells Champney (16 juillet 1843 - 1er mai 1903) était un artiste de genre et un illustrateur américain connu pour ses portraits, ses scènes orientales et ses paysages américains.

Champney est né à Boston, fils de Benjamin et de Sarah Wells Champney. Sa mère décède alors qu'il est encore très jeune et il est élevé par des membres de sa famille. À l'âge de 16 ans, il commence sa carrière comme apprenti graveur sur bois et gagne sa vie en réalisant des gravures sur bois. Au début de la guerre civile, il abandonne son apprentissage et s'engage dans le 45e régiment de volontaires du Massachusetts. Après la guerre, il enseigne le dessin pendant une courte période et, en 1866, il se rend en Europe où il étudie avec le peintre de genre Edouard Frère à Ecouen. Il étudie ensuite avec Van Lerius à l'Académie royale d'Anvers. Il retourne en Amérique en 1870 et ouvre une académie, mais il est rapidement attiré par l'Europe, s'installant à Rome pendant un certain temps et visitant Paris.

En 1873, il s'enfuit avec Elizabeth Williams, son ancienne étudiante en dessin, pour la sauver d'un mariage arrangé. Pendant les trois années qui suivent leur mariage, le couple voyage à travers l'Europe et vit en France lorsque naît leur premier enfant. La famille s'installe finalement à Deerfield, dans le Massachusetts.

James et Elizabeth deviennent des collaborateurs productifs. Elizabeth contribue à de nombreux articles et illustrations pour des magazines tels que Scribners et Harper's. Elle est également l'auteur de plusieurs séries de livres de voyage, souvent illustrés par son mari. Les gravures et les illustrations de James sont très populaires et sont utilisées pour illustrer les livres non seulement de sa femme, mais aussi d'autres auteurs notables.

En 1879, les Champneys achètent une seconde maison sur la Cinquième Avenue de New York, où James établit un studio, ainsi qu'à Deerfield, dans le Massachusetts. Bien qu'il passe le plus clair de son temps à travailler dans son studio new-yorkais, son lieu de travail préféré est le studio de Deerfield.

En 1880, le couple obtient un contrat pour illustrer une série d'articles pour le Century Magazine. Pour ce faire, le couple entreprend un voyage en Afrique du Nord, en Espagne et au Portugal, visitant des localités telles que Tanger et Tétouan au Maroc, qui n'avaient pas été couvertes par l'un des magazines illustrés de l'époque. En Europe, ils découvrent les œuvres du réaliste espagnol Mariano Fortuny et du peintre français Henri Regnault, et passent une grande partie de leur temps à suivre les traces de ces artistes en Espagne, en France et au Maroc Entre 1880 et 1890, les Champney effectuent plusieurs voyages en Europe et, en 1890, ils ouvrent un studio à Paris.

À partir de 1885 environ, Champney se consacre presque exclusivement aux pastels. Il expose des pastels à l'exposition colombienne de Chicago (1893, 1898). En 1882, il est élu membre associé de la National Academy of Design et membre du Salmagundi Art Club.

Le mariage des Champney est très heureux. Alors qu'il prépare un voyage en Russie, James meurt le 1er mai 1903 d'une chute dans une cage d'ascenseur à New York; les circonstances sont rapportées dans le New York Times. Sa veuve lui laisse un fils, Édouard Frère Champney (né en 1874 en France), architecte à Washington, et une fille, Mme John Humphreys, dite Marie Champney (née en 1877), peintre de miniatures.

Les peintures de Champney comprennent des paysages et des sujets de genre, ainsi que des scènes orientalistes. Après ses voyages en Europe, il se concentre presque exclusivement sur les pastels et se fait connaître pour ses portraits, en particulier ceux de jeunes filles. Parmi les nombreux portraits qu'il a peints, citons ceux de William Winter, Henry M. Stanley et Mary Mannering sous le nom de « Daphne ». Il donne également des conférences sur la photographie et se fait l'avocat du potentiel pictural de la photographie. En outre, il réalise des décorations pour l'hôtel Manhattan en 1898. Il signe souvent ses œuvres du nom de «Champs» pour se distinguer des autres artistes portant le même nom de famille.

