Joseph Caraud, né à Cluny le 5 janvier 1821 et mort à Paris le 12 novembre 1905, était un peintre français.

Au début de sa carrière, Joseph Caraud (1821-1905) a été inspiré, comme beaucoup d'autres artistes, par l'Italie et l'Algérie, et a basé ses premières participations au Salon sur son expérience dans ces pays.

Mais au fur et à mesure de sa carrière, il s'intéresse davantage aux scènes de genre anecdotiques dans lesquelles des femmes élégantes, dans leurs vêtements luxueux aux motifs somptueux, rappellent le style du XVIIIe siècle et le rendu des détails que l'on trouve dans les peintures de Fragonard, Greuze et Watteau.

Avant même de commencer sa formation artistique à l'École des Beaux-Arts, il expose ses premières œuvres au Salon de 1843: La Bonne Maman et La Petite Fille et Portrait de M.G..

En octobre de l'année suivante, il entre à l'École des Beaux-Arts de Paris dans les ateliers d'Alexandre Abel de Pujol, ancien élève de Jacques-Louis David, et de Charles-Louis Lucien Muller, peintre de scènes historiques et religieuses, qui influencent tous deux ses premiers travaux aux Salons.

De 1843 à 1846, il soumet plusieurs portraits au Salon, peut-être pour gagner de l'argent en vue d'un voyage en Italie, puisqu'à partir de 1848, il commence à soumettre des images basées sur des thèmes italiens.

Ses deux maîtres étant également portraitistes, c'est en étudiant avec eux qu'il s'initie à l'art du portrait.

Sa première œuvre basée sur la vie italienne est son entrée de 1848 intitulée Jeune Fille Italienne à la Fontaine et Italien Offrant un Bijou à une Jeune Fille.

Après avoir absorbé l'influence de la vie italienne, il voyage en Algérie et expose au Salon de 1853 Intérieur d'une Maison Maure à Alger, Femme d'Alger Agaçant une Perruche et Baigneuses Mauresques, entretenant ainsi l'intérêt romantique pour ces thèmes largement initié par Eugène Delacroix.

Ces deux voyages, lorsqu'ils sont examinés ensemble, révèlent de manière intéressante que Caraud a été influencé par plusieurs éléments au cours de sa première période.

D'une part, il se rend en Italie, peut-être sous l'influence de son professeur à l'École des Beaux-Arts, Abel de Pujol, qui s'intéresse aux scènes mythologiques et bibliques, car c'est encore en Italie que de nombreux artistes se rendent pour étudier les anciens maîtres italiens et s'initier à la peinture de paysage.

Le prix de Rome décerné par l'Académie continue d'encourager les étudiants à chercher dans ce pays une source d'inspiration artistique.

En outre, il se rend en Algérie, se liant ainsi à l'orientalisme, c'est-à-dire à l'engouement pour tout ce qui est «oriental».

Alors que la France s'intéresse de plus en plus à son rôle de puissance coloniale, elle encourage les artistes à se rendre en Afrique du Nord.

Les artistes y découvrent un environnement et une culture entièrement nouveaux, et nombre d'entre eux resteront fidèles à ce thème tout au long de leur carrière.

Si Caraud a d'abord tâté de nombreuses autres sources d'inspiration, il est clair qu'au Salon de 1857, il a laissé l'Italie et l'Algérie derrière lui et a commencé à travailler davantage sur les scènes qui feront sa renommée, des tableaux historiques et anecdotiques fortement influencés par l'époque de Louis XV et la vie de Marie-Antoinette.

En 1857, il expose notamment La Reine Marie-Antoinette au Petit-Trianon, une scène directement inspirée de cette période historique.

Il reçoit sa première médaille, de troisième classe, au Salon de 1859 lorsqu'il expose Representation d'Athalie devant le Roi Louis XIV par les Demoiselles de Saint-Cyr, entre autres, et reçoit une autre médaille, de deuxième classe cette fois, en 1861 pour des œuvres qui incluent celles basées sur des activités religieuses.

Ses œuvres, qui rappellent les thèmes et le style du XVIIIe siècle, contrastent fortement avec le sens dominant du réalisme qui imprègne de nombreuses œuvres de cette période en France et qui cherchent à documenter la vie quotidienne dans le pays.

