Ernst Nowak était un peintre autrichien né le 7 janvier 1851 à Opava, en République tchèque, et mort le 30 mai 1919 à Vienne, en Autriche.

Il est surtout connu pour ses scènes religieuses, ses scènes de genre et ses portraits. Il a suivi l'enseignement de Carl Wurzinger (1817-1883) et d'August Eisenmenger (1830-1907) à l'Académie de Vienne. Plusieurs de ses œuvres sont conservées dans des musées.

Henriëtte Ronner-Knip, née le 31 mai 1821 à Amsterdam et morte le 28 février 1909 à Ixelles, était une peintre animalière belgo-néerlandaise.

Henriëtte est le deuxième enfant du peintre Josephus-Augustus Knip (1777-1847) et de Cornelia van Leeuwen (1790-1848). Élève de son père, elle débute très jeune par la peinture d'animaux, de paysages et de natures mortes.

Henriëtte épouse le 14 mars 1850 à Amsterdam Feico Ronner (1819-1883), originaire de Dokkum. Ils eurent six enfants, Marie-Thérèse (1851-1852), Alfred Feico (1852-1901), Edouard (1854-1910), Marianne Mathilde (1856-1946), Alice (1857-1957) et Stéphanie-Emma (1860 -1936). Alfred, Alice et Emma devinrent artistes et Edouard avocat.

Henriëtte et Feico Ronner s'installent à Bruxelles en 1850, après leur mariage, où ils habitèrent successivement
- Rue de la Régence, 7 (de 1850 à 1854)
en 1852, cependant, ils habitèrent rue du Lait battu à Saint-Josse-ten-Noode
- Avenue Rogier, 157 (de 1854 à 1856)
- Chaussée d'Etterbeek, 172 (de 1856 à 1871)
- Rue du Maelbeek (de 1871 à 1873)
- Rue de la Vanne, 19 (de 1873 à 1878)
- Chaussée de Vleurgat, 51 (de 1878 à 1903)
- Rue Gachard, 43 (de 1903 à 1909), chez ses filles

Elle se spécialise dans la peinture animalière, au début surtout des chiens puis, à partir de 1870, presque exclusivement des chats, pour lesquels elle parvient avec une grande virtuosité à représenter le détail du pelage. Elle reçoit de nombreuses commandes notamment de la Cour belge mais aussi de notables anglais.

Charles Verlat, né le 25 novembre 1824 à Anvers et mort dans la même ville le 23 octobre 1890, était un peintre et un graveur belge.

Son large champ pictural couvre la peinture d'histoire, les scènes de genre, les représentations animales, les sujets d'art sacré et les œuvres orientalistes.

Étudiant à l'académie des beaux-arts d'Anvers, il bénéficie également de l'enseignement de Nicaise de Keyser, une des figures majeures de l'école de peinture historique romantique belge. Après quelques premiers succès en Belgique, Charles Verlat s'établit à Paris (1850-1868) où il fréquente Gustave Courbet qui influence sa palette.

En 1869, Verlat est nommé directeur de l'école des beaux-arts de Weimar. De retour à Anvers, en 1875, il effectue un important séjour en Palestine avant de revenir définitivement dans sa ville natale en 1877 jusqu'à sa mort en 1890.

Michel Marie Charles Verlat naît à Anvers en 1824. Il est le fils de Charles Joseph Henri Verlat, un fabricant de savon, d'huile et de soude et de Caroline Catherine Antonie Jacobs. À douze ans, Charles Verlat réalise une reproduction de La prise de Constantine, d'après Horace Vernet, qui est ensuite exposée dans la vitrine du marchand d'art Tessaro à Anvers. Sa mère est une femme avertie quant aux arts qui incite son fils à étudier le dessin auprès du sculpteur Johannes Antonius van der Ven à l'académie royale des beaux-arts d'Anvers.