Jane Maria Bowkett (1837-1891) était une peintre britannique traditionnelle de style victorien qui travaillait principalement à l'huile. Son œuvre a été décrite comme «de charmantes images légèrement naïves de femmes et d'enfants, soit des intérieurs, soit souvent des scènes de plage». Elle a cependant réussi à établir une carrière réussie en tant qu'artiste professionnelle dans une profession dominée par les hommes. Il a été suggéré que dans certains tableaux, elle créait des scènes ambiguës en refusant de représenter les femmes comme des modèles de vertu morale et en dépeignant les mères et les enfants comme étant satisfaits indépendamment de la présence d'un homme. Il a également été suggéré que le tableau Young Lady in a Conservatory (Jeune femme dans un jardin d'hiver) constitue un commentaire social sur les restrictions morales imposées aux femmes, car le sujet est représenté dans un petit jardin d'hiver avec un minimum d'espace pour se déplacer.

Née à Londres, Jane Maria Bowkett était l'aînée d'une fratrie de treize enfants. Plusieurs de ses sœurs sont également devenues artistes. Son père, Thomas Bowkett, était médecin et participait activement au mouvement chartiste. En 1862, J.M. Bowkett a épousé l'artiste Charles Stuart, mais a continué à signer ses œuvres en utilisant son nom de jeune fille. Elle a donné naissance à six enfants, dont trois seulement ont survécu à l'accouchement. Cependant, la famille prospère par la suite et, au milieu des années 1880, Bowkett et son mari achètent enfin une impressionnante propriété nouvellement construite à Hampstead, dotée d'un immense studio à galerie relié à la maison spacieuse par un jardin d'hiver à voûte en berceau. Elle vécut dans cette maison jusqu'à sa mort en 1891.

Lorsque Bowkett a commencé à se former à la peinture, elle a fréquenté une école de design gérée par le gouvernement à Londres. Bowkett travaillait principalement à l'huile, dans laquelle elle peignait souvent des scènes domestiques quotidiennes et des scènes de genre. Sa carrière a été couronnée de succès. Elle commence à exposer en 1858 avec Angels Heads after Joshua Reynolds à la Society of Female Artists (plus tard Society of Women Artists). En 1860, elle fait ses débuts à la British Institution avec Put your finger in the foxhole, vendu pour 3 guinées. Son dernier tableau est exposé à la Royal Hibernian Academy (The Bailiff's Daughter of Islington) en 1891, au prix de 35 livres sterling. Au cours des années qui ont suivi, elle a exposé plus de 120 tableaux dans ces galeries et dans de nombreuses autres, telles que la Society of British Artists (RBA), la Royal Scottish Academy, le Royal Glasgow Institute of the Fine Arts, la Walker Art Gallery, la Manchester Art Gallery, le Royal Institute of Oil Painters. Ses œuvres pouvaient atteindre des prix élevés; par exemple, à la RBA en 1875, On the Sands at Shanklin, Isle of Wight a été vendu 157,10 livres sterling. Elle a également exposé quatre fois à la Royal Academy : une fois en 1861 (Preparing for dinner), deux fois en 1881 (Ophelia et Four miles more) et une fois en 1882 (Sally in our Alley, etc.).

Un exemple d'œuvre de Bowkett qui a fait l'objet d'une interprétation féministe est Preparing Tea (ou Time for tea, comme elle a été rebaptisée lorsqu'elle a été vendue pour 2000 livres sterling chez Christie's South Kensington le 16 mars 2011). Cette peinture montre une femme, vraisemblablement une épouse et une mère, étalant de la confiture sur des toasts tout en regardant par la fenêtre, tandis qu'un de ses enfants fait griller du pain près d'un feu et que l'autre porte une paire de pantoufles d'homme. Il a été suggéré que Bowkett laisse une certaine ambiguïté dans l'expression faciale de la mère lorsqu'elle voit le train de son mari approcher au loin. Ce critique suggère également que l'œuvre de Bowkett combine des concepts de la vie quotidienne, des scènes domestiques idéalisées et des idéaux de maternité dans lesquels elle refuse de représenter les femmes comme des modèles de vertu domestique. Cette interprétation est suggérée dans certaines de ses autres œuvres où Bowkett dépeint des femmes qui se préoccupent de leurs tâches domestiques et qui ne répondent pas aux attentes qui leur ont été fixées. Le critique conclut qu'en perturbant l'interaction entre la forme et le contenu, Bowkett est capable de laisser une ambiguïté morale dans son œuvre.

Il a été suggéré que Bowkett considérait les jardins d'hiver comme une forme de paradis artificiel. Le tableau Young Lady in a Conservatory (1870-1880) représente une jeune femme dans un jardin d'hiver s'occupant d'un lys dans un grand pot. Autour d'elle se trouvent d'autres plantes telles que des fuchsias, des pélargoniums et des fougères. Il a également été suggéré que cette œuvre dépeint un sentiment d'enfermement et fait un commentaire social sur les restrictions morales imposées aux femmes de la classe moyenne à cette époque (1870-1880) et que les étamines saillantes du lys font référence à un éveil sexuel, ce qui renvoie aux concepts de restrictions morales.