Ces artistes réalistes ont basé leurs compositions sur une palette sombre et n'ont pas hésité à dépeindre les scènes les plus sombres de l'existence parisienne.

Pour Caraud, les images décadentes se concentrent sur le faste de la haute bourgeoisie, rendant chaque détail de manière précise, prenant grand soin de représenter les tissus portés par ses sujets, une préoccupation qui découle des maîtres antérieurs des XVIIe et XVIIIe siècles.

Il a été écrit à propos de cette œuvre qu'«il rend merveilleusement les vêtements, les meubles, les regards et les types. Tous ses sujets poudrés, musqués, enrubannés semblent sortir du Trianon» (Annales de l'Académie de Mâcon, 1881, cité dans Le Base Joconde). Caraud a peut-être aussi été influencé par les réalistes, mais jusqu'à ce qu'un plus grand nombre de ses œuvres soient mises au jour, l'exploration de ses thèmes reste conjecturale.

Malgré la possibilité qu'il ait travaillé sur des thèmes réalistes, il est surtout connu pour ses scènes anecdotiques basées sur le dix-huitième siècle.

Ces thèmes trouvent un écho auprès des jurys du Salon et du public.

La demande pour ses images est devenue si importante qu'elles ont été reproduites sous forme de gravures pour être diffusées parmi les masses, afin que chaque personne qui le souhaite puisse avoir un Caraud accroché dans sa maison.

Son intérêt pour la belle femme est similaire à celui de son contemporain James Tissot, qui, au début de sa carrière, a peint des femmes à la mode dans des costumes historiques.

Le dix-huitième siècle revêt une importance quasi mythique pour l'Europe bourgeoise du siècle suivant. L'artiste G.A. Storey a déclaré: «Il ne fait aucun doute que le manque de goût en matière d'habillement et d'autres aspects oblige souvent l'artiste à présenter ses fantaisies dans les costumes d'époques où les articles vestimentaires étaient en eux-mêmes des œuvres d'art, plutôt que dans les modes changeantes du jour qui, dans un an ou deux, non seulement paraissent démodées, mais se distinguent par leur laideur et leur vulgarité naturelles».

En 1867, il reçoit la plus haute distinction française et est nommé Chevalier de la Légion d'Honneur.

Il participe également à l'Exposition Universelle de 1889 à Paris où il obtient une médaille de bronze. Caraud continue à participer aux salons et expositions parisiens jusqu'en 1902, date à laquelle il expose pour la dernière fois le Jardin des Tuileries.

Il meurt en 1905, sans que l'on connaisse la date exacte de son décès.

Dans ses œuvres inspirées des scènes de genre du XVIIIe siècle, Caraud a trouvé un public sympathique et est devenu un artiste très demandé, comme en témoigne le fait que nombre de ses tableaux les plus populaires ont été largement reproduits pour répondre à l'attente du public.

Mais il faudra attendre la découverte d'un plus grand nombre de ses œuvres pour pouvoir évaluer la diversité de son travail. Néanmoins, sa place dans les annales de la peinture anecdotique du XIXe siècle est assurée.

Jacqueline Comerre-Paton, née le 20 avril 1859 à Paris et morte le 11 mai 1955 au Vésinet, était une artiste-peintre française.

Jacqueline Fleurichamp est la fille de l'autrice Émilie Paton et du chroniqueur financier Jules Paton (né Fleurichamp). Épouse du peintre Léon Comerre, elle était liée d'amitié avec la peintre portraitiste Fanny Caillé qui a reproduit l'un de ses tableaux les plus célèbres, At the spring.

Elle entre à l'École des beaux-arts de Paris où elle est l'élève d'Alexandre Cabanel.

Membre de la Société des artistes français, elle obtient une mention honorable au Salon des artistes français de 1882 et sociétaire du Salon d'hiver, y expose en 1929 la toile Sonioutchka.

Antonio Rotta, né le 28 février 1828 à Gorizia et mort le 10 ou 11 septembre 1903 à Venise, était un peintre italien, principalement de scènes de genre.