Étudiant à l'académie d'Anvers, Charles Verlat est également l'élève du cours privé de Nicaise de Keyser, l'une des figures clés de l'école de peinture historique romantique belge. Verlat est remarqué dès 1842 pour son tableau Pépin le Bref tuant un lion qu'il envoie l'année suivante au salon triennal d'Anvers. Ses premiers tableaux s'inspirent de l'école romantique belge et traitent d'événements marquants de l'histoire de Belgique. Il se met aussi progressivement à peindre des scènes animalières, ainsi que des scènes de genre. En 1845, il expose son Carloman à la chasse au sanglier au salon de Bruxelles de 1848. Trois ans plus tard, il propose au Salon de Bruxelles de 1851: Le Sommeil et Loups se disputant une proie. En 1849, il peint sa première composition religieuse destinée à l'église Saint-Gommaire de Lierre. Il participe au Prix de Rome de Belgique en 1847, le sujet est Le Baiser de Judas, mais le jeune artiste ne l'emporte pas, probablement en raison de son incapacité partielle due à un bras cassé. En 1849, il reproduit le même thème destiné à l'église de Tienen, la commune natale de son père. Heureusement, un riche parent, Albert Marnef van Wespelaer, lui verse en 1849 une allocation qui lui permet de poursuivre ses études pendant quatre ans.

En 1850, Charles Verlat s'installe à Paris où il travaille sous la direction d'Ary Scheffer. Il envoie deux tableaux au salon de Bruxelles de 1851: Romulus et Remus et La Vierge et l'Enfant Jésus. En 1852, Verlat dispose de son propre atelier à Paris, il réside Place de la Barrière à Montmartre, mais travaille à la cité Frochot où œuvrent également Philippe et Théodore Rousseau, cofondateur de l'école de Barbizon, ainsi qu'Eugène Isabey. Même s'il est établi en France, il reçoit plusieurs commandes officielles de Belgique, comme en témoigne sa composition Godefroid de Bouillon durant l'assaut de Jérusalem, exposée au Salon de Bruxelles de 1854. En 1855, il emporte une médaille à l'exposition universelle de Paris pour son Tigre attaquant un troupeau de buffles et, en 1858, il expose Le Coup de collier au salon de Paris. Pendant son séjour à Paris, il fréquente notamment Hippolyte Flandrin et Thomas Couture et se lie d'amitié avec Gustave Courbet. À Paris, Verlat subit l'influence du réalisme de Gustave Courbet lorsqu'il peint La Lourde charge en 1867. Il est la cible du Charivari qui raille la composition. En revanche, sa Piéta, présentée au salon de 1867, lui vaut le grade de chevalier de la Légion d'honneur.

Invité par le grand-duc Charles-Alexandre de Saxe-Weimar-Eisenach, il est nommé directeur de l'école des beaux-arts de Weimar en 1869. Parmi ses élèves, figure Max Liebermann. Il y peint plusieurs portraits, dont un de la grande-duchesse Sophie des Pays-Bas et un autre de Franz Liszt, dont il devient un ami personnel. Favorablement apprécié par le grand-duc, il enseigne à ses filles Marie-Alexandrine et Élisabeth et reçoit en 1874 l'ordre du Faucon blanc. Parmi les professeurs, on retrouve à Weimar d'autres Belges comme Alexandre Struys, Willem Linnig (le jeune) ou Ferdinand Pauwels.

Peu après son retour à Anvers en 1875, il entreprend au mois d'août un voyage de près de deux ans au Moyen-Orient, en Égypte, en Palestine et en Syrie. Il est motivé par le désir d'étudier la vie réelle des modèles de ses peintures religieuses. De ce séjour, Verlat rapporte une cinquantaine de tableaux, parmi lesquels: Vox populi (1876), Vox dei, Le tombeau du christ et la Fuite en Égypte (1877). Il expose ses œuvres «orientales» à Weimar, Anvers, Bruxelles et Londres où elles recueillent un beau succès.