Percival DeLuce était peintre de genre et portraitiste américain né à New York le 26 février 1847 et mort le 21 février 1914 dans la même ville.

Il était l'aîné des trois fils d'Henry DeLuce et de Jane Elizabeth Weller et l'arrière-petit-fils du peintre Thomas Thompson (1776-1852). Son père était droguiste en gros et sa mère était la fille de John Weller, un restaurateur new-yorkais prospère avec lequel elle vécut après la mort de son mari Henry en 1852. Jane Weller DeLuce s'est remariée en 1855 avec John Rogers Hudson, qui est devenu le partenaire de James Earl Budlong dans le domaine de la bijouterie en gros, jusqu'à ce que l'entreprise de Providence (Rhode Island) fasse faillite lors d'une panique financière nationale aux alentours de 1859. Les cinq membres de la famille retournent alors s'installer dans la grande maison familiale des Weller, située sur Washington Square Park, à New York.

Percival DeLuce a été éduqué dans des «écoles de dames» où il a rencontré John Irving, un neveu de Washington Irving, qui est devenu son meilleur ami pour la vie. Sa formation artistique débute à l'âge de 14 ans, en 1861, lorsqu'il commence à travailler chez Gibson's Stained Glass Establishment. C'est là qu'il se rend compte de son besoin et de son intérêt pour le dessin et qu'il s'inscrit aux cours de Thomas Seir Cummings, l'un des fondateurs de la National Academy of Design. En plus de ses études avec Cummings, Percival s'inscrit en 1865 à l'Antique School of the National Academy of Design, qu'il quitte la même année pour des raisons inconnues afin d'étudier avec Edwin White, un peintre de portrait de genre qui a étudié à Paris, Rome et Düsseldorf.

À 20 ans, sur les conseils de White et avec le soutien financier de son grand-père Weller, DeLuce s'embarque en 1867 pour ce qui deviendra la première de ses deux longues expériences européennes. Après avoir séjourné à Londres et dans sa famille à Canterbury, il commence à étudier pendant près de trois ans à l'Académie royale d'Anvers jusqu'en 1870, année de la mort de son grand-père Weller et du déménagement de sa mère à Brooklyn. En mai de cette année-là, il part à Paris pour étudier à l'Académie Julien pendant quelques mois avant d'aller étudier à Bruxelles à l'Académie royale. La guerre franco-prussienne l'empêche de retourner à Paris. En 1872, la mère de Percival et les membres de la famille élargie, dont des cousins et deux de ses demi-frères, arrivent à Bruxelles pour entrer à l'école. DeLuce a gardé son propre logement et son propre studio, bien que les membres de la famille lui rendent visite et posent occasionnellement pour lui.

Au cours de l'été 1873, toute la famille retourne à Brooklyn où il rejoint les siens tout en conservant un studio au 19 Elm Street, toujours à Brooklyn. C'est là que ses peintures sont acceptées dans les expositions de la Brooklyn Art Association et, plus important encore, de la National Academy of Design New York.

Le 24 août 1875, Percival DeLuce épouse Emma Budlong, la fille aînée de James E. Budlong, l'ancien associé de son beau-père, et ils s'installent dans leur propre maison à Brooklyn. Le 15 mai 1877, Percival et Emma partent via Londres et Canterbury pour sa deuxième expérience européenne, cette fois-ci pour une année d'études dans la populaire colonie d'artistes de Barbizon et un retour à Paris. Bien qu'il soit en possession de la lettre d'introduction requise, le couple séjourne dans le village d'Ecouen, où il avait séjourné quelques jours en 1870, mais cette fois pour trois mois avant de se rendre à Paris pour entrer à l'école de Léon Bonnat, qui sera plus tard à la tête de l'Académie française. Après leur séjour à Paris, le couple retourne pour deux mois supplémentaires à Écouen, suivis de courts séjours à Bruxelles et à Atwerp avant de retourner à New York en octobre 1878 dans la maison de la grand-mère Weller. Il s'installe alors dans un studio au 153 de la Cinquième Avenue.