Antonio Rotta, né le 28 février 1828 à Gorizia, est le fils d'Antonio Lodovico Rotta et de Gioseffa Stubel, qui dirigeaient un lieu connu sous le nom de Caffè Pedocio, dans le quartier de Corno, Antonio Rotta a appris les premiers rudiments de la peinture auprès de Vincenzo Cristofoletti. Cependant, ce n'est que grâce à l'intérêt et au soutien financier de Carlo de Catinelli, ancien officier de l'armée et mécène de quelques jeunes artistes de Gorizia comme Giuseppe Battig, que le jeune peintre a pu s'inscrire à l'Académie des Beaux-Arts de Venise, où il arrive en 1841, et commence à suivre les cours d'Odorico Politi et de Ludovico Lipparini, rencontrant Angiolina, fille de Lattanzio Querena, qu'il finit par épouser.

Rotta poursuit ses études à l’Académie des beaux-arts de Venise sous Ludovico Lipparini. Ses premières peintures de genre de scènes vénitiennes sont suivies par un certain nombre de peintures religieuses et d'histoire, parmi lesquelles Titien instruisant Irene di Spilimbergo. Il revient à la peinture de genre, et produit beaucoup de scènes de la vie vénitienne, comportant souvent des enfants, dont l'un des plus connus est Le Cordonnier.

À l'occasion de sa Biennale de 1932 et avec l'approbation de la commission artistique composée d'Italico Ottone, d'Elio Zorzi et de Domenico Varagnolo, la ville de Venise souhaite exposer dans une section dédiée avec une mention spéciale, les œuvres posthumes d'Antonio Rotta, pour célébrer les trente ans de la Biennale de Venise, avec l'intention de commémorer le caractère intime de la peinture vénitienne de la fin du XIXe siècle, considérée comme un moment très important de l'histoire de l'art à travers le monde.

Beaucoup de ses œuvres ont été vendues à l'étranger. En 1891, il expose à Berlin.

Rotta, marié à une fille de Lattanzio Querena, a un fils, le peintre Silvio Giulio Rotta.

Il meurt le 11 septembre 1903 à Venise.

Rotta est présent dans les collections de nombreuses familles royales et de la haute noblesse du monde, dont celui du roi d'Italie Victor-Emmanuel III, et de l'empereur du Mexique Ferdinando Massimiliano de Habsbourg qui en 1857 acheta l'œuvre Festa di Santa Marta.

Lors d'une vente aux enchères Sotheby's à Londres en 2001, Une fête de l'eau vénitienne Antonio Rotta (Una festa Veneziana, 1863), une huile sur toile, vendue 158000 euros plus les frais de vente.

Edwin Thomas Roberts est né à Londres dans les années 1840 et est décédé en 1917. Il était le fils de Thomas Edward Roberts qui était également artiste.

Roberts utilisait régulièrement des enfants dans ses œuvres et les représentait de manière charmante et idéaliste. Ce style d'art s'est avéré extrêmement populaire auprès du public victorien de l'époque et son travail est encore largement admiré aujourd'hui car il représente l'âge d'or de l'art et de la sentimentalité victoriens.

Edwin Thomas Roberts a exposé à la Royal Society of British Artists et à la Royal Academy.

Giulio Del Torre ou Giulio del Torre, né le 21 décembre 1856 à Romans d'Isonzo (Empire d'Autriche) et mort le 1er janvier 1932 dans la même ville (Royaume d'Italie) était un peintre austro-italien.

Peintre de genre, il est connu pour ses scènes enfantines.

Giulio Del Torre est originaire de Romans d'Isonzo dans le comté de Gorizia. Fils du docteur Camillo Del Torre, il est né dans une famille aisée et a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne auprès de Karl von Blaas, puis à Rome et à Venise. Il s'installe ensuite à Turin, où il eut un fils, puis à Gradisca d'Isonzo. Il meurt dans sa ville natale le 1er janvier 1932.

L'œuvre Giulio Del Torre est principalement consacrée aux scènes de genre et aux portraits illustrant la vie dans le nord de l'Italie . Ses représentations d'enfants de rue, en vêtements déchirés dont le plus connu est Le Vendeur d'allumettes existant en plusieurs versions. Ses compositions sont déterminées par une palette de couleurs terreuses avec des nuances de bleu et de gris sur des arrière-plans dépouillés. Une de ses spécialités consiste dans le haut niveau de détail qui anime ses compositions nostalgiques. La première exposition de l'artiste a eu lieu à Gorizia en 18883. Divers tableaux de sa composition sont conservés dans les musées européens.