De retour à Anvers en mai 1877, où il s'établit définitivement, il est nommé professeur de peinture à l'Académie d'Anvers en remplacement de Joseph Van Lerius, mort l'année précédente. Il devient directeur de l'académie en 1885. En 1877-1878, il fait construire à Anvers un hall d'exposition en bois, pour y accrocher ses compositions exécutées lors de son voyage en Palestine. La salle Verlat accueille par la suite de nombreuses expositions de groupes. En 1884, Charles Verlat soutient les membres du cercle artistique Als ik Kan, fondé par de jeunes artistes qui tiennent leurs 24 premières expositions.

Lorsque Vincent van Gogh étudie durant une brève période à l'académie d'Anvers en 1886, Charles Verlat et lui se disputent sur le style de dessin non conventionnel de Van Gogh.

Le 23 octobre 1890, malade depuis quelques mois après son accident vasculaire cérébral et sans avoir recouvré ses forces, Charles Verlat, meurt, âgé de 65 ans, en son domicile, Mutsaard, 29, à Anvers. Le 27 octobre 1890, ses funérailles civiles sont célébrées à Anvers avec les honneurs militaires (dus aux commandeurs de l'ordre de Léopold) et il est inhumé au cimetière du Kiel.

Charles Verlat est un artiste polyvalent qui pratique la peinture, l'aquarelle et la gravure. Il est aussi un dessinateur passionné. Ses sujets sont variés et comprennent des peintures d'animaux, des portraits, des compositions religieuses, des œuvres orientalistes, des scènes de genre, y compris un certain nombre de singeries et quelques natures mortes. Il a d'abord été influencé par les professeurs de l'Académie d'Anvers qui étaient partisans de l'école romantique belge et a prêché un retour au glorieux style baroque flamand pour traiter des événements majeurs de l'histoire de la Belgique. Il est ensuite inspiré par d'autres mouvements artistiques contemporains: les idéalistes allemands qu'il connaît grâce à Ary Scheffer à Paris et le réalisme de Gustave Courbet. Durant son séjour en Palestine, sa palette s'estompe et perd son éclat flamand. Malgré ces nombreuses influences, sa principale inspiration est l'œuvre des maîtres baroques flamands: Rubens, van Dyck et Jordaens. Il a retrouvé sa palette plus colorée après son retour à Anvers.

Au cours de sa vie, il a été reconnu comme un important peintre animalier. Il était capable de rendre les animaux d'une manière vivante et réaliste. L'une de ses premières œuvres animalières a été acquise par le peintre animalier anglais Edwin Landseer. L'un des exemples les plus connus de son art dans ce domaine est La Défense du troupeau. Peint pendant sa résidence en Palestine, il relève de la palette sourde qu'il a adoptée pendant cette période. Il montre le type de représentation dynamique des interactions animales que l'on peut voir uniquement dans les peintures animalières des premiers animaliers flamands tels que Frans Snyders. Verlat a aussi peint de nombreuses œuvres dans le genre des singeries, c'est-à-dire des représentations humoristiques de singes se livrant à des activités humaines. Les singes dans les scènes sont souvent vêtus de costumes qui ajoutent de la comédie à leur «singe» d'une action humaine spécifique (souvent un vice comme fumer ou jouer) ou d'une profession telle que critique d'art, dentiste, peintre, musicien, etc.

Au-delà des représentations animalières et des portraits, Charles Verlat a également réalisé de vastes panoramas, comme La Bataille de Waterloo (122 mètres de long et 10 mètres de haut et dont les paysages sont du pinceau de l'anversois Auguste De Lathouwer) en 1881 et Le Traité de San Stefano en 1882. Un troisième panorama, commandé à Chicago, devait représenter La Terre Sainte, mais n'a pu être réalisé en raison de la mort du peintre.

Charles Verlat a également créé quelques gravures originales au début des années 1880, dont un autoportrait. Il a travaillé directement sur l'assiette sans autre préparation ce qui donne à ces œuvres un aspect spontané.

