Rudolf Epp (30 juillet 1834 à Eberbach - 8 août 1910 à Munich) était un peintre réaliste allemand, classé dans l'école de Munich.

Rudolf Epp est né en 1834 à Eberbach am Neckar, fils d'un peintre décorateur. Après avoir dessiné et pratiqué l'art de sa propre initiative dès sa jeunesse, il reçut son premier enseignement du peintre paysagiste Karl Ludwig Seeger. Il étudia ensuite à l'école d'art du Grand-Duché de Bade à Karlsruhe en tant qu'élève de Johann Wilhelm Schirmer et de Ludwig Des Coudres et fréquenta l'académie d'art de Düsseldorf.

En raison de son talent évident, il fut exempté de service militaire par le régent de l'époque et futur grand-duc Frédéric Ier de Bade. Une commande grand-ducale ainsi que des moyens financiers supplémentaires permirent à Epp d'effectuer un voyage d'étude en Forêt-Noire. Vers 1859, il réalisa de nombreuses études de paysages dans la région de Fribourg-en-Brisgau et de Landstuhl.

En 1862, il épousa Katharina, née Steibl. Après la mort de Schirmer, il s'installa en 1863 à Munich, considérée comme le centre de l'art. C'est surtout Carl Theodor von Piloty, qui deviendra directeur de l'académie de 1874 à 1886, qui le fascine. A Munich, Epp s'est rapidement forgé une bonne réputation en tant que peintre très demandé.

En 1868 naît son fils Franz Ritter von Epp, qui sera plus tard anobli en tant qu'officier; en 1870 suit la naissance de sa fille Helene, puis en 1871 celle de sa deuxième fille, Augusta Anna. Elle resta célibataire jusqu'à la mort d'Epp et vécut dans l'appartement parental. Augusta Anna a servi de modèle à son père pour différents portraits et représentations figuratives.

Rudolf Epp a travaillé comme peintre jusqu'à un âge avancé. Il est décédé en 1910 à Munich. Son héritage a été conservé pendant plusieurs années à la Lenbachhaus, la luxueuse villa de son ami peintre Franz von Lenbach, décédé en 1904, à Munich. Une partie de sa succession a été vendue aux enchères en 1914 chez Hugo Helbing à Munich.

La rue Rudolf Epp à Eberbach porte son nom.

C'est surtout après le milieu du 19e siècle que d'innombrables peintres de toute l'Allemagne se sont installés à Munich, considérée à l'époque comme le centre de l'art allemand, et parmi eux de nombreux peintres de l'ancien Grand-Duché de Bade. Rudolf Epp est représentatif de beaucoup de ces artistes qui sont rapidement tombés dans l'oubli et qui sont aujourd'hui encore regroupés sous le terme générique d'«école de Munich». Epp a su rester fidèle à ses formes d'expression artistique et ne pas tomber dans les clichés artificiels et exagérés de la classe d'acheteurs bourgeois. Ses motifs sont proches de la vie et décrivent la vie à la fin du 19e siècle, sans porter de jugement. C'est ce qui les rend encore aujourd'hui attrayants et en fait des témoignages précieux du point de vue de l'art et de l'histoire culturelle. Il s'agissait d'un petit maître en recherche constante et en évolution, qui, même après cinq décennies de peinture, ne s'est pas figé dans la routine artistique, mais est resté varié dans son style. Le nombre de ses œuvres se compte en centaines. Il a peint de nombreux motifs à plusieurs reprises.

Son œuvre se compose principalement de petites pièces de genre. La finesse des atmosphères et l'association habile de paysages finement colorés et de personnages naturels sans artifice ont été largement reconnues par le public. L'art de Rudolf Epp était également apprécié outre-Atlantique, et un nombre considérable de ses tableaux ont été vendus aux États-Unis de son vivant et ont été diffusés non seulement sous forme d'originaux, mais aussi de reproductions. Les motifs d'après Epp ont orné les premiers magazines illustrés vers 1890. Des cartes postales en couleur (lithographies) avec des motifs d'Epp ont été distribuées aussi bien en Europe qu'en Amérique du Nord. Certains de ses tableaux faisaient partie de la commande spéciale de Linz mise en place par Hitler et sont devenus la propriété de la République fédérale d'Allemagne après la Seconde Guerre mondiale. Aujourd'hui encore, les motifs d'après Epp sont très appréciés en tant qu'impressions d'art ainsi que comme modèles pour les tapisseries.