La première fille du couple, Marion, naît en 1879, année où Percival crée la première des nombreuses illustrations qu'il réalisera pendant plusieurs années pour le Harper's Magazine. Il expose également une œuvre qu'il a peinte à Écouen et des portraits à l'exposition de la National Academy of Design. En 1863, il est élu à la tête du département artistique du Packer Collegiate Institute de Brooklyn et est l'un des trois seuls membres de la faculté à occuper un poste de professeur à part entière. Ses œuvres sont régulièrement acceptées non seulement dans les expositions de la National Academy of Design, mais aussi dans d'autres expositions sélectives, et il possède un studio dans le Sherwood Building, un centre populaire pour les artistes new-yorkais.

À l'âge de 7 ans, Marion meurt d'une fièvre typhoïde. Un peu plus d'un an plus tard, le 27 juillet 1888, une deuxième fille, Olive, naît de parents encore endeuillés par la mort prématurée de leur unique enfant. L'amour et la dévotion de cet artiste pour ses filles sont bien documentés par le nombre de croquis et de portraits qu'il a faits d'elles au fur et à mesure qu'elles grandissaient.

En 1890, Percival démissionne de son poste à l'Institut Packer pour se consacrer entièrement à la peinture, y compris à un nombre croissant de commandes de portraits. Le 11 mars 1897, DeLuce est élu membre associé de la National Academy of Design, ce qui signifie que la plupart des artistes professionnels de l'époque recherchent une reconnaissance «officielle». Auparavant, il était membre de l'American Water Color Society ainsi que d'autres organisations professionnelles. En 1913, sa vue baisse. Il a changé sa technique de peinture et la plupart de ses œuvres sont de petites études de nature à l'huile contenant une beauté de lumière, de couleur et de forme, qui sont peut-être plus abstraites qu'auparavant, mais néanmoins représentatives et formelles.

Sa première opération de la cataracte est un succès, mais il meurt avant la deuxième opération, l'été suivant, d'un rhume qui s'est transformé en pneumonie, à l'âge de 67 ans, le 21 février 1914, à l'hôpital presbytérien de New York. Il est enterré au cimetière de Greenwood aux côtés de sa fille Marion.

Joséphine Bowes, comtesse de Montalbo (née Joséphine Benoîte Coffin-Chevallier ; 1825 - 9 février 1874) était une actrice, artiste, collectionneuse et mécène d'origine française. Elle était mariée à un autre collectionneur, John Bowes, fils de John Bowes, 10e comte de Strathmore et Kinghorne. Elle et son mari ont fondé le Bowes Museum à Barnard Castle, Teesdale.

Joséphine Benoîte Coffin-Chevallier est née en 1825, fille d'un horloger et d'une comédienne, elle-même comédienne à Paris sous le nom de Mlle Delorme. Elle est actrice de vaudeville, actrice, comédienne et chanteuse au Théâtre des Variétés. Coffin-Chevallier rencontre John Bowes, un riche propriétaire terrien, lorsqu'il achète et gère le théâtre. Ils se découvrent un amour commun pour les arts, et l'on pense qu'ils entament une relation peu de temps après leur rencontre en 1847. Après leur mariage en 1852, elle se retire de la scène pour se consacrer à la peinture et à la collection d'œuvres d'art. En guise de cadeau de mariage, John Bowes lui acheta l'ancienne demeure d'une des maîtresses du roi Louis XV, le château du Barry, qui devint leur résidence.

Après son mariage avec John Bowes, elle devient une hôtesse réputée. Elle était considérée comme l'une des grandes teneuses de salon et mécènes de Paris à l'époque. La Revue Critique a écrit à propos de ses réunions d'artistes, d'intellectuels et de la société française des années 1860 que «les salons de Madame Bowes comptent parmi les plus brillants de Paris». Elle était célèbre pour ses goûts en matière de mode et de joaillerie, et une facture de 1872 de l'une de ses visites au plus grand couturier de l'époque, Charles Worth, équivaut à 114 000 livres sterling en monnaie moderne (2020).

Bowes est devenue une mécène à grande échelle et est connue pour avoir commandé des pièces de théâtre à plusieurs dramaturges de l'époque. Elle était également douée pour reconnaître les œuvres d'art qui allaient faire sensation, achetant des œuvres impressionnistes avant que l'impressionnisme n'ait eu un grand impact.

Bowes était une artiste amateur talentueuse qui a étudié avec le peintre paysagiste Karl Josef Kuwasseg. Elle finit par devenir une artiste qualifiée, et ses œuvres furent exposées à quatre reprises à la fin des années 1860 à l'Académie des Beaux-Arts de Paris et une fois à la Royal Academy de Londres - une réussite inhabituelle pour une femme de l'époque. Le Bowes Museum conserve encore cinquante-cinq de ses peintures dans sa collection, dont la plupart sont des paysages.