Jean-Marc Nattier, né le 17 mars 1685 à Paris où il est mort le 7 novembre 1766, était un peintre français.

Fils du portraitiste Marc Nattier et de la miniaturiste Marie Courtois, et frère du peintre Jean-Baptiste Nattier, Jean-Marc Nattier eut un talent précoce : à quinze ans il remporta le premier prix de dessin de l’Académie.

Jouvenet, son parrain, sollicita pour lui une place vacante à l’Académie de France à Rome, mais le jeune lauréat préféra rester à Paris et user de la permission qu’il avait obtenue de dessiner, pour les faire graver, les tableaux de la galerie de Rubens au Luxembourg commandés par Marie de Médicis. La célébrité lui fut prédite par Louis XIV, qui lui dit, en voyant quelques-uns de ses dessins: «Continuez, Nattier, et vous deviendrez un grand homme».

En 1713, il fut reçu membre agréé de l’Académie. Deux ans plus tard, cédant aux instances de l’envoyé de Pierre Ier le Grand à Paris, il consentit à se rendre à Amsterdam, d’où il devait passer en Russie à la suite du tsar. Mais, après avoir fait le portrait de l'épouse secrète de Pierre le Grand (depuis 1707), devenue son épouse officielle en 1712, la future impératrice Catherine 1ère (de 1725 à 1727), et un tableau représentant la bataille de Poltava, il revint sur sa détermination première, et étant revenu à Paris ne put se décider à quitter son pays. Pour autant, lorsque Pierre 1er vint visiter la France en 1717, il se fit peindre un portrait par Nattier.

Il est élu membre de l’Académie le 29 octobre 1718, sur la présentation d’un tableau de Phinée et ses compagnons pétrifiés par la tête de Méduse (musée de Tours).

Il épouse le 26 janvier 1724, à l'église Saint-Roch, Marie Madeleine de la Roche3 avec qui il aura un fils, Jean Marc Nattier (1734-1754) et trois filles:
- Marie Pauline Catherine Nattier (1725-1775) qui épouse en 1747 le peintre Louis Tocqué
- Charlotte Claudine Nattier (1730–1779) mariée en 1754 avec François Philippe Brochier, secrétaire d’ambassade puis consul
- Madeleine Sophie Nattier mariée 1° en 1763 avec le peintre Charles-Michel-Ange Challe (1718-1778); 2° en 1798 avec Jean Guillaume Bertrand, veuf de Catherine Silvie

Nattier avait partagé l’engouement presque général pour le système de Law. La déconfiture de la banque et la perte d’un procès de famille assez important le laissèrent sans autres ressources que celles qu’il pouvait tirer de son talent. À partir de ce moment, Nattier se met à peindre plus particulièrement des portraits4, et se fait promptement une grande réputation en ce genre.

Le 26 mars 1746, il est nommé professeur. Mélangeant réalisme et fantaisies en insérant des personnages mythologiques dans ses œuvres, il expose aux différents salons de 1737 à 1763 et figure aujourd’hui comme l’un des plus grands portraitistes du XVIIIe siècle.

Le chevalier d’Orléans, grand prieur de France, le charge d’achever la décoration, commencée par Raoux, d’une des galeries de son hôtel, et lui donne un logement au Temple.

Portraitiste officiel de la famille d’Orléans puis de la cour de Louis XV en 1748, il peint tous les personnages marquants de son temps, et parmi eux le maréchal de Saxe (musée de Dresde), l’impératrice Marie-Thérèse (musée de Bruxelles), la reine Marie Leszczyńska; mesdames Henriette et Adélaïde, filles du roi, qui figurèrent au salon de 1758 et sont au musée de Versailles; le Dauphin; la Dauphine; mesdemoiselles de Beaujolais, de Chartres, de Clermont; etc.