Les œuvres de Rudolf Epp se trouvent dans de nombreuses collections publiques, notamment à la Kunsthalle Mannheim, à la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, à la Kunsthalle Bremen, au Wallraf-Richartz-Museum (Cologne) et à la Neue Pinakothek (Munich). Trois œuvres sont également en possession de la Widener University Art Collection & Gallery, Chester, Pennsylvanie.

Jules Ruinart de Brimont, faussement appelé Ruinart de Brinant (16 novembre 1836 à Coblence, province du Rhin - 26 mai 1898 à Rilly-la-Montagne, département de la Marne), était un peintre français de portraits, de genre et de paysages de l'école de Düsseldorf.

Ruinart de Brimont, fils de Remy Auguste Ruinart (1797-1881) et d'Émilie Jeanne Albertine Tesche (1807-1881), descendant de la famille noble Ruinart de Brimont, dont le nom est étroitement lié à la maison de champagne Ruinart, a très tôt un penchant pour le dessin. À l'âge de quatorze ans, ses parents l'ont envoyé à l'Académie royale des Beaux-Arts d'Anvers. À l'âge de dix-huit ans, il se rendit à Düsseldorf, où il devint l'élève privé du peintre de genre Rudolf Jordan. Il gagna ensuite sa vie pendant un certain temps en tant que portraitiste. A cette époque, il était invité dans les châteaux de la noblesse pour faire le portrait des propriétaires et des membres de leur famille, par exemple dans les maisons des familles von Lilien, Fürstenberg, Bodelschwingh et Wedel. Une fois qu'il eut réuni assez d'argent pour un Grand Tour, il partit pour une période en Italie, où il séjourna six mois à Rome et six autres mois à Capri. Il s'inscrit ensuite à l'académie des arts de Düsseldorf pour se perfectionner dans la peinture de paysages. Dans les années 1866/1867, il y fut l'élève de la classe de paysagistes d'Oswald Achenbach. A Düsseldorf, où il fit entre autres la connaissance de Mihály von Munkácsy, Michail Jakowlewitsch Wylie et Arthur Calame, il fut membre de l'association artistique Malkasten de 1859 à 1871 et en 1873/1874 . Pendant la guerre franco-allemande, Ruinart de Brimont s'installa à Rilly-la-Montagne, où il mourut plus tard. De là, il entreprit de nombreux voyages en Belgique, aux Pays-Bas, en Angleterre, en Allemagne, en Bohème, en Italie et en Espagne. En 1888, il participa non seulement au Salon de Paris, mais aussi à l'Exposición Universal de Barcelone. À Barcelone, où il reste jusqu'en 1890, il est également correspondant du Monde Illustré.

Daniel Hernández Morillo dit Daniel Hernandez, né à Huancavelica (province de Tayacaja) en 1856, mort à Lima en 1932, était un peintre majeur péruvien dont l'œuvre couvre plusieurs styles, de la peinture de genre à la peinture académique puis à l'impressionnisme, avant d'aboutir à un style très personnel. Excellent portraitiste, ses œuvres des deux dernières décennies effacent l'étiquette de «peintre académique» que les critiques d'art lui avaient accolée.

Son nom complet comprend le nom de son père: Leocadio Hernandez, et celui de sa mère: Doña Basilia Morillo.

Son éducation artistique commence à l'âge de 14 ans, dans l'atelier du peintre Leonardo Barbieri. Dès 1872, son tableau La mort de Socrate lui vaut l'estime des autorités artistiques et une bourse du gouvernement de Manuel Pardo, dont il ne recevra qu'une partie : le président Pardo sera assassiné le 16 novembre 1878. Ce qui n'empêche pas Daniel Hernandez de partir pour l'Europe. Il séjourne d'abord à Rome où il étudie la peinture classique pendant dix ans, puis à Paris où il réside jusqu'en 1917. Il se lie alors avec les orientalistes espagnols : Mariano Fortuny, (fils de Marià Fortuny), Francisco Pradilla y Ortiz, Villegas, avant de devenir président de la «Société des Peintres espagnols résidents à Paris». Peintre historique, portraitiste, son style oscille entre préciosité et débauche de couleurs.