Dans les années 1860, les Bowes conçoivent l'idée de fonder un musée à partir des collections déjà importantes de John. La vision de Joséphine était de créer un lieu où les mineurs de charbon et les fermiers de la région pourraient découvrir les beaux-arts et améliorer leur vie. Elle vendit le château du Barry afin de collecter des fonds pour le projet, et est connue pour avoir vendu certains de ses diamants les plus précieux afin de financer l'achèvement du musée. Le musée la considère comme la force motrice du projet. En 1862, le couple commence la collection destinée spécifiquement à un musée sur les terres ancestrales de Bowes à Teesdale. Le couple charge l'architecte Jules Pellechet, qui avait déjà travaillé avec eux en France, de concevoir un musée à Barnard Castle, qui est la ville la plus proche de la maison familiale de John, Streatlam Castle.

Au cours des douze années suivantes, quinze mille objets furent achetés pour remplir le bâtiment projeté. Bowes collectionnait des pièces d'un large éventail. D'après les documents qui restent, les archivistes de la collection Bowes supposent que Bowes utilisait son propre regard artistique pour collectionner des pièces d'arts décoratifs telles que des céramiques, de l'argenterie et des tapisseries. Elle fit également de nombreux achats lors des expositions internationales qui eurent lieu à Paris en 1862, en 1867 et à Londres en 1871. Ses achats de tableaux bénéficient de ses amitiés avec de jeunes artistes, et elle travaille également avec deux marchands parisiens, Mme Lepautre et A. Lamer, qui ont laissé des registres annotés de leurs transactions, toujours conservés par le musée. Elle achète des œuvres d'artistes aussi divers que El Greco, Cannaletto, Boucher, Anne Vallayer-Coster, Courbet, et Charles Joshua Chaplin.

Le couple n'a pas eu d'enfants. En 1868, son mari acheta à la nation de Saint-Marin le titre de comtesse de Montalbo pour Bowes, afin d'élever son statut. En tant que fils illégitime, John Bowes n'avait pas hérité des titres de son père. Ils visitent régulièrement les domaines familiaux à Durham, au Royaume-Uni, et choisissent cet endroit pour créer le musée d'art, à la fois pour répondre aux besoins de la population locale en matière d'art et pour créer un héritage. Bowes s'est attachée à constituer une collection digne du musée, achetant des œuvres qui, même si elles n'étaient pas de son goût, lui semblaient devoir être exposées dans un tel lieu.

Lors de la cérémonie marquant la pose de la première pierre, Bowes aurait dit à son mari: «Je pose la première pierre, et vous, M. Bowes, poserez la deuxième». Joséphine a officiellement posé la première pierre du musée le 27 novembre 1869, mais elle était apparemment trop malade pour le faire physiquement et s'est contentée de la toucher avec une truelle. Le bâtiment du musée, dans le style d'un château français, n'a été achevé qu'en 1892. Bowes n'a pas vécu assez longtemps pour voir l'achèvement du musée. En mauvaise santé depuis les années 1850, elle mourut d'une maladie pulmonaire à l'âge de quarante-huit ans, à Paris, le 9 février 1874. Même dans les derniers jours de sa vie, on sait qu'elle veillait à ce que les nouvelles pièces de la collection du musée soient envoyées à Teesdale. John Bowes est décédé en octobre 1885 à Streatlam, et a été enterré à côté de Joséphine à Gibside.

Ernest Dupont est un peintre de genre français né à Paris en 1825 et décédé en 1888. Il fut l'élève de Paul Delaroche (1797-1856).

Voici ce qu'a écrit Charles Baudelaire au sujet de ce peintre dont je ne sais pas grand chose:

Nous avons rencontré un pauvre petit portrait de demoiselle avec un petit chien, qui se cache si bien qu’il est fort difficile à trouver; mais il est d'une grâce exquise. C'est une peinture d'une grande innocence, apparente, du moins, mais très bien composée, et d’un très joli aspect; un peu anglais1.

Note de Henri Lemaitre, Ancien élève de l'École Normale Supérieure Agrégé de l'Université, Docteur ès lettre, dans "Curiosités esthétiques - L'Art romantique et autres Œuvres critiques de Baudelaire" (1962):

1. Ernest Dupont devait continuer dans cette voie et se spécialiser dans les portraits de jeunes filles, genre dans lequel il était normal qu'il parût un peu anglais, à une époque où, sur la lancée de l’anglomanie romantique, la «manière anglaise» en peinture était encore fort à la mode. Et Baudelaire, dont le goût et l'esthétique doivent tant à l'Angleterre, ne pouvait manquer de faire cette dernière remarque.