À la mort du chevalier d’Orléans, grand prieur de France, en 1748, le prince de Conti fait vendre au profit de l’ordre de Saint-Jean de Jérusalem tous les tableaux et autres objets lui ayant appartenu. Nattier, touché de voir vendre, sous ses yeux et à l’encan, des tableaux qui lui avaient coûté des soins et des travaux infinis, y met l’enchère, et les rachète.

Autant le début de sa carrière avait été brillant, autant les dernières années de Nattier sont remplies de chagrin. «Bien avant que d’être hors d’état de pouvoir toucher le pinceau, il fut malheureux. La guerre, le fléau des arts, l’inconstance du public, le goût de la nouveauté, tout se réunit pour lui faire éprouver le plus triste abandon. À cette grande affluence à laquelle il était accoutumé succéda une désertion presque totale; enfin, il ne lui resta plus de ses grandes occupations que quelques ouvrages à finir pour la cour commencés dans des temps plus heureux.»

Aux chagrins qu’il ressent de l’abandon du public et de ses anciens protecteurs vient se joindre une douleur plus grande encore. Nattier avait envoyé en Italie son fils, qui lui donnait les plus grandes espérances, pour y achever ses études de peinture. Six mois après son arrivée à Rome, le jeune homme se noie en se baignant dans le Tibre.

À la fin de sa vie, Nattier est réduit à un état voisin de la misère après avoir échoué à obtenir une pension, qu’il avait sollicitée le 27 juin 1754, ressentant les premières atteintes d'un mal qui devait le retenir au lit pendant les quatre dernières années de sa vie. Vieux, pauvre et malade, Nattier est recueilli par son gendre, le peintre Charles-Michel-Ange Challe chez lequel il meurt en novembre 1766, âgé de 81 ans.

Jean-Marc Nattier a donné son nom à une nuance de bleu dite bleu Nattier, qui est intermédiaire entre le bleu roi et le bleu marine.

Norman Rockwell, né à New York le 3 février 1894 et mort le 8 novembre 1978 à Stockbridge (Massachusetts), était un illustrateur américain. Il est célèbre pour avoir illustré de 1916 à 1963 les couvertures du magazine The Saturday Evening Post, où il représenta dans un style naturaliste et réaliste, la vie quotidienne aux États-Unis dans l'entre-deux-guerres et l'après-guerre.

Lors de la Seconde Guerre mondiale il participe à l'effort de guerre en réalisant la série d'affiche Les Quatre Libertés qui illustre un discours du président Franklin Delano Roosevelt. Marqué par la tradition de l'illustration de livres d'aventures du XIXe siècle, représentée par Howard Pyle et N. C. Wyeth, il travaille aussi pour des éditeurs notamment en illustrant Les Aventures de Tom Sawyer, ainsi que pour le cinéma et la publicité. Sa collaboration la plus longue est avec l'organisation des Boy Scouts of America de 1913 à 1976 pour qui il illustre chaque année le calendrier, et le magazine Boy's Life.

Vers la dernière partie de sa carrière il évolue vers des thèmes politiques et sociétaux, en illustrant pour la revue Look des articles sur le Corps de la paix ou la ségrégation raciale aux États-Unis. La plus grande partie de ses œuvres est conservée dans le musée qui porte son nom à Stockbridge.

Dès son enfance, Norman Rockwell présente des prédispositions pour le dessin et entre en 1908 à la Chase School of Fine and Applied Arts. En 1910, il abandonne ses études et entre à l'Art Students League of New York, où il perfectionne sa technique auprès de George Bridgeman et Thomas Fogarty. La même année, il illustre son premier livre, Tell me why, Stories, et commence une longue collaboration avec le mouvement des boy-scouts des États-Unis en illustrant la revue Boys' life.