Récompensé dès 1899 à l'Exposition universelle de Paris pour son célèbre tableau La Paresseuse et en 1900 pour Cruel amour et la paresseuse, Hernandez se révèle un «grand admirateur de beauté féminine».

En 1918, il retourne dans son pays natal où il occupera jusqu'à sa mort la fonction de directeur de l'École Supérieure des Beaux Arts du Pérou; le peintre indigéniste José Sabogal lui succédera à ce poste. Bien que considéré comme peintre académique, Hernandez a été très influencé par le mouvement impressionniste dont il sera l'ardent promoteur dans son pays.

Daniel Hernandez a également illustré un grand nombre d'œuvres de grands auteurs, notamment Le Curé de village, Illusions perdues, Le Médecin de campagne d'Honoré de Balzac.

Charles Edward Perugini, né le 1er septembre 1839 à Naples et mort le 22 décembre 1918 à Londres, à l'origine Carlo Perugini, était un peintre anglais mais né italien, de l'époque victorienne et romantique.

Carlo Perugini naît en 1839 à Naples, mais il vit avec sa famille en Angleterre de l'âge de six à dix sept ans. Il est formé en Italie par Giuseppe Bonolis et Giuseppe Mancinelli, et à Paris par Ary Scheffer. Il devient un protégé de Lord Leighton, qui le ramène en Angleterre en 1863.

En 1874, il épouse la plus jeune fille du romancier Charles Dickens, Kate Perugini qui poursuit son propre parcours artistique, parfois en collaboration avec son mari. Le tableau de Perugini de 1878 A Girl Reading, peut-être son œuvre la plus connue, est située dans la collection de la Manchester Art Gallery. Elle est léguée par James Thomas Blair en 1917.

Le portrait de Perugini de Sophie Gray, la belle-sœur du peintre préraphaélite Sir John Everett Millais, est pendant de nombreuses années confondu avec une œuvre de Millais lui-même.

Charles Edward Perugini et sa femme maintiennent une vie sociale active dans les milieux artistiques de leur époque.

Il meurt le 22 décembre 1918 à Londres.

Catherine Elizabeth Macready Perugini, née Dickens le 29 octobre 1839 à Londres et morte le 9 mai 1929 dans la même ville, était une peintre anglaise de l'époque victorienne et la fille de Catherine Thompson Hogarth et de Charles Dickens.

Kate Perrrugini nait le 29 octobre 1839 sous le nom de Catherine Dickens. Ses parents sont Catherine Dickens et Charles Dickens. Elle est surnommée Kate ou Katey, et est la plus jeune fille survivante du couple et, selon ses frères et sœurs, l'enfant préféré de son père. Charles Dickens l'aurait nommée d'après son ami, l'acteur William Macready. Lorsqu'elle est jeune fille, elle porte également le surnom de Lucifer Box pour son tempérament bouillant.

Enfant, elle voyage beaucoup avec sa famille et joue dans les productions théâtrales amateurs élaborées de son père, notamment la représentation en 1857 de The Frozen Deep de Wilkie Collins devant la reine Victoria. En 1858, ses parents se séparent et les enfants restent avec leur père. La raison de cette séparation n'est pas claire, mais les rumeurs se concentrent sur la relation étroite entre Charles Dickens et Ellen Ternan, une actrice de plusieurs années sa cadette, et/ou Georgina Hogarth.

À l'âge de 12 ans, Kate Dickens commence à étudier l'art au Bedford College, le premier établissement d'enseignement supérieur pour les femmes en Grande-Bretagne. Elle devient une peintre à succès de portraits et de peintures de genre, collaborant parfois avec son mari Charles Perugini. Kate cherche à se distinguer de son père, refusant d'être associée uniquement à sa renommée.

Portraitiste, elle commence à exposer ses œuvres aux salons de la Royal Academy en 1877. Elle expose également régulièrement ses œuvres à la Society of Watercolour Painters et à la Society of Lady Artists. Kate Perugini envoie trois œuvres à la Grosvenor Gallery entre 1880 et 1882. L'une, intitulée Civettina (1880), est une peinture de genre italienne représentant le portrait en demi-longueur d'une jeune fille de profil, dos au spectateur, comme dans son propre portrait par Millais. Kate Perugini expose ses œuvres au Palace of Fine Arts et au Woman's Building lors de l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, dans l'Illinois.

Kate Perugini est particulièrement connu pour ses portraits d'enfants, notamment: Une petite femme (1879), Nourrir les lapins (1884), Dorothy de Michele (1892) Un marchand de fleurs.

En 1880, Sir John Everett Millais l'a peinte dans l'un de ses «portraits les plus frappants». Il est exposé lors de l'exposition d'été de la Grosvenor Gallery en 1881. Cette peinture représente Kate Perugini debout, dos au peintre, mais profilant ses traits distinctifs. Le portrait de Kate Perugini, également exposé à la Grosvenor Gallery, est un cadeau de mariage de John Everett Millais, présenté lors du mariage de Kate Perrugini avec Charles Perugini. Il s'agit d'un exemple du dernier style de portrait de John Everett Millais, plus libre, plus luxuriant et plus proche de l'esquisse que du naturalisme de la Confrérie préraphaélite. En montrant le tableau au Grosvenor, «Perugini se présente comme faisant partie d'une famille cultivée, éduquée et artistique». John Everett Millais l'avait précédemment utilisée comme modèle pour sa peinture The Black Brunswicker (1860).

Son premier mari est l'artiste et auteur Charles Allston Collins, frère cadet de Wilkie Collins; le mariage a lieu le 17 juillet 1860. Kate Perugini aurait une liaison avec Valentine Prinsep lors de son mariage avec Wilkie Collins. Après sa mort d'un cancer en 1873, Kate épouse un autre artiste, Charles Edward Perugini. Le couple se marie en secret en 1873, puis a une cérémonie officielle en 1874. Elle et Charles Edward Perugini ont un enfant, Leonard Ralph Dickens Perugini. Il meurt le 24 juillet 1876, à l'âge de sept mois. Les Perugini sont actifs dans la société artistique et entretiennent des amitiés avec JM Barrie et George Bernard Shaw, entre autres célébrités de leur époque. Comme son premier mari, elle poursuit des activités littéraires parallèlement à la peinture.

Kate est la principale source d'informations utilisée par la biographe Gladys Storey pour son livre Dickens and Daughter, qui révèle la liaison de Dickens avec l'actrice Ellen Ternan. Les partisans de Charles Dickens attaquent le livre comme n'étant pas fiable, en particulier les passages concernant Ellen Ternan et la naissance d'un enfant. Cependant, George Bernard Shaw écrit au The Times Literary Supplement pour dire que Kate lui avait tout dit dans le livre quarante ans auparavant.

Charles Perugini meurt en 1918 et est inhumé aux côtés de son petit garçon. Kate survit à son mari pendant dix ans, mourant à l'âge de 89 ans. L'une des causes de décès figurant sur son certificat de décès est «l'épuisement».

Jehan Georges Vibert, dit Jean-Georges Vibert, né le 30 septembre 1840 à Paris et mort le 26 juillet 1902 à Paris 9e, était un peintre et dramaturge français.

Jean-Georges Vibert est le fils de Louise-Georgina Jazet et de l'éditeur d’estampes Théodore Vibert, associé d'Adolphe Goupil, fondateur de la maison Goupil & Cie. Il est le petit-fils du rosiériste Jean-Pierre Vibert (1777-1866).

Il commence un apprentissage artistique chez son grand-père maternel, le graveur Jean-Pierre-Marie Jazet. Plus intéressé par la peinture que par la gravure, il entre dans l'atelier de Félix-Joseph Barrias, puis est admis à l'École des beaux-arts de Paris en 1857. Il y reste pendant six ans dans l'atelier de François-Édouard Picot.

Vibert commence à exposer en 1863 au Salon de Paris avec deux œuvres, La Sieste et Repentir, mais cette première expérience fut un relatif échec. Il rencontre le succès les années suivantes et obtient une médaille au Salon de 1864 pour Narcisse changé en Fleur, année où il épouse en premières noces Louise Dietrich (née en 1843), dont il divorcera le 1er juillet 1886.

Médaillé au Salon 1867 et de 1868, il obtient une médaille de troisième classe à l'Exposition universelle de 1878 avec plusieurs aquarelles, dont celle de La Cigale et la Fourmi, remarquée par le New York Times.

Durant la guerre franco-allemande de 1870, Vibert s'engage au sein des tirailleurs de la Seine. Il est blessé à la bataille de Buzenval en octobre 1870, blessure qui lui vaut la Légion d'honneur. En 1882, il sera promu au rang d'officier de ce même ordre.

En 1886, il est membre du jury section Aquarelle-Pastel de la deuxième Exposition internationale de blanc et noir à Paris avec Gustave Boulanger et Émile Lévy.

Le 8 septembre 1887, en deuxièmes noces, il se marie avec la comédienne Marie-Émilie Jolly, dite Mademoiselle Lloyd ou Marie-Émilie Lloyd (1842-1897), et le 21 octobre 1897, il épouse en troisièmes noces Marie Sanlaville (1847-1930) première danseuse de l'Opéra de Paris et mère de l'artiste dramatique et professeur de diction Marguerite Marie Sanlaville (1869-1912).

Vibert présente ses œuvres au Salon jusqu'en 1899. Il y envoie des scènes de genre dixhuitiémistes anecdotiques. Ses tableaux - au ton volontiers ironique - dépeignant des cardinaux dans des situations familières, la tache de vermillon de la soutane de ses modèles attirant particulièrement l'attention, lui valent un grand succès, ce thème étant alors à la mode. La popularité de son travail atteint les États-Unis où il vend ses œuvres à grand prix, notamment à John Jacob Astor IV et William Kissam Vanderbilt. Un grand ensemble de peintures de Vibert est collectionné par Mary Louise Maytag, héritière d'Elmer Henry Maytag, pour le compte de l'évêque de Miami Coleman Carroll qui les apprécie beaucoup malgré leurs accents d'anticléricalisme. La collection fut donnée au séminaire de Floride, St. John Vianney College Seminary.

Jean-Georges Vibert est inhumé à Paris au cimetière du Père-Lachaise (4e division).

Wilhelm August Lebrecht Amberg (né le 25 février 1822 à Berlin, mort le 8 septembre 1899 ibid.) était un peintre allemand de scènes de genre.

Wilhelm Amberg étudie à l'Académie des arts de Berlin avec Wilhelm Herbig. De 1839 à 1842 il travaille dans l'atelier de Carl Joseph Begas, puis un an chez Léon Cogniet à Paris. Il voyange en Italie, visite Rome, Venise et Naples, et finalement s'installe en 1847 à Berlin.

Amberg se consacre presque exclusivement à la peinture de genre, avec des thèmes gais ou graves. Ses sujets sont toujours plaisants et correspondent au goût de l'époque. Ses travaux sont volontiers reproduits dans des périodiques comme Die Gartenlaube ou «Über Land und Meer». À l'exception d'une œuvre de jeunesse à sujet religieux pour l'église Sainte-Gertrude de Berlin et quelques peintures de paysages, Amberg se consacre uniquement à des thèmes narratifs. Ses tableaux se distinguent pas leur tonalité harmonieuse, la force de leurs sentiments et leur sens poétique.

On remarque, parmi les peintures à thème grave, notamment Trost in Tönen et Der Witwe Trost, et parmi celles à tonalité gaie Die Liebespost, Die rauchende Zofe, Naschkätzchen et Vorlesung aus Goethes «Werther», cette dernière est une des œuvres principales de la collection de la Nationalgalerie de Berlin de l'année 1870. Un tableau légèrement sentimental, intitulé Der Abschied, date de 1897 et a été exposé l'année suivante à la Große Berliner Kunstausstellung, la grande exposition d'art de Berlin.

Wilhelm Amberg a reçu de nombreuses distinctions. Il est à partir de 1886 membre du sénat de l'Académie des arts de Berlin.

Carl von Bergen était un peintre allemand né en 1853 à Cuxhaven, sur la côte nord de l'Allemagne, et mort en 1933.

Peintre de paysages et de scènes de genre, souvent avec des enfants dans le rôle principal.

À partir de 1878, Bergen étudie à l'Académie de Munich, où il s'installe définitivement. À partir de 1889, Carl von Bergen expose régulièrement au Palais du verre de Munich. Carol von Bergen est surtout connu pour ses portraits d'enfants et ses joyeuses «idylles de Bach» avec des enfants paysans et des servantes.

Il vécut la majeure partie de sa vie, à partir de 1888, à Munich.