En 1916, il se rend à Philadelphie siège du magazine The Saturday Evening Post et propose trois couvertures au directeur de la revue George Horace Lorimer, qui sont acceptées. Il devient dès lors le peintre de l'Américain moyen et son nom est identifié à cette revue dont il réalise les plus célèbres illustrations et couvertures jusqu'en 1963. En 1935, il illustre les romans de Mark Twain, Tom Sawyer et Huckleberry Finn. En 1942, il participe à l'effort de guerre en publiant Les Quatre Libertés qui acquièrent une célébrité mondiale. Dans les années 1950, il est considéré comme le plus populaire des artistes américains et fait les portraits d'Eisenhower, de Kennedy et de Nasser.

Les années 1960 voient le déclin de l'illustration au profit de la photographie et le changement de directeur artistique amène Rockwell à quitter le Saturday Evening Post. À partir de 1964, il travaille pour la revue Look et illustre des thèmes plus en relation avec les convulsions politiques du temps. Sa plus célèbre illustration pour Look, Notre problème à tous (1964), représente une petite fille noire américaine se rendant à l'école, escortée par des agents fédéraux, en pleine période ségrégationniste. Vers la fin de sa vie, il fait encore des affiches publicitaires et le calendrier des boy-scouts jusqu'en 1976.

L'art de Norman Rockwell se situe dans une période charnière de l'histoire de l'illustration. Il est l'héritier de la tradition américaine du XIXe siècle et tout particulièrement de Howard Pyle, qui en fut l'un des plus importants représentants par ses livres d'aventures et qui l'influença très profondément. Dans la continuité de Joseph Christian Leyendecker, sa peinture est représentative d'une nouvelle manière qui s'imposera avec l'essor des magazines illustrés entre les années 1920 et 1950. Il fait la synthèse entre ces deux courants et, par son style précis et méticuleux, il annonce l'hyperréalisme.

Outre Pyle et Leyendecker, Norman Rockwell fut influencé par des maîtres de l'art occidental: Vermeer, Frans Hals, Chardin, pour leurs scènes d'intérieurs, ainsi que les peintres Meissonier et Gérôme pour le travail sur les détails minutieux, ou le portraitiste John Singer Sargent. On trouve aussi des réminiscences de Winslow Homer dans ses illustrations de Tom Sawyer. Les illustrateurs anglais de l'époque victorienne ont eu aussi une grande influence, tels ceux des ouvrages de Charles Dickens ou de Lewis Carroll, Hablot Knight Browne, Arthur Rackham et John Tenniel. À son tour, Norman Rockwell influencera nombre d'illustrateurs.

Norman Rockwell a expliqué son travail technique dans deux ouvrages, My Adventures as an Illustrator et Rockwell on Rockwell: how I make a picture. Il commençait par choisir son sujet, dont il faisait plusieurs esquisses et croquis pour élaborer l'idée de départ, puis il réalisait un dessin au fusain très précis au format identique à celui de la toile définitive. Il reportait ce dessin sur la toile et commençait la peinture proprement dite. Il peignait à la peinture à l'huile très diluée à l'essence, chaque couche était recouverte de vernis à retoucher, ce qui aura des conséquences néfastes pour la conservation de certaines de ses toiles, le vernis jaunissant de manière irrémédiable.

À partir des années 1930, Rockwell ajoute un nouvel auxiliaire à son travail, la photographie, ce qui lui permet de travailler avec ses modèles sans leur imposer des temps de pose trop longs. Le procédé aura une influence sur son œuvre en orientant sa peinture vers le photoréalisme.

Le style de Norman Rockwell a été qualifié de storyteller (narratif). Comme illustrateur, il faisait en sorte que ses œuvres soient en parfaite correspondance avec les textes qu'il illustrait (c'est le cas de Tom Sawyer). Pour ses couvertures de magazines, chaque détail avait un rôle dans la narration de la scène. Son travail a évolué d'un naturalisme hérité du XIXe siècle à une peinture plus précise dans sa période la plus prolifique. Il use aussi de la caricature pour accentuer le caractère comique de certaines